Esplendor en la quiebra

LOS DESCENDIENTES (THE DESCENDANTS) -2011-

2012-02-03T05:32:00.000-08:00

LA FUERZA Y LA DEBILIDAD DE LA SUTILEZA

CALIFICACION: 3,5/5

The Descendants.- Estados Unidos, 2011.- 110 minutos.- Director: Alexander Payne.- Intérpretes: George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, Patricia Hastie, Matthew Lillard, Judy Greer, Beau Bridges, Robert Forster.- DRAMA.- Matt King , casado y padre de dos niñas, se ve obligado a replantearse la vida cuando su mujer sufre un terrible accidente que la deja en coma. Intenta torpemente recomponer la relación con sus problemáticas hijas -la precoz Scottie, de 10 años, y la rebelde Alexandra, de 17 - al tiempo que se enfrenta a la difícil decisión de vender las propiedades de la familia. Herederos de la realeza hawaiana y los misioneros, los King poseen en Hawai tierras vírgenes de un valor incalculable.

Aunque subjetivamente me gusta más la anterior película de Payne, Entre copas, objetivamente estamos ante un film a la misma altura y que puede gustar a un público más amplio ya que si aquella era una película fundamentalmente sobre el universo masculino, ésta es más universal y ahonda en las miserias y grandezas del ser humano.

Como en todas sus películas Payne nos presenta a un personaje principal en un momento crucial: aquel en el que tiene que tomar decisiones largamente aplazadas, ya que las circunstancias no le dejan otra opción. Tiene que pagar deudas no monetarias, (acertadamente el protagonista tiene una situación económica más que holgada) sino emocionales.

Payne borda la descripción del personaje, su entorno, sus interacciones personales y sus conflictos. Lamentablemente, la primera media hora del film (quizá la más interesante) ya nos la sabemos por culpa de uno de los más nefastos trailers de los últimos tiempos.

Después los personajes se embarcan en un viaje sin un objetivo muy claro y narrado de una manera quizá demasiado sutil que da lugar a que muchos detalles ingeniosos del guión se nos puedan pasar de largo en un primer visionado.

El mayor logro de Payne es encontrar un magnífico equilibrio entre el drama y la comedia, entre la tragedia y el absurdo con un tema que no se presta en absoluto a ello. Los personajes de el suegro del protagonista y del amigo de su hija son de los mejores secundarios de los últimos tiempos. Sin embargo, en ocasiones, el film no parece centrarse y casi se nos olvida que la madre-esposa de los protagonistas está en coma. Además, el final es flojo y carece de fuerza dramática, aunque sí que está repleto de humanidad.

Por último comentar la injusticia que supone la no nominación para la joven ShaileneWoodley, en un papel a la altura de Clooney. Lo cual no era nada fácil para una casi debutante de 19 años.

J. EDGAR -2011-

2012-02-03T04:38:00.000-08:00

MORTECINO MUSEO DE CERA

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 136 minutos.- Director: Clint Eastwood.- Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Josh Lucas, Judi Dench, Armie Hammer, Ed Westwick, Dermot Mulroney, Lea Thompson.- DRAMA.- Hacer una película aburrida sobre una de las personalidades más complejas y apasionantes del siglo XX parecía casi imposible. Clint Eastwood, en horas bajas, y sobre todo el nefasto guionista Dustin Lance Black (increíble pero no incomprensible –lobby gay, lobby gay- oscar al mejor guión por Harvey Milk) lo consiguen en bastantes pasajes de su nuevo film.

En 1924, con sólo 29 años, Edgar Hoover fue nombrado director general del FBI para que reorganizara la institución. Ocupó el cargo hasta su muerte en 1972, sobreviviendo a siete presidentes, alguno de los cuales intentó inútilmente destituirlo. Los archivos que Hoover guardaba celosamente, llenos de secretos inconfesables de importantes personalidades, lo convirtieron en uno de los hombres más poderosos y temidos de la historia de los Estados Unidos.

No puede ser casualidad que coincidan en cartelera dos biografías (una hagiográfica como La dama de hierro y otra peligrosamente ambigua como ésta) de dos de las personalidades más nefastas, y mira que hay, del siglo XX. La ola conservadora ya es tsumani y arrasa con todo. Lo que pasa es que Eastwood es un viejo lobo de mar y sabe no parecer tan conservador como la Phyllida Lloyd de La dama de hierro. Además, Eastwood lleva 40 años dirigiendo y sabe lo que se trae entre manos.

Sin embargo poco puede hacer con un guión sin chispa, sin verdaderos conflictos, rutinario, sin picos dramáticos y con verborrea, mucha verborrea. Desde el primer diálogo, nos damos cuenta de que el film va a ser discursivo y las ideas se van a trasmitir por vía de la palabra, no de la imagen. Es decir, de cine, poco o nada.

Di Caprio y los demás hacen lo que pueden con este torpe guión que pasa por encima de todo sin detenerse en nada, que no encuentra el norte y que sólo en la parte central consigue atrapar al espectador. Por si fuera poco, los actores deben intentar trasmitir alguna emoción bajos capas y capas, kilos y kilos de latex que los convierten en inexpresivas figuras de cera de un museo de los horrores cuyo tema es el aplaudido triunfo de la obsesión por el control y la seguridad del estado sobre la libertad del indivuo. Es decir, del triunfo de lo peor de Estados Unidos sobre lo mejor.

PELICULAS OLVIDADAS: DOS FILMS QUE RICHARD FLEISCHER RODO EN ESPAÑA EN LOS AÑOS 70

2012-02-03T03:39:00.000-08:00

La más destacable de las dos es "Fuga sin fin" (The last run, 1971) que iba a filmar John Huston. Gran película crepuscular con guión del perspicaz guionista británico Alan Sharp (Hombres sin fronteras, Billy dos sombreros, La venganza de Ulzana o La noche se mueve), rodada en Extremadura, Andalucia y El Algarve portugues entre otras localizaciones

También es interesante "Tres forajidos y un pistolero" (The Spikes gang, 1974), un western protagonizado por adolescentes que se tienen que enfrentar a un mundo violento y deshonesto. Este subgénero se puso de moda con pelis como John Wayne y los cowboys o Pistoleros en el infierno,entre otros.

Aquí dos de los protas de American Grafitti (Ron Howard y Charles Martin Smith) se unen a uno de los chavales más afortunados del cine americano de los 70 (Gary Grimes) Y no porque su carrera fuera nada del otro mundo sino porque rodó una escena de sexo con la incomparable Jennifer O´Neil en la generacional "Verano del 42"

El film se rodó en uno de los templos del spaghetti western, la localidad almeriense de Tabernas

LA DAMA DE HIERRO -THE IRON LADY- (2011)

2012-02-03T03:28:00.000-08:00

SEGÚN ESTA FALAZ PELICULA, ERA DE PELUCHE

CALIFICACION: 1,5/5

Gran Bretaña, 2011.- 105 minutos.- Director: Phyllida Lloyd.- Intérpretes: Meryl Streep, Jim Broadbent, Anthony Head.- DRAMA.- ¡Ay, pobrecita la Margaret! Que tiene demencia senil. ¡Ay, pobrecita Tatcher! Que tuvo que lidiar como mujer (pobre) en un mundo de hombres (ricos). ¡Ay, pobrecita, Margaret Thatcher que se vio obligada a cargar contra unos sucios mineros que tuvieron la osadía de pedir mejores condiciones laborales y que protestaban contra la supresión de los derechos laborales por los que murieron sus antepasados! En ese tono de cuento (de terror, eso sí) para niños es en el que la tal Phyllida Lloyd quiere convencernos de que la dama de hierro también es un ser humano (claro, no va a ser una mesa). También fueron seres humanos Hitler y Stalin ¿Y?

Pues lo que no cuenta la película ¡Ay, pobrecito su país! (y el mundo, ya que sus políticas se convirtieron en modelo para todos los neo-com que nos han llevado a donde estamos) que tuvo que ver como luchó contra hombres malos para convertirse en una mujer peor que todos ellos -¿mala conciencia de clase?- que arrasó con las conquistas sociales de varias generaciones en sólo una década y que perpetuó las constantes de una de las sociedades más clasistas del mundo, la británica.

Esta pornográfica película (esto es auténtica pornografía y no una peli de Sasha Grey) es una muestra más del sucio y rastrero revisionismo histórico que nos ha arrasado cual tsunami y que ha sido una de las principales armas de una revolución conservadora que empezó, a principios de los 80, con la Thatcher y su amigo Reagan (Pinochet tampoco le caía mal que digamos) y que, 30 años después, ha ganado por goleada. Con espíritu deportivo, los derrotados les damos la mano para felicitarles por su victoria sin paliativos, deseándoles la mejor de las suertes, porque de su acierto a la hora de gobernarnos, dependerá nuestro futuro y la de las próximas generaciones.

Que Meryl Streep rodara hace 35 años El cazador y ahora este film, es el mejor resumen de este cambio de tendencia absoluto. No hay mejor metáfora. Bueno, que los mayores de 40 años se traguen esta manipulación de la historia sin rechistar esta casi a la misma altura metafórica. Los menores de 40, ya tenemos bastante con lo que se les viene encima.

Hasta ahora una crítica ideológica y no cinematográfica, lo que siempre he odiado. ¡Que contradicción! Para paliar este injustificable error, decir que la Lloyd rueda la película más aburrida posible sobre un personaje que puede gustar más o menos, pero que, sin duda, es fascinante. El tedio es el eje sobre el que gira un film que provoca sopor del que sólo te saca alguna de las muchas tergiversaciones y falsedades del film (¿La Tatcher bailando con Nelson Mandela?)

La dirección es pobre, plana, sin profundidad dramática ni hallazgos narrativos ni visuales. Todo parece confiarse (con cierta lógica) a la portentosa interpretación de Meryl Streep, una de las mejores actrices cinematográficas de los últimos 50 años, que no hace de Margaret Thatcher, es Margaret Thatcher.

ALBERT NOBBS -2011-

2012-02-03T02:39:00.000-08:00

MUCHO PEOR QUE UNA MALA PELICULA

CALIFICACION: 1/5

Gran Bretaña, 2011.- 127 minutos.- Director: Rodrigo García.- Intérpretes: Glenn Close, Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Jonathan Rhys Meyers, Brendan Gleeson, Maria Doyle Kennedy, Janet McTeer.- DRAMA.- Cuando uno va al cine, hay cosas mucho peores que elegir una mala película. Cuando acudes por curiosidad morbosa a ver un más que previsible bodrio, ya vas prevenido e incluso puedes reirte de sus multiples defectos o, incluso, sorprenderte pasando un buen rato o, incluso, descubriendo que no es tan mala como la pintan. Si se confirma que es un desastre, no pasa nada; ya estaba en la lista de pelis de las que no esperabas nada.
Mucho más frustrante es acudir a la sala de cine con buenas referencias y encontrarse con un fenomenal bodrio. La tenías en la lista de esperanzas de que el nuevo año de cine sería mejor y empieza a confirmarte que seguramente será peor.
Todos esperábamos más de un director interesante aunque con tendencia a endilgarnos ladrillos importantes con la coartada de sensible y feminista (la recomendable serie En tratamiento, la sobrevalorada Cosas que diría con sólo mirarla, las notables Madres e hijas y Nueve vidas y la desastrosa Passengers), una actriz protagonista en el papel de su vida que le vale otra nominación al Oscar (Glenn Close) y una trama interesante aunque muy vista: la de una mujer que se debe vestir de hombre para subsistir en un universo machista (Yentl, ¿Victor o Victoria?)
¿Y qué nos ofrece Albert Nobbs? Aburrimiento, cartón-piedra, hechuras de telefilm de lujo y una continua y desesperada llamada a la suspensión de incredulidad: cómo nunca vemos a Albert Nobbs en pantalla sino a Glenn Close disfrazada de hombre (como mucho al único que hombre al que me recordó el-la protagonista mientras veía la película fue al ínfame ex jugador del Real Madrid, Prosinecki; con lo cual mis pesadillas fueron terribles) nos resulta ridículo que los protagonistas se traguen sin dudar ni rechistar que ese patético travestido sea un hombre.
En el siglo XIX, en un lujoso hotel de Dublín, una mujer se ve obligada a hacerse pasar por un hombre para poder sobrevivir. Esta es la sinopsis del film y toda su trama. La película presenta esta situación y ahí se queda. No avanza en ninguna dirección, tal vez porque ni la cámara se cree nada de lo que se está contando. No hay análisis de la psicología de los personajes, ni conflictos, ni intensidad dramática. Pero lo peor está por llegar. Un patético final donde la sobreactuación es lo único que triunfa.
Lo único que salva al film del absoluto desastre que bordea todo el tiempo es la entrega total de Close a un papel y una película en la que cree a pies juntillas, no sabemos porqué. ¿Tanto le afectó al entendimiento y la perspicacia su inolvidable papel de Alex en Atracción fatal?

DRIVE -2011-

2012-01-24T04:04:00.000-08:00

LAS FORMAS NARRATIVAS DE DOS EPOCAS, EL ESPIRITU DE UN TIEMPO

CALIFICACION: 4/5

Estados Unidos, 2011.- 100 minutos.- Director: Nicolas Winding Refn.- Intérpretes: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Christina Hendricks, Bryan Cranston, Oscar Isaac, Albert Brooks.- THRILLER PSICOLOGICO-ROMANTICO.-
Una verdadera sorpresa y una de las cintas más interesantes de todas las estrenadas en España durante el año 2011. El noruego Winding Refn debuta a lo grande en Hollywood y se convierte en una promesa a seguir con atención.

Durante el día, Driver es conductor especialista de cine, pero, de noche, trabaja como chófer para delincuentes. Shannon, su mentor y jefe, que conoce bien su talento al volante, le busca directores de cine y televisión o criminales que necesiten al mejor conductor para sus fugas, llevándose la correspondiente comisión. Pero el mundo de Driver cambia el día en que conoce a Irene.

El proverbial uso de la elipsis, la controlada deriva tonal entre romanticismo y violencia casi gore, un esteticismo que casa perfectamente con lo que se está contando y unas bienvenidas dosis de efectismo y pretenciosidad en un contexto donde se prefiere el aburrimiento a lo molón, son algunos de las virtudes del film.

El film se erige en un hibrido perfecto entre lo mejor del cine de Sofia Coppola y David Lynch y el espíritu desencantado y fatalista del cine angelino -ambientado en Los Angeles- de los 80. A saber American Gigoló, Mike´s murder, Vivir y morir en Los Angeles o A la mañana siguiente, por citar algunas.

La consecución de algunas escenas mágicas como la del cauce del río, la del ascensor, la del club de alterne o aquella en la que el protagonista aparece casi como un espectro con la máscara que utiliza en sus escenas de alto riesgo como especialista son momentos que quedan en la retina por largo tiempo,

Finalmente lo que completa el festín cinéfilo son los comentarios críticos con nuestro entorno económico-social que casi siempre son visuales y no discursivos.

Quizá el paso del tiempo no la trate bien, como otras muchas cintas que impactaron en su momento por su capacidad para captar el espíritu de un tiempo. Pero nunca me he sentido capacitado para saber si una película se convertirá en un clásico sino lo que supone en el que contexto en el que se estrena.

MILLENIUM: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES -2011-

2012-01-24T03:46:00.000-08:00

EJEMPLAR REMAKE…PERO ES ESO, UN REMAKE

CALIFICACION: 3/5
Millenium: The Girl with the Dragon Tattoo.- Estados Unidos, 2011.- 158 minutos.- Director: David Fincher.- Intérpretes: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Robin Wright Penn, Steven Berkoff, Yorick van Wageningen, Goran Visnjic.- ACCION.- Si obviamos que la única razón de ser de este remake de un film conocido por una amplia mayoría en Europa y otras zonas del mundo es acercar esta poderosa historia a un público americano demasiado perezoso para ver películas subtituladas (Así se estrenan los escasos films en lengua no inglesa que llegan a las pantallas estadounidenses), hay que señalar que estamos ante la mejor revisitación posible.

Y ello se debe a la maestría de Fincher (Seven, Zodiac, La red social) que logra acercarse a la esencia y, sobre todo, a la atmósfera del film original. Efectivamente rodar y ambientar la narración en la Suecia de la novela era una acertada y, a la vez, arriesgada opción. Todos los cinéfilos, también los españoles, hemos sufrido cintas y cintas ambientadas fuera de Estados Unidos repletas de errores y que destilan falsedad por los cuatro costados. Aquí se han preocupado de que, al menos, no se note demasiado que los responsables del film son foráneos.

Esperando poder distanciarse de la acusación de difamación que pesa sobre él, el periodista Mikael Blomkvist se traslada a una isla remota en el norte de Suecia donde la muerte aún no resuelta de una joven atormenta a su tío cuarenta años después. Alojado en una cabaña de la isla donde el asesino puede estar aún rondando, la investigación de Blomkvist le lleva a dibujar los secretos y mentiras de esta poderosa y rica familia junto a una rara aliada, la tatuada y hacker punki, Lisbeth Salander.

Sin duda, el mayor acierto de Fincher es dotar al film de un excelente ritmo y un vigoroso sentido de la narración que hace que nos acerquemos a la intriga casi como fuera material de primera mano.

THE ARTIST (2011)

2012-01-19T05:25:00.000-08:00

UN SINCERO HOMENAJE A LA ETAPA MAS PURA DEL SEPTIMO ARTE

CALIFICACION: 3,5/5

Francia , 2011.- 100 minutos.- Director: Michel Hazanavicius.- Intérpretes: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle, Malcolm McDowell.- TRAGICOMEDIA.- Un placer cinéfilo y bastante más que una mera copia, por perfecta que fuera, de las formas visuales y constantes narrativas del cine mudo; sin duda, el período más puro y auténtico de la historia del séptimo arte. Un tiempo en el que no era necesario el uso del sonido ni excesivos efectos visuales para emocionar al espectador, conectándolo con sus emociones más universales.
Hollywood, 1927. George Valentin es una gran estrella del cine mudo a quien la vida le sonríe. Pero, con la llegada del cine sonoro, su carrera corre peligro de quedar sepultada en el olvido. Por su parte, la joven actriz Peppy Miller, que empezó como extra al lado de Valentin, se convierte en una estrella del cine sonoro.
Hazanavicius ha realizado un portentoso trabajo de documentación, empapándose de los principales títulos del cine silente, para regalarnos este sincero homenajes. Pero sus logros no se detienen ahí. Ha introducido en este corpus una serie de elementos más modernos que casan perfectamente con el entorno creado.

1) Una magnífica banda sonora (confluencia perfecta de lo viejo y lo nuevo) que realza y complementa cada una de las escenas. Un ejemplo magnífico es aquel en el que subraya un angustioso montaje paralelo, propio de las grandes obras del maestro del cine Griffith, con una mítica pieza musical que Hermann compuso para Hitchcock.
2) El uso de una serie de recursos narrativos más propios del período clásico que de los inicios del cine
3) La utilización del sonido con valor dramático (lo único que realmente aportó la novedad sonora al cine) en una magistral secuencia onírica.

Por otro lado, se debe destacar a la pareja protagonista que está perfecta en sus roles. Trasmite emoción, sinceridad, patetismo e ingenuidad según la ocasión. Sin olvidar una de las mejores interpretaciones caninas de la historia. Adoro a ese perro y eso que no soy mucho yo de mascotas.

Finalmente, destacar que la cinta, tras ganar varios Globos de Oro, tiene posibilidades de cara a los Oscars. Y es que no hay nada que guste más a Hollywood que (re) descubrir que en su culturalmente idolatrada e idealizada Europa, nos pirramos por la cultura popular yanqui.

UN LUGAR PARA SOÑAR -WE BOUGHT A ZOO- (2011)

2012-01-19T05:06:00.000-08:00

BASURA HOLLYWOODIENSE

CALIFICACION: 1/5

Estados Unidos, 2011.- 100 minutos.- Director: Cameron Crowe.- Intérpretes: Matt Damon, Scarlett Johansson, Colin Ford, Thomas Haden Church, Elle Fanning, Carla Gallo, Patrick Fugit,.- DRAMA.- No soy amigo de destrozar las películas porque soy consciente del ingente trabajo que conlleva levantar hasta la peor de las obras cinematográficas. Pero hay cosas que claman al cielo. Y una de ellas es la carrera de Cameron Crowe, Aunque sus primeras obras fueron frescas y sinceras, el grueso de su carrera oscila entre la vacuidad, la estupidez y lo absolutamente prescindible (Vanilla Sky, Jerry McGuire y Elizabethtown). Aquí vuelva a dar muestra de su incompetencia, superficialidad y patética cosmovisión yanqui.

Basada en la biografía de Benjamin Mee, un hombre que compró un zoo e intentó, con la ayuda de su familia, sacarlo adelante.

Si en lugar de estar protagonizada por Damon y Johansson, contara como pareja protagonista con dos segundones, la cinta hubiera pasado directamente a DVD. Y es que es difícil encontrar un guión más inane, previsible, convencional, limitado, poco arriesgado y carente de verdaderos conflictos. Y la realización de Crowe está casi a la misma altura.

Además como diría Coursoudon y Tavernier en su “50 años de cine norteamericano”, presenta uno de los peores defectos del peor Hollywood: todo viene dado desde el principio, las cosas pasan porque las dice el guión y no porque haya una lógica interna. La cinta está repleta de mediocres escenas de transición que sólo sirven para conectar entre sí las fallidas escenas, supuestamente esenciales, que pretenden emocionar sin conseguirlo.

Por no hablar de los patéticos diálogos, los tópicos personajes o los xenofobos comentarios sobre Latinoamérica.

Huir. No vale la pena ni por los guapos protas, que han estado mucho más atractivos en otros films.

MISION IMPOSIBLE 4: PROTOCOLO FANTASMA -MISSION IMPOSSIBLE: GHOST PROTOCOL (2011)

2012-01-14T03:57:00.000-08:00

DIVERSION ASEGURADA

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 132 minutos.- Director: Brad Bird.- Intérpretes: Tom Cruise, Jeremy Renner, Simon Pegg, Paula Patton, Josh Holloway, Michael Nyqvist, Ving Rhames, Tom Wilkinson, Léa Seydoux.- ACCION.- La saga capitaneada por el inefable Cruise queda revalorizada tras esta cuarta entrega. Sin dejar de ser cine de usar y tirar, de consumo rápido y efímero, es infinitamente más divertida y sólida que la mayoría de sus congéneres.

Cuando la agencia de espionaje se ve implicada en un atentado con bomba contra el Kremlin, es clausurada. Sin embargo, Ethan Hunt y su nuevo equipo no se rinden: están incluso dispuestos a vivir como fugitivos con tal de limpiar el nombre de la organización.

En primer lugar sus dos horas largas de duración se pasan en un santiamén. Pero no sólo eso sino que Bird (director de Los increíbles y Ratatouille de la Pixar) alcanza la perfección cuasi-absoluta en las diversas set pieces de acción –que unidas por convencionales pero eficaces interludios dramáticos y cómicos- que constituyen lo mejor de la velada. Mención especial merecen los episodios que se desarrollan en Moscú y, especialmente, el de Dubai, en los que se aúnan emoción y espectacularidad.

Es cierto que el último tercio no está a la altura pero el regusto final es positivo.

LAS 18 PELICULAS MÁS INTERESANTES DEL AÑO 2011

2012-01-04T11:25:00.000-08:00

CAMINO A LA LIBERTAD
Gran Bretaña, 2010.- 130 minutos.- Director: Peter Weir.- Intérpretes: Jim Sturgess, Ed Harris, Colin Farrell, Saoirse Ronan, Mark Strong.- DRAMA- Sin llegar a ser la excelente obra que podía haber sido, Weir firma un film notable, totalmente alejado de las modas actuales (primeros planos, montaje mareante, confusión narrativa, obsceno uso del sentimentalismo y falsa trascendencia) y, por tanto, sin dar al público nada de lo que espera.
Obra casi suicida en su planteamiento y resolución, filmada con majestuosos grandes planos generales que parecían desterrados del insoportable cine de cogotes y retinas que puebla nuestras pantallas con el objetivo de reducir gastos y de que se vea bien en la tele, se atreve a desprenderse de coartadas de todo tipo y centrarse en la esencia humana sin épica alguna.

CISNE NEGRO
Estados Unidos, 2010.- 103 minutos.- Director: Darren Aronofsky.- Intérpretes: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey.- DRAMA PSICOLOGICO.- Aquí lo que importa no es tanto el qué, sino el cómo. Si la mayoría de las películas las vivimos en tercera persona, como un voyeur que observa lo que le pasa a “otros”, Aronofsky te impide ese distanciamiento y te hace entrar en la piel (el dolor físico se siente en este film como en pocos otros) y la mente de una prodigiosa Portman, ganadora del Oscars, que está presente prácticamente en todos los planos del film y que es, ella sola, más de media película.

CONVENCION EN CEDAR RAPIDS
Cedar Rapids.- Estados Unidos, 2011.- 86 minutos.- Director: Miguel Arteta.- Intérpretes: Ed Helms, John C. Reilly, Anne Heche, Isiah Whitlock Jr., Sigourney Weaver.- COMEDIA DRAMATICA.- Tiene apariencia de comedia y, de hecho, provoca más de una carcajada en su descripción de las ridículas situaciones a las que conduce la forma de vida en los actuales Estados Unidos, especialmente en lo que hace referencia al mundo laboral.
Podríamos hablar de El apartamento del siglo XXI, pero el clásico de Billy Wilder de 1960 era cine comercial puro y duro, producido con los mejores medios económicos y artísticos, perfectamente publicitado y distribuido y triunfador de los Oscars. Sin embargo, el film que nos ocupa es cine residual, hecho con 4 duros, sin estrellas y negligentemente publicitado y distribuido. Esta diferencia abismal es sintomática de los tiempos (cinematográficos y globales) que nos ha tocado vivir donde el cine sobre temas serios no interesa o se cree que no interesa al público en general.

EL ARBOL DE LA VIDA
Estados Unidos, 2011.- 118 minutos.- Director: Terrence Malick .- Intérpretes: Brad Pitt, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Sean Penn, Fiona Shaw.- DRAMA FAMILIAR.- En primer lugar, quiero señalar que estamos ante una obra de arte, no una cinta comercial al uso (muchos de ellos me encantan y los elegiré antes que El arbol de la vida para tumbarme en el sofá cualquier día que llegue cansado a casa) de los que invaden nuestras salas cada semana. Y nadie dijo que el arte se pudiera asimilar con la facilidad del producto de consumo. De todas maneras, me resulta difícil entender como puede ser más interesante ver, cada vez que se acude al cine, la misma película, una y otra vez, con actores y título diferente –muchas veces repletas de localismos yanquis que dudo que la mayoría entienda- en lugar de una propuesta insólita.
En segundo lugar, indicar que si todo el cine fuera como el de Malick o de Lynch, por citar dos ejemplos, sería para cortarse las venas. Pero que, de vez en cuando, algunos artistas se atrevan a a hacer algo diferente u osado es muy de agradecer. Hay mucha oferta y no hay porque ir a verlas. Eso sí, si lo haces, infórmate, como sí que se hace con otras actividades lúdicas.
En tercer lugar, recordar que estamos ante un poema visual y por tanto sus códigos no pueden ser los narrativos habituales. Ir a ver una obra de Malick sin informarse de su estilo, es como comprar un libro con una cubierta de best-seller y encontrarse con un libro de poemas o un ensayo filosófico.

RANGO
Estados Unidos, 2010.- 100 minutos.- Director: Gore Verbinski.- Película de animación. WESTERN.- Una verdadera sorpresa. Una cinta de animación muy diferente a lo que estamos acostumbrados, en forma y fondo. Respecto a la primera, opta por un feísmo descarnado (que, incluso, puede asustar a los más pequeños) que remite al western crepuscular más polvoriento y verista. Y en relación a la temática, señalar que es más adulta todavía de lo habitual en este formato, con claras referencias a las guerras del agua, la especulación inmobiliaria, la ignorancia de la que se aprovechan los poderosos y los fanatismos de todo tipo.
Valiente producción que se atreve a codificar todas las constantes del western crepuscular (a su vez, heredero directo del spaghetti western –no es casual la semejanza fonética entre Rango y Django, uno de los mitos del subgénero): análisis político de la evolución del Oeste americano desde la ley del más fuerte a la ley del más rico, la utilización de tontos útiles o cabezas de turco como instrumento del poder o el corrupto uso de los recursos naturales. Ahí es donde entronca con la base argumental y moral del imperecedero clásico de Polanski, Chinatown.

TAMBIEN LA LLUVIA
España, 2010.- 104 minutos.- Director: Icíar Bollaín.- Intérpretes: Luis Tosar, Gael García Bernal, Karra Elejalde, Juan Carlos Aduviri, Raúl Arévalo.- DRAMA.- Una sólida, clarividente y compleja experiencia cinematográfica de la que sale más que airosa la (digámoslo claramente) la mejor directora del cine español actual.
Hilvanando a la perfección, y con una envidiable claridad expositiva, tres historias paralelas, Bollain se atreve con una fuerte autocritica al colectivo al que pertenece: el de los artistas españoles progresistas.
Sin dejar a un lado, la habitual y necesaria mirada crítica al colonialismo y al capitalismo al que invita el argumento del film, Bollain arremete contra los progres de salón que “arreglan el mundo” al calor de la confortabilidad del primer mundo y que ponen el límite de su compromiso en su propio bienestar económico.
Pero lo más importante es el que el film interesa en todo momento, está muy bien rodado (incluidas las escenas de acción y de masas, uno de los talones de Aquiles de nuestro cine) e interpretado.

THE COMPANY MEN
Estados Unidos, 2011.- 93 minutos.- Director: John Wells.- Intérpretes: Ben Affleck, Tommy Lee Jones, Kevin Costner, Maria Bello, Chris Cooper, Craig T. Nelson. - DRAMA.- Una cinta honesta, concienciada, crítica, perspicaz y reveladora con respecto al status quo económico-social dominante en los actuales Estados Unidos. Quizá pueda parecer que el desenlace es demasiado optimista, aunque, en realidad, sólo se trata de un nuevo comienzo de los protagonistas, a los que nadie les asegura el éxito. Por otro lado, si valoramos la valentía de los artistas que se enfrentan a regimenes autoritarios, no debemos menospreciar el riesgo que corren los autores estadounidenses ante otro tipo de totalitarismo: las corrientes ideológicas del país y la necesidad de una rentabilidad económica. Por ello se debe aplaudir que este film es todo lo poco americano que puede serlo una película americana.

WINTER´S BONE
Estados Unidos, 2010.- 100 minutos.- Director: Debra Granik.- Intérpretes: Jennifer Lawrence, John Hawkes.- DRAMA PSICOLOGICO.- Auténtico cine independiente, con verdadero realismo y con una fuerza narrativa y emocional brutal y sorprendente, si tenemos en cuenta que estamos ante el segundo film de esta directora.
Ree Dolly vive en una zona rural de los montes de Missouri. Es una chica de 17 años que tiene que hacerse cargo de su familia en una situación de extrema precariedad. Su padre Jessup, tras salir de la cárcel en libertad condicional, ha desaparecido misteriosamente y, si no aparece, en pocos días perderán la casa donde Ree vive con su madre enferma y sus dos hermanos pequeños. Encontrar a su padre se convierte entonces para la joven en una cuestión vital.
Fría, seca, cortante, terrorífica desde su extremo hiperrealismo al describir una América rural, que gran parte de los propios estadounidenses desconocen, que estaba tan presente en el cine de Hollywood de los 70 y principios de los 80 (ya fuera en tono de comedia –Un fabuloso bribón-, thriller –En carne viva- o drama –El último héroe americano-). En el film se palpa el frío, la miseria, el hambre (esas ardillas despellejadas para servir como base de un exiguo guiso) y, sobre todo, la violencia física y psicológica provocada por todo lo anterior, más la adicción a las drogas más baratas y destructivas.

UN DIOS SALVAJE
Carnage.- Francia, 2011.- 79 minutos.- Director: Roman Polanski.- Intérpretes: Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster, John C. Reilly.- COMEDIA NEGRA.- Una pequeña película pero no por ello menor en la obra de Polanski. Dando de nuevo importancia a los personajes, a los actores, al texto y a un espacio reducido pero que se convierte en un agente más de la acción, el director polaco disecciona con maestría las interrelaciones entre 4 tipos muy representativos de nuestro mundo actual: el adicto al trabajo, el descreido, la politicamente correcta que cree que hemos dejado atrás las partes más agresivas e irracionales de la especie humana y la racional que no controla realmente sus emociones.
Adaptación de la obra teatral homónima de la autora francesa Yasmina Reza. Ha sido rodada en Europa, pero la historia se desarrolla en Nueva York. En la obra original, los protagonistas son dos matrimonios que se reúnen, en principio de manera civilizada, para hablar de la reciente pelea que han tenido sus hijos en un parque. Pero el encuentro se complicará hasta límites insospechados.
Aunque durante todo el relato planea sobre el ambiente la sombra de la incredulidad a causa de unas convenciones teatrales que funcionan bien sobre las tablas de un escenario teatral pero no tanto en la pantalla cinematográfica, la sabia dirección de Polanski y, sobre todo, el gran trabajo de un cuarteto en estado de gracia logran vencer esos inconvenientes y ganarse al público. La ajustada duración hace el resto.

Y TAMBIEN:

-EL NIÑO DE LA BICICLETA
-NADIR Y SIMIN UNA SEPARACION
-INCENDIES
-ANOTHER YEAR
-EN UN MUNDO MEJOR
-UN DIOS SALVAJE

Y ESTRENADAS RECIENTEMENTE

-THE ARTIST
-DRIVE
-LE HAVRE

PELICULAS DESTACABLES DEL AÑO 2011

2012-01-04T11:09:00.000-08:00

1) CARS 2
Estados Unidos, 2011.- 113 minutos.- Director: John Lasseter, Brad Lewis.- Película de animación. – COMEDIA DE AVENTURAS Y ESPIONAJE.- No comparto las críticas que afirman que es muy inferior a la primera y que Pixar ha patinado al realizar su primer film carente de emoción. Creo que las opiniones están cada vez más mediatizadas por los departamentos de marketing de las productoras, dedicados a conseguir que se ensalzen basuras. Y para despistar al aficionado y no parezca que los medios alaban todos los films de estreno, se reservan una cuota de películas para destrozar. Tres son los motivos por los que algunas pelis son defenestradas: porque son realmente malas, porque van a ser un éxito independientemente de las críticas o porque son molestas por su contenido o por que su creador es un tocapelotas en Hollywood.
Cars 2 pertenece a la segunda categoría. Personalmente me ha resultado más divertida que la cinta original, que me parece posiblemente la más floja de todas las obras de Pixar, y creo q ue es una de las más compensadas de la factoría de animación. Maravillas como Up o Wall-E pecaban de una descompensación entre sus arranques, adultos y emotivos, y sus desenlaces, infantiles y atropellados. Siendo notables películas, les afectaba demasiado el compromiso de agradar a niños y padres, cosa que no le ocurre, por nombrar un film reciente, a la estupenda Toy Story 3.

2) CONTAGIO
Contagion. Estados Unidos, 2011.- 107 minutos.- Director: Steven Soderbergh.- Intérpretes: Matt Damon, Kate Winslet, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, Jude Law, Gwyneth Paltrow, Bryan Cranston, Jennifer Ehle, Sanaa Lathan, Elliott Gould .- THRILLER CIENTIFICO.- Una nueva muestra de la capacidad de Soderbergh para las narraciones poliédricas (numerosos personajes,tramas entrelazadas, mezcla espacio-temporal) como ya demostró en una de las cumbres de su carrera, Traffic. Aquí se queda un par de escalones por debajo, pero no por ello estamos ante una obra desdeñable. Ni mucho menos.
Mas bien, al contrario, la sensación final es la de un film riguroso, absorbente y sólido que atrapa al espectador en un atmósfera de caos, imprevisibilidad y fatalidad.

3) CRIADAS Y SEÑORAS
The Help.- Estados Unidos, 2011.- 137 minutos.- Director: Tate Taylor.- Intérpretes: Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Sissy Spacek, Octavia Spencer, Jessica Chastain.- DRAMA SUREÑO.- La película no es una obra maestra y se le puede criticar una dirección plana y convencional (aunque el trabajo del debutante Taylor no perjudica al resultado del final, lo que no es poco), un tono quizá demasiado amable y algun que otro personaje demasiado estereotipado.
Son defectos menores si se comparan con los grandes aciertos: centrarse en la intrahistoria de la segregación racial –mucho menos conocida y bastante más simbólica-, dar el protagonismo a las mujeres, especialmente a las afroamericanas que por una vez no son sólo las amigas de la buena mujer blanca, sino las protagonistas del drama tanto en su peso en la trama como en minutos en pantalla, la peculiaridad de algunos personajes poco retratados en este tipo de cine (excepcional Jessica Chastain, en un papel que es el reverso de su composición en El arbol de la vida), que las dos horas y cuarto se pasan en un santiamén, dejándonos con ganas de más y las altas cotas de sincera emoción que desprenden los fotogramas.
Sin embargo, el mayor triunfo del film es el de atrapar la atmósfera de un tiempo y lugar. Mediada la proyección ya no estamos en la butaca de un cine de nuestra ciudad o pueblo, sino en el Jackson, Mississipi de 1963. Todo un logro.

4) EL DISCURSO DEL REY
Gran Bretaña, 2010.- 118 minutos.- Director: Tom Hooper.- Intérpretes: Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Michael Gambon, Guy Pearce, Timothy Spall, Derek Jacobi.- DRAMA- Estamos ante la típica película británica de calidad que presenta tres características habituales: perfección, desapasionamiento y grandes interpretaciones y una menos frecuente: considerable amenidad.
Es cierto, el film se pasa en un santiamén a pesar de que dura casi dos horas y el supuesto tema no resulta nada fascinante: Firth yendo al logopeda Rush para superar su tartamudez.
Nadie duda de las virtudes de la cinta, pero parece desorbitado el premio obtenido. Si el Oscar al mejor actor es más que justo, es discutible el de guión e inmerecido el de mejor película (Cisne negro, La red social o Winter´s bone son superiores). Pero, sin duda, el más ofensivo contra la inteligencia, el buen gusto y la justicia es el de mejor director. Fincher en La red social o Aranofsky en Cisne negro alcanzan la excelencia –al igual que en sus carreras- mientras que Hooper, de trayectoria corta y poco brillante, se limita a una labor funcional.
Pero ya se sabe que la productora del film, Weinstein Company, tiene mucho peso en Hollywood y sabe mover muy bien los hilos para “convencer” a los académicos de las virtudes de sus films. Los 90 fueron dominados por su anterior empresa, Miramax, que consiguió aberraciones como una lluvia de Oscars (7) para ese “clásico instantáneo e imperecedero” como fue definido por un “visionario” crítico estadounidense. Hablamos de Shakespeare in love ¿Quién se acuerda de ella? Y su director ¿se convirtió en el más brillante de su generación? Sus dos siguientes cintas fueron fracasos artísticos de crítica y público (La mandolina del capitán Corelli y y Proof) y su más reciente film (Killshot) ni se ha estrenado en España.
¿Quién se acordara de El discurso del rey o Hooper dentro de unos años? Se admiten apuestas.

5) EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS
Estados Unidos, 2011.- 110 minutos.- Director: Rupert Wyatt.- Intérpretes: James Franco, Andy Serkis, Freida Pinto, Brian Cox, John Lithgow.- CIENCIA-FICCION.- Una agradable sorpresa ya que, tras el fiasco cósmico que supuso el remake que hizo Tim Burton del clásico de 1968 y los pocos acertados trailers promocionales, las expectativas eran poco halagüeñas. Sin embargo, se nos ofrece un producto comercial muy bien realizado que entretiene, inquieta y sorprende a partes iguales.
Wyatt, en su debut hollywoodiense, tras interesante cinta británica The escapist, nos ofrece varias tramas y todas funcionan a buen nivel. La intriga científica, el drama familiar, la toma de conciencia de la discriminación sufrida, el drama carcelario y la acción adrenalítica se entremezclan de manera convincente. Además, el aspecto visual y la credibilidad de los simios son bastante mejores que los que auguraban los avances publicitarios. Es cierto que si analizamos con lupa el guión, éste presenta más de un agujero que requiere que el espectador suspenda la incredulidad (¿puedes ocultar a un simio enorme sin que nadie se entere?, ¿puedes entregarlo a las autoridades sin que te hagan preguntas?). Pero son aspectos que no influyen en el disfrute general que incluye homenajes a La fuga de Alcatraz y a Vértigo con la magnífica, esplendorosa secuencia del bosque de sequoyas.

6) ENREDADOS
Estados Unidos, 2010.- 100 minutos.- Director: Nathan Greno y Byron Howard Simon West.- Película de animación.- AVENTURAS COMICO-ROMANTICAS.-
Sin ser memorable, asegura hora y media de diversión y su perfección técnica alcanza cotas muy destacables.
Aunque posiblemente no se quede grabada en la memoria colectiva de los niños a los que va dirigido, este trepidante film (algo más infantil de lo habitual en la actualidad) cuenta con un eficaz guión y una efectiva dirección.
Por cierto, ¿nadie se ha dado cuenta que la bruja que ha encontrado el elixir de la eterna juventud y tiene encerrada a Rapunzel es clavada a Cher?

7) THE FIGHTER
Estados Unidos, 2010.- 102 minutos.- Director: David O. Russell.- Intérpretes: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo.- DRAMA BIOGRAFICO.-
Aunque no alcanza la excelencia que prometía su director (autor de dos de las películas más estimulantemente locas del Hollywood reciente, “Tres reyes” y “Extrañas coincidencias”), su gran reparto -dos de cuyos miembros, Bale y Leo, han obtenido el Oscar a la interpretación secundaria- y los medios de producción, estamos ante un film más que interesante.
Con las lógicas y enormes limitaciones artísticas y creativas que imponen las historias basadas en hechos reales, donde no se pueden variar demasiado los acontecimientos, Russell decide centrar su atención en otros elementos.

8) MIDNIGHT IN PARIS
Estados Unidos, 2011.- 122 minutos.- Director: Woody Allen.- Intérpretes: Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Michael Sheen, Kathy Bates, Carla Bruni, Adrien Brody.- COMEDIA ROMANTICA.- Sin llegar a ser una cima en la carrera de Allen, sí estamos ante una cinta superior a las últimas del director neoyorkino (Conocerás al hombre de tus sueños, El sueño de Cassandra) y similar a trabajos como Scoop o Si la cosa funciona.
Allen garantiza un nivel de calidad por encima de la media y trata a su público con respeto, considerándolo inteligente y culto. Especialmente en este film. Para disfrutarlo se requiere un mínimo conocimiento de la escena cultural del primer tercio del siglo XX.
Mucho más logrado en su parte nocturna y ensoñadora que en la diurna y realista, el film se beneficia de unos buenos actores y unos lúcidos diálogos pero todo ello no evita ciertos bajones de ritmo e intensidad mediada la proyección, amén de que el arranque es bastante anémico.
Sin embargo, la crítica a la nostalgia desmedida y un insuperable giro de guión protagonizado por Cotillard (guapisima como siempre) ya serían suficientes para pasar esta medianoche en Paris.

9) VALOR DE LEY
Estados Unidos, 2010.- 98 minutos.- Director: Joel Coen, Ethan Coen.- Intérpretes: eff Bridges, Hailee Steinfeld, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper.- WESTERN.-
Un interesante film de los Coen que los consolida dentro del sistema de producción hollywoodiense, porque ¿se te puede seguir considerando un autor independiente cuando te produce Spielberg?
Estamos ante un sólido trabajo pero, de ahí a la obra maestra que muchos comentaristas cinematográficos han querido ver, hay un largo trecho. En la ya larga carrera de los Coen hay, al menos media docena de obras muy superiores.
A veces tengo la impresión de que un prestigioso crítico americano, o el propio departamento de prensa de la productora del film, lanza la etiqueta de “masterpiece” y se crea una cadena de repetición de opiniones; ya bien sea por pereza, falta de criterio o miedo a desentonar con la corriente general.
Los Coen reflexionan sobre el género americano por excelencia, aportando lúcidos comentarios, hechos desde el presente, en relación con los usos y costumbres de aquel tiempo y espacio míticos.
Siguiendo una nueva tendencia narrativa, se muestra el racismo exacerbado, la absoluta falta de conciencia ecológica, el castigo físico o la ley del talión con la mayor naturalidad del mundo, como la norma de comportamiento habitual y general que era en aquel tiempo. Huyendo totalmente del subrayado, se consigue un grado mayor de denuncia de todos aquellos comportamientos considerados deleznables hoy en día.
Sin duda, ésta la mayor aportación de los Coen al género, ya que esperábamos de los autores de El gran Lebowski un mayor grado de revisitación o subversión de géneros.

Y TAMBIEN:
-NO HABRA PAZ PARA LOS MALVADOS
-BEGINNERS
-MELANCOLIA
-RESTLESS
-EL TOPO

SOPRESAS Y RAREZAS DEL CINE DE 2011...SIN UN ORDEN ESPECIAL

2012-01-04T11:00:00.000-08:00

1) AMOR Y OTRAS DROGAS
Estados Unidos, 2010.- 113 minutos.- Director: Edward Zwick.- Intérpretes: Jake Gyllenhaal, Anne Hathaway, Hank Azaria, Oliver Platt, George Segal. TRAGICOMEDIA.- Ante todo, no estamos ante una buena película, no nos llevemos a engaño. Los notables méritos de este film no provienen de su calidad intrínseca.
Lo que hace destacable a este film es lo que tiene de anomalía con respecto a la aburrida, mimética y repetitiva producción de género romántico con la que Hollywood nos bombardea semana sí, semana también.
Por un lado, sorprende, y no es un dato baladí, la ingente cantidad de desnudos de la pareja de estrellas protagonista que incluye la cinta. Si la semana pasada decíamos que Peter Weir, al rodar con grandes planos generales su film Camino a la libertad, estaba incurriendo en un acto de rebeldía contra la tendencia general; Zwick hace lo mismo contra una industria cada vez tan pacata, puritana e hipócrita como la sociedad de la que surge. No son nunca desnudos gratuitos, simplemente en una historia sobre el deseo sexual y el amor son absolutamente necesarios. Además, nos ahorramos la vergüenza ajena de contemplar la típica escena de la chica yendo al baño enrollada como una momia con la sábana (¿alguien se cubre el cuerpo después de echar un polvo?)
Por otro lado, es de agradecer que, en lugar del típico pastel que sigue paso a paso lo que el público espera (la gente despotricaba a la salida por lo rara que era la película y me preguntó ¿qué interés tiene ir al cine a ver lo de siempre…otra vez?) estemos ante una bella y auténtica historia de amor donde el conflicto no viene por algún burgués malentendido sino por un dilema moral auténtico: amar y convivir o no con una persona enferma que va a ir a peor.
Además, el verdadero tema del film son las tácticas mafiosas de las farmacéuticas para vender productos que la gente no necesita con el beneplácito y colaboración de médicos corruptos.

2) BAD TEACHER
Estados Unidos, 2011.- 92 minutos.- Director: Jake Kasdan.- Intérpretes: Cameron Diaz, Justin Timberlake, Jason Segel, Lucy Punch. – COMEDIA.- Acudí a ver Bad teacher con muchas prevenciones. El trailer es espantoso, Cameron Diaz no me cae muy bien y los guionistas se han curtido en The office, serie de televisión que nunca me ha llegado a calar pese a los esforzados intentos de un querido amigo por hacerme fiel creyente de la misma.
Sin embargo, a los pocos minutos de empezar la proyección, me sorprendí riéndome bastante más de lo que esperaba. Pero lo más importante es que esta caricatura desmadrada, exagerada, zafia y vulgar no se queda en eso, si no que se erige una furia incontrolable que fustiga las bases de la mentalidad dominante en los Estados Unidos y que, debido a la globalización reinante, se extiende como la pólvora por el mundo occidental.

A saber:
Hipocresía desaforada ejemplificada en personas cuyo modus vivendi es “ni una mala palabra, ni una buena acción”,
Maniqueísmo que simplifica el análisis de la realidad a una lucha entre el bien y el mal (olvidando el imprescindible relativismo)
Dictadura de lo políticamente correcto, castrando la necesidad humana de discrepar y expresarse con libertad, aunque pueda molestarse a otros
Absoluta falta de comprensión por las debilidades humanas, típica de la juventud, pero que no se puede convertir en ideología dominante, olvidando la imprescindible aceptación de nuestra naturaleza
Anulación de las pulsiones humanas que nos hacen tan imperfectos e interesantes a la vez
Puritanismo y consiguiente represión.

3) COMO ACABAR CON TU JEFE
Estados Unidos, 2011.- 100 minutos.- Director: Seth Gordon.- Intérpretes: Jason Bateman, Charlie Day, Jason Sudeikis, Jennifer Aniston, Colin Farrell, Kevin Spacey, Jamie Foxx, Julie Bowen, Donald Sutherland.- COMEDIA NEGRA.- Una grata sorpresa. Sin ser nada del otro mundo, consigue con creces su objetivo. Dada las cotas abisales de la comedia actual (Adam Sandler a la cabeza) y el contexto descreido actual donde no es fácil hacer reír a la gente, el film de Gordon nos proporciona risas y carcajadas durante bastantes momentos de la narración. No es poco.
Un guión que maneja bien el crescendo cómico de diversas situaciones y un reparto en estado de gracia (especialmente los 3 jefes: Farell, Aniston y Spacey), sin olvidar el memorable personaje al que da vida Jamie Foxx, son las bazas más destacadas en un film que realiza un análisis crítico de la precariedad laboral sin olvidarse en ningún momento de su objetivo principal.

4) CRAZY, STUPID, LOVE
Estados Unidos, 2011.- 118 minutos.- Director: Glenn Ficarra, John Requa.- Intérpretes: Steve Carell, Ryan Gosling, Julianne Moore, Emma Stone, Analeigh Tipton, Marisa Tomei, Kevin Bacon.- COMEDIA.- Confirmación del talento de la pareja Ficarra-Requa que ya demostraron altas dosis de observación y perspicacia sobre su sociedad en un contexto hollywoodiense de películas totalmente desconectadas de la realidad del país con su film Te quiero, Phillip Morris. Aunque aquí no se reflexiona directamente sobre aspectos sociales sino emocionales, los primeros están siempre presentes.
La cinta funciona perfectamente como comedia, como cine romántico del siglo XXI y cómo entretenimiento ya que, llegados a un punto de la narración, nos hemos enamorado de esos personajes y queremos saber más de ellos y no tenemos ganas de acabe la película. Todo un milagro, hoy en día. Los actores ayudan bastante: los matices de Carell, la naturalidad de Moore, la presencia de Gosling, el encanto de Stone y Tomei y la autoparodia de Bacon. Sin embargo, se ha de reconocer que se podía haber llegado más lejos en algunas osadías temáticas y que el ritmo es muy irregular.

5) EL INOCENTE
Estados Unidos, 2011.- 122 minutos.- Director: Brad Furman.- Intérpretes: Matthew McConaughey, Ryan Phillippe, Marisa Tomei, William H. Macy, Josh Lucas.- THRILLER JUDICIAL.- Una pequeña sorpresa inesperada, pues, ni el género, ni el director, ni, mucho menos, el protagonista hacían concebir demasiadas esperanzas. Sin embargo, El inocente consigue retrotaernos a agradables sensaciones cinéfilas de antaño sin que la película deje de ser rabiosamente actual, tanto en su lenguaje cinematográfico como en su cosmovisión y acercamiento a la naturaleza humana.
Esas sensaciones a las que me refiero son la consistencia narrativa, un convincente realismo no reñido con la capacidad de evasión y diversión y, sobre todo, unos personajes que nada tienen que ver con el buenismo ni con la aburrida pulcritud a la que obliga lo políticamente correcto. De ahí viene la falaz idea de que el cine tiene que dar ejemplo y ser inspirador, como defienden algunos críticos que valoran la calidad de las películas por su contenido moral o inmoral.

6) LA BODA DE MI MEJOR AMIGA
Bridesmaids.-Estados Unidos, 2011.- 128 minutos.- Director: Paul Feig.- Intérpretes: Kristen Wiig, Maya Rudolph, Rose Byrne, Jon Hamm.- COMEDIA DRAMATICA.-
No estamos ante el reservo femenino de Resacón en Las Vegas ni ante una película de bodas. Más bien se trata de un retrato femenino del siglo XXI en el mundo occidental, especialmente centrado en la contradictoria protagonista que fluctúa entre el encanto, la estupidez y la autodestrucción emocional.
La cinta funciona mucho mejor a partir de mediada la proyección, cuando deja de obsesionarse con ser graciosa, para centrarse en ser perspicaz en el retrato de lo que significa ser mujer en el tiempo actual. La película alcanza una cadencia especial en la que ya deja de ser importante el qué, la peripecia y su desenlace y pasa a ser más importante el cómo y la evolución de los personajes. Entonces desaparece la apariencia de camino trillado, de formula comercial para aparecer la sensación de vida real en pantalla, algo cada vez menos frecuente en el cine actual. Y si conectas con ella, ya no te importa cuanto falta para el desenlace sino que quieres saber más de esa protagonista y su entorno.

7) EL MUNDO SEGÚN BARNEY
Canadá, 2010.- 134 minutos.- Director: Richard J. Lewis.- Intérpretes: Paul Giamatti, Rosamund Pike, Dustin Hoffman, Scott Speedman, Minnie Driver, Bruce Greenwood, Rachelle Lefevre.- COMEDIA DRAMATICA.- Aunque es una decisión artística lógica y coherente, ya que la historia se ambienta, en gran parte, en los años 70 y 80, quizá no sea totalmente acertada la opción manierista por la que opta el televisivo Lewis. Aunque disfruté terriblemente al estar viendo una película que parecía hecha a principios de los 80 del siglo pasado (que raro suena lo de siglo pasado para el siglo XX), ya que adoro esa época del cine americano, eso no anuló la sensación de que esa forma de hacer cine ya está superada y no funciona tan bien ante mis ojos como cuando reviso una cinta filmada efectivamente en aquel tiempo.
La cinta comienza con fuerza, narrando, tras un breve prólogo en el presente, las andanzas de un joven Barney, que ya da muestras de un sentimiento trágico de la vida, totalmente alejado de la cosmovisión anglosajona. Desde temprana edad, una serie de pequeños accidentes, casualidades o absurdos golpes del destino van marcando su vida de una forma que no puede controlar. Tampoco su carácter impulsivo o caótico ayuda, o sí, según cómo se vea, o lo que entendamos por una vida plena.
Las escenas que comparten esos dos genios de la interpretación que son Giamatti y Hoffman ya merecen el precio de la entrada. Son divertidos, son patéticos, son ridículos…son humanos.
Pero sin duda, el cenit del film se alcanza en los capítulos dedicados al enamoramiento y acoso y derribo que Giamatti hace del personaje de Pike. La magia llega a la pantalla en la larga e imprescindible secuencia de la boda y la memorable escena de la estación de tren.

8) EVA
España, 2011.- 107 minutos.- Director: Kike Maíllo.- Intérpretes: Daniel Brühl, Marta Etura, Alberto Ammann, Lluís Homar, Claudia Vega, .- CIENCIA-FICCION.- Más que interesante debut de Maíllo en el largo con un producto mucho más sólido (a nivel técnico y artístico) y original de lo que nos tiene acostumbrado nuestro cine.
Se debe resaltar la valentía de levantar la producción de una cinta de ciencia-ficción en un contexto industrial tan poco favorable. Y los resultados son positivos.
Con una conseguida atmósfera, un relato que mantiene siempre el interés y unos actores que cumplen con creces su función (mención especial merece un Lluis Homar divertidamente inmenso), Maíllo aprueba con nota.

9) HANNA
Estados Unidos, 2011.- 122 minutos.- Director: Joe Wright.- Intérpretes: Saoirse Ronan, Eric Bana, Cate Blanchett, Tom Hollander, Olivia Williams.- DRAMA DE ACCION.- Hay varias películas dentro de Hanna y no todas funcionan a la misma altura. Empieza como un interesante film casi antropológico sobre una niña que se ha criado totalmente aislada de la civilización y sus conocimientos del mundo se circunscribe a los libros. Luego parece convertirse en un convencional trama de espionaje que parece el eje central de argumento. Pero sólo es un espejismo.
A partir de la salida al mundo exterior de la protagonista la cinta se centra en lo que realmente le interesa a sus creadores. Y no es fácil descubrir qué es. Si el espectador no está fresco ese día, toda la segunda mitad de la película le puede parecer una estupidez supina sin sentido alguno, ya que parece toda ella una digresión con respecto al supuesto tema central. El tema del film es la educación y los errores de los padres y los gobiernos. A saber: educación demasiado teórica sin conexión con la realidad, castración de las emociones por un excesivo pragmatismo y la inexperiencia sino estupidez de los padres.

10) X-MEN: PRIMERA GENERACION
X-men: First class.- Estados Unidos, 2011.- 131 minutos.- Director: Matthew Vaughn.- Intérpretes: James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon, January Jones, Rose Byrne, Oliver Platt, Jennifer Lawrence, Rade Serbedzija, Michael Ironside- COMIC FANTASTICO.- Una auténtica gozada y la prueba fehaciente de que el cine no necesita recurrir a mundos fantásticos paralelos para maravillar al espectador. De hecho, hacerlo supone, en ocasiones, un menosprecio al arte cinematográfico y su autonomía y una falta de confianza en sus propias posibilidades.
Simplemente navegando en su iconografía pretérita, en los géneros y subgéneros cinematográficos y en los universos estéticos de décadas pasadas tiene más que suficiente para convertirse en un espectáculo total y una indudable fuente de diversión que es a lo que, fundamentalmente debe aspirar el cine comercial.

LAS DECEPCIONES DEL AÑO 2011, SIN SEGUIR UN ORDEN ESPECIAL

2012-01-04T10:42:00.000-08:00

1) DETRÁS DE LAS PAREDES
Dream House.- Estados Unidos, 2011.- 91 minutos.- Director: Jim Sheridan.- Intérpretes: Daniel Craig, Rachel Weisz, Naomi Watts, Elias Koteas, Jane Alexander.- DRAMA PSICOLOGICO.- Una auténtica pena. Tanto el director (Mi pie izquierdo, En el nombre del padre, En América) como, sobre todo, el estelar y brillante trio actoral hacían presagiar, si bien no una gran película, al menos un film más que aceptable. Sin embargo, podemos hablar sin temer a equivocarnos de decepción casi absoluta.
Y eso que en el guión encontramos algunas propuestas innovadoras: los espíritus que habitan las casas encantadas no tienen porque ser agresivos y vengativos y a mitad de la proyección se nos desvela un misterio que en la mayoría de cintas de terror es la sorpresa final, haciéndonos pensar bueno ¿y ahora por donde va ir la trama? Pero en la manera de responder a esta pregunta es donde el film hace agua por todas partes. El último tercio es casi grotesco y desmonta todas las posibilidades que abría ese inaudito tempranero desvelamiento de lo que realmente le pasa al personaje de Craig. El guión (por decisión propia de su autor o por presiones de los productores) abandona los inquietantes derroteros que lo encaminaban hacia una lúcida reflexión sobre los oscuros conceptos de éxito social, personal y profesional y se decanta por un desenlace que nos recuerda a los peores thrillers psicológicos de los 90.

2) EL DEMONIO BAJO LA PIEL
Estados Unidos, 2010.- 100 minutos.- Director: Michael Winterbottom.- Intérpretes: Casey Affleck, Jessica Alba, Kate Hudson, Bill Pullman, Ned Beatty, Elias Koteas.- CINE NEGRO.- La total desafección con la que narra esta fascinante historia y un guión – que aunque no es suyo, sí ha decidido rodar-, prototípico ejemplo de cómo no hay que contar una historia ni presentar a los protagonistas de la misma.
Conociendo la trama (como es mi caso gracias a la versión de Burt Kennedy con Stacy Keach de 1976, llena de imperfecciones pero decididamente más recomendable que ésta) se hace dificil seguir la historia…no me quiero imaginar lo que debe ser enfrentarse a ella por vez primera. Y eso que la base del relato no tiene nada de complicado…
En definitiva, una decepción importante. Pero bueno la presencia de Alba y Hudson anima la función…aunque la sorpresa más agradable fue descubrir que Ned Beatty (imprescindible secundario de los 70: Defensa, Nashville, Network, Superman, Sangre sabia…) sigue vivito y coleando.

3) HAPPYTHANKYOUMOREPLEASE
Estados Unidos, 2010.- Director: Josh Radnor.- Intérpretes: Kate Mara, Malin Akerman, Josh Radnor.- DRAMA.- Ejemplo paradigmático de los principales problemas creativos del cine actual, en general, y del cine independiente americano en particular.
En primer lugar, el motor de los proyectos. En el pasado un autor luchaba contra viento y marea por conseguir plasmar en imágenes cinematográficas aquello que sentía imperiosamente que tenía que contar, esa historia que le salía de las tripas. Sin embargo, actualmente, parece que el objetivo primigenio es rodar una película (la que sea) sin partir de la necesidad de expresarse. Simplemente poner el pie en la puerta entreabierta, a ver si tu propuesta gusta y te acogen en la industria para rodar la quinta o sexta parte de una saga comercial. Una industria, en definitiva, capitaneada por técnicos más que por artistas.

En segundo lugar, como bien dice el propio protagonista, proyecto de escritor, su vida ha sido tan cómoda, tan normal, tan exenta de sobresaltos que tiene serios problemas para encontrar en ella algún suceso susceptible de convertirse en materia artística. Lo mismo le ocurre al director, guionista y actor que interpreta a este personaje: nos endilga un libreto carente de verdaderos conflictos y de personajes potentes. Si además los diálogos oscilan entre la estupidez y el sopor, el fracaso es casi absoluto.
En definitiva, esta cosa es un rollo importante.

4) ONE DAY
Estados Unidos, 2011.- 108 minutos.- Director: Lone Scherfig.- Intérpretes: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Romola Garai.- DRAMA ROMANTICO.- Decepción profunda, porque como soy un moña sentimental, con semejante argumento, esperaba encontrarme con un film hecho a mi medida. Para nada. Tampoco me encontré algo totalmente diferente que me sorprendiera. Sólo recibí aburrimiento.
Un personaje secundario, pero importante en la trama, quiere ser monologuista cómico. Lo intenta tenazmente durante años, pero al final debe aceptar la cruda realidad. No tiene ni pizca de gracia. Al asumir sus limitaciones se hace mucho más digno de elogio que los responsables de este film. Si hay algo tan patético como creerse gracioso y no serlo, es considerarse continuamente encantador y no conseguirlo nunca.
Así, la directora de las notables “An education” e “Italiano para principiantes” y, especialmente, el autor de la novela (metido a adaptador de la misma) parece estar encantados de haberse conocido y convencidos de estar haciendo la comedia romántica más brillante desde “El apartamento”. Pero lamento tener que decirles que, por lo único que destaca este mediocre film, es por su rutina, repetición, hastío y feismo no buscado…y preguntas sin repuesta.

1) ¿Para qué contar 20 años de una relación, si los cambios externos no afectan en lo más mínimo a los protagonistas, salvo que escuchan música distinta y cambian su ropa y corte de pelo?

2) ¿Para qué contar algunos años en los que no pasa absolutamente nada o los personajes siguen igual que estaban (Sturgess es el mismo imbecil niño rico descentrado durante toda la película)? Ya sé que es interesante mostrar la rutina y la falta de épica del día a día –de hecho, me encanta- y Wes Anderson lo recreaba muy bien en uno de los meses en los que se desarrollaba su casi desconocida Academia Rushmore. Pero aquí no funciona. Sólo aburre.

3) ¿Por qué contar la escena más importante de la historia al final y no en su correcto momento temporal, quitándole gran parte de la comprensión del espectador y su empatía hacia el personaje de Anne Hathaway?

4) ¿Por qué usar un recurso tan manido para desencadenar la tragedia?

Esperemos que para dar respuesta a todas estas incógnitas, no hagan una segunda parte de este film apenas soportable por la presencia de la maravillosa Anne. Ya sé que con ese desenlace es difícil que se saquen de la manga una continuación, pero cosas más raras se han visto

5) SUPER 8
Estados Unidos, 2011.- 112 minutos.- Director: J.J. Abrams.- Intérpretes: Joel Courtney, Riley Griffiths, Elle Fanning, Ryan Lee, Gabriel Basso, Zach Mills, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, David Gallagher, Glynn Turman, Amanda Michalka.- DRAMA DE CIENCIA-FICCION.- La nostalgia de los adultos vende pero son los más jóvenes los que suelen pasar por taquilla. Gran dilema comercial perfectamente resuelto en este film: hagamos una cinta que argumentalmente se parezca a E.T., Los Goonies o Encuentros en la tercera fase, por nombrar algunos ejemplos, pero que resulte visualmente atractiva para las nuevas generaciones: efectos especiales de última generación y cinefilia friki con zombies incluidos. El éxito en taquilla ha sido el esperado y gran parte de la crítica profesional la ha saludado como un acierto que mezcla a la perfección lo viejo y lo nuevo. Sólo los espectadores que se expresan libremente por Internet después de verla han discrepado con estas loas generales. Coincido con ellos.
La cinta presenta una primera mitad aceptable, donde se copia, con conocimiento de causa, el estilo del Spielberg de finales de los 70 y principios de los 80. Nada memorable y todo bastante impostado pero entretenido. Sin duda, lo más discutible es que unos niños rueden una película de zombis en 1979. Los niños, y más los americanos, no tenían acceso a ese tipo de cine, pues eran películas minoritarias y totalmente prohibidas a menores de 18 años. Muchas personas de esa generación no tuvieron conocimiento y/o acceso a/de ese tipo de cine hasta que entraron en la veintena. Además, desde el principio, se observa en Abrams (cuya manera de dirigir no me entusiasma en absoluto) -o en los productores- un pánico a alargar las escenas intimistas no vaya a ser que el público se aburra. Así cada vez que se está alcanzando un climax dramático ocurre algo físico que desvía la atención del espectador. Y así no hay manera de que los personajes te importen.

6) WIN WIN, GANAMOS TODOS
Estados Unidos, 2011.- 106 minutos.- Director: Thomas McCarthy.- Intérpretes: Paul Giamatti, Amy Ryan, Jeffrey Tambor, Melanie Lynskey, Burt Young. COMEDIA DRAMATICA.- Un evidente paso atrás en la carrera del actor, guionista y director McCarthy. Aquí está más cerca de su insulsa opera prima, Vias cruzadas, que de su anterior film, The visitor. Si bien es cierto que la cinta está correctamente dirigida y excelentemente interpretada, sorprende lo aburrido que llega a ser el guión, sobre todo si tenemos en cuenta que McCarthy además de firmar el libreto de estas cintas, también es el autor del magnífico argumento de Up.
Y es que el film presenta dos de los principales defectos del cine americano actual. Se pretende evitar todo efectismo (cuando el cine es eso básicamente) con lo que se crean personajes y situaciones poco interesantes que los guionistas no saben o no quieren hacer más atractivos. Por otro lado, se quiere evitar tanto lo políticamente incorrecto (una de las fuentes de inspiración de todo arte) que todo es melifluo y falto de pasión. Además las conclusiones, los desenlaces son tan miméticos con la cosmovisión del hombre de la calle que el artista deja de ser un hombre de vanguardia que abre caminos nuevos para ser un portavoz de la masa. Por ello, la escena final de esta película es especialmente indignante.

7) 127 HORAS
Gran Bretaña, 2010.- 98 minutos.- Director: Danny Boyle.- Intérpretes: James Franco, Kate Mara, Amber Tamblyn, Clemence Poesy, Treat Williams.- DRAMA.- Una estafa promovida por la industria cinematográfica y la Academia de Hollywood ya que esta birria videoclipera nunca debería aspirar al premio a mejor película del año. Suscribo totalmente la crítica de Jordi Costa “Boyle parecía el mejor director de su generación en sus principios. Ahora parece el peor”
Las comparaciones con Buried de Rodrigo Cortés son inevitables, dada la similitud de la situación de partida y lo que significa como reto para un director filmar a un único personaje atrapado en un espacio reducido. No soy sospechoso de patriotero, pero el film del español es infinitamente superior. Cortes no necesita sacar fuera su cámara para rodar una gran película. Boyle rueda una bazofia a pesar de que continuamente usa los pensamientos del personaje para escapar del lugar del encierro, en el que tiene más miedo a permanecer que el héroe, consciente de lo pronto que se va a notar su incapacidad para rodar esta historia. Boyle sustituye el rigor de Cortés por montaje acelerado, lenguaje publicitario y chorradas mil.

8) Y LA RECIENTE: IN TIME

RESUMEN CINEMATOGRAFICO DEL AÑO 2011

2011-12-28T03:10:00.000-08:00

Aunque la calidad media ha sido mejor que la de otros años, no podría decir tan claramente, como en otras ocasiones, cuál ha sido la película que más me ha gustado en estos 365 días.

Por ello, he seleccionado un trío: "Camino a la libertad" (The way back) de Peter Weir, "Cisne negro" (Black Swan) de Darren Aranosfky y " El arbol de la vida" (Tree of life) de Terrence Malick.

Otras películas que valió mucho la pena ver fueron:

ANIMAL KINGDOM

WINTER BONE

TAMBIEN LA LLUVIA

THE FIGHTER

THE GIRLFRIEND EXPERIENCE

RANGO

COMPANY MEN

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

BEGINNERS

NO HABRA PAZ PARA LOS MALVADOS

CRIADAS Y SEÑORAS

MELANCOLIA

UN DIOS SALVAJE

THE ARTIST

Sorpresas agradables:

AMOR Y OTRAS DROGAS

EL MUNDO SEGUN BARNEY

EL INOCENTE

X-MEN PRIMERA GENERACION

CARS 2

BAD TEACHER

CONVENCION EN CEDAR RAPIDS

LA BODA DE MI MEJOR AMIGA

EVA

Y las decepciones

EL DEMONIO BAJO LA PIEL

127 HORAS

HAPPY THANK YOU MORE PLEASE

SOLO UNA NOCHE

WIN, WIN GANAMOS TODOS

SUPER 8

ONE DAY

DETRAS DE LAS PAREDES

IN TIME

PARA LA ENTRADA 300, UNA ESCENA IMPRESCINDIBLE. NETWORK (1976) de Sydney Lumet, adelantaba nuestro presente

2011-12-21T01:28:00.000-08:00

Youtube no permite insertar esta escena (por razones obvias cuando la veais), pero si os dejo el link a la página.

http://www.youtube.com/watch?v=yVbRx9a3SOQ

DIRECTOR Sidney Lumet
GUIÓN Paddy Chayefsky
MÚSICA Elliot Lawrence
FOTOGRAFÍA Owen Roizman

REPARTO Faye Dunaway, William Holden, Peter Finch, Robert Duvall, Beatrice Straight, Wesley Addy, Ned Beatty, Arthur Burghardt, Bill Burrows, John Carpenter, Jordan Charney, Kathy Cronkite, Ed Crowley, Jerome Dempsey, Conchata Ferrell, Gene Gross, Darryl Hickman

PRODUCTORA 20th Century Fox

PREMIOS 1976: 4 Oscars: Actor (Finch), actriz (Dunaway), actriz sec. (Straight), guión original

GÉNERO Drama | Sátira. Periodismo. Televisión

SINOPSIS Un análisis sobre el poder de la televisión, que retrata un mundo competitivo donde el éxito y los récords de audiencia imponen su dictadura. Howard Beale, veterano presentador de un informativo, es despedido cuando baja el nivel de audiencia de su popular programa. Sin embargo, antes de abandonar la cadena, en una reacción inesperada, y ante el asombro de todos, anuncia que antes de irse se suicidará ante las cámaras, pegándose un tiro en directo. Este hecho sin precedentes provoca una gran expectación entre los televidentes y los propios compañeros de Howard.

PELICULAS OLVIDADAS: DOS WESTERNS DESENCANTADOS-- HOMBRE SIN FRONTERAS de Peter Fonda(1971) y PISTOLEROS EN EL INFIERNO de Robert Benton (1972)

2011-12-18T11:10:00.000-08:00

"HOMBRE SIN FRONTERAS" (THE HIRED HAND) -1971-

Película dirigida e interpretada por Peter Fonda. Tras el descomunal éxito de Easy Rider dos años atrás, Fonda pudo hacer un remedo del mítico film de su amigo Dennis Hopper y forrarse. Pero decidió filmar este enigmático y lisérgico western con guión de Alan Sharp (La venganza de Ulzana o La noche se mueve.

A destacar los francos diálogos interpretados por Verna Bloom, Fonda y Warren Oates, el magnífico trabajo realizado con la fotografía (Vilmos Zsigmond), el montaje y la música, destacando las escenas en las que el tiempo fluye de una manera muy especial, casi fantasmagórico.

Lo que denota el argumento es universal: el mundo exterior nunca te deja vivir tranquilo en tu refugio, ese que te aburría y ahora anhelas.

"PISTOLEROS EN EL INFIERNO" (BAD COMPANY)-1972-

Y un año después, otro debut en la silla de dirección. Y otro que no le dio al público lo que esperaba. Tras firmar junto a Barry Newman el guión de la fundacional "Bonnie and Clyde" de Arthur Penn (1967), Robert Benton (Kramer contra Kramer, Al caer el sol"), vuelve a colaborar con Newman en el libreto de este western crepuscular, desencantado, pesimista y violento. Con claras referencias a la Guerra de Vietnam (el protagonista es un desertor,un mundo cruel les roba la juventud a los protas), el film tiene buen ritmo y Jeff Bridges está estupendo en su tercer trabajo importante en la industria tras dos obras maestras: La última película de Bogdanovich y Fat City de John Huston.

PELICULAS OLVIDADAS CON AFROAMERICANOS COMO PROTAGONISTAS DEL CONFLICTO: "PANICO EN LA CALLE 110" (1972) y "CONRACK" (1974)

2011-12-09T05:10:00.000-08:00

PANICO EN LA CALLE 110 (ACROSS THE 110TH STREET) de Barry Shear (1972)

Un blackspotation (cine por y para afroamericanos) por encima de la media. Violencia descarnada pero no efectista y reflexión sobre la perpetuación del dominio de los blancos sobre los negros pero, sobre todo, de los poderosos sobre los desheredados.

CONRACK de Martin Ritt (1974)

Excelente film de corte social, rabiosamente entretenido y basado en una novela de Pat Conroy, el que luego fuera el autor de la novela adaptada al cine El príncipe de las mareas. En ella contaba sus experiencias como maestro de niños afroamericanos en una pauperrima isla del Sur de los Estados Unidos

LA CONSPIRACION -THE CONSPIRATOR- (2010)

2011-12-09T02:45:00.001-08:00

LOABLE EMPEÑO CON MEJORES INTENCIONES QUE RESULTADOS

CALIFICACION: 3/5
Estados Unidos, 2011.- 103 minutos.- Director: Robert Redford.- Intérpretes: James McAvoy, Robin Wright, Kevin Kline, Evan Rachel Wood, Danny Huston, Justin Long, Tom Wilkinson, Alexis Bledel.- DRAMA JUDICIAL HISTORICO.- No estamos ante una gran película y algunos aspectos técnicos (especialmente la fotografía que parece de una barata película de hace 40 años) deja mucho que desear, pero la convicción con la que Redford cuenta esta historia, sobre la falta de libertades fundamentales en el seno de una democracia cuando las circustancias hacen prevalecer los intereses estatales sobre los individuales, puede con todo.

En 1865, tras el asesinato de Abraham Lincoln, ocho personas son detenidas y acusadas de conspirar para matar al presidente, al vicepresidente y al secretario de Estado. Entre ellas está Mary Surrat, la dueña de una pensión, donde John Wilkes Booth, el autor material del magnicidio, y sus cómplices se reunieron y planearon el atentado. Mientras el resentimiento contra el Sur domina a las autoridades de Washington, el joven abogado Frederick Aiken, héroe de guerra unionista, se ve obligado a defender a Surrat ante un tribunal militar. Sin embargo, muy pronto empieza a sospechar que su defendida podría estar siendo utilizada como señuelo y rehén para capturar a su hijo John. Con el país entero en contra de Surratt, Aiken es el único que se encuentra en condiciones de averiguar la verdad y salvarle la vida.

La cinta va de menos a más. Con un principio flojo y confuso que no narra con suficiente convicción ni nitidez expositiva los atentados, el espectador entra en el terreno de la desconfianza. ¿Va a ser todo así? Además de la horrenda fotografía –sea accidental o buscada- no ayuda nada.

Sin embargo, la fuerza de la historia, de las interpretaciones y de la identificación del espectador va venciendo a esos defectos hasta llegar a un tercio final notable en el que Redford toma valientes decisiones narrativas y morales. No es una gran película, pero sí recomendable para los amantes de la narración clásica.

UN METODO PELIGROSO -A DANGEROUS METHOD- (2011)

2011-12-09T02:40:00.001-08:00

…Y FINALMENTE, CANSINO
CALIFICACION: 2,5/5

Reino Unido, 2011.- 93 minutos.- Director: David Cronenberg.- Intérpretes: Keira Knightley, Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Vincent Cassel, Sarah Gadon, Katharina Palm.- DRAMA BIOGRAFICO.- Un loable intento de Cronenberg por mantener sus inquietudes temáticas, morales y cinematográficas en un contexto narrativo muy alejado de su cine más representativo. Si en Promesas del Este y Una historia de violencia ya se situó en unas coordenadas diferentes a las de sus atmósferas malsanas y personajes grotescos tan representativos, aquí se ubica en las antipodas: la correción social, la exquisita educación y la aparente normalidad. Tan extrema que se puede confundir con el aburrimiento.

Una poderosa historia de descubrimiento sexual e intelectual basada en acontecimientos reales a partir de la turbulenta relación entre el joven psiquiatra Carl Jung, su mentor Sigmund Freud y Sabina Spielrein. A este trío se añade Otto Gross, un paciente libertino decidido a traspasar todos los límites.

El film tiene una apariencia estética y visual de envarado cine de época pero las apariencias engañan. En lugar de un ladrillo convencional, Cronenberg y el guionista Hampton nos regalan una turbadora reflexión sobre la intesidad del deseo sexual y la irrefrenable fuerza del morbo. Esta claro que las intenciones de ambos son atraer a las salas a público que no ira a ver ”ni jarto vino” una de las marcianadas malsanas del canadiense pero sí una pelicula que aparece una convencional y bonita cinta de época. Una vez atrapados en la sala, Cronenberg desata su furia librepensadora sobre bienpensantes burgueses y sus convencionalismos. Y lo hace muy bien en la primera mitad del film.

Pero después de que Jung y Freud se embarquen hacia las Americas el film empieza a dar vueltas sobre sí mismo, no cuenta nada más, se pierden de vista los conflictos y las motivaciones de los personajes y se ensarza en unos largos monologos repletos de verborrea psicoanalista. Un coñazo descomunal de la mano de un autor teatral, Christopher Hampton que no sirve como escritor de cine como ya demostró en la tremendamente aburrida Carrington.

RESTLESS (2011)

2011-12-09T02:36:00.000-08:00

“HAROLD Y MAUDE MEETS LOVE STORY” CON LA SENSIBILIDAD CULTURAL DEL SIGLO XXI COMO ANFITRIONA

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 103 minutos.- Director: Gus Van Sant.- Intérpretes: Mia Wasikowska, Henry Hopper, Ryo Kase, Schuyler Fisk.- DRAMA ROMANTICO.- Una pequeña delicia. Fui un poco a la defensiva porque la sinopsis tenía demasiados parecidos con una de mis peliculas raras favoritas ”Harold y Maude” aquel clasico bizarro de principios de los 70. Pero el guión de Jason Lew va por otros derroteros totalmente distintos y nos habla de unas inquietudes muy diferentes a las del film de Hal Ashby.

Narra la historia de amor de una joven pareja. Ella es una enferma terminal que se enamora de un chico al que le gusta asistir a funerales. Ambos se encontrarán además con el fantasma de un piloto kamikaze japonés de la II Guerra Mundial.

Lo más interesante es la sutil pero decidida crítica a varios aspectos de la cosmovisión americana, la fascinante reflexión sobre los conceptos de real, creíble y verosimil y la actualización de la manera de plasmar en pantalla temas tan propensos al exceso como los que se tratan.
Por último señalar que Van Sant utiliza los elementos de la cultura popular de los protagonistas como ambiente no como tema. Un gran acierto del que debería aprender Isabel Coixet.

UN DIOS SALVAJE -CARNAGE- (2011)

2011-12-09T02:21:00.000-08:00

PEQUEÑA Y PERSPICAZ PIEZA DE CAMARA SOBRE LAS PSICOLOGIAS DOMINANTES EN NUESTRO MUNDO

CALIFICACION: 3/5

Francia, 2011.- 79 minutos.- Director: Roman Polanski.- Intérpretes: Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster, John C. Reilly.- COMEDIA NEGRA.- Una pequeña película pero no por ello menor en la obra de Polanski. Dando de nuevo importancia a los personajes, a los actores, al texto y a un espacio reducido pero que se convierte en un agente más de la acción, el director polaco disecciona con maestría las interrelaciones entre 4 tipos muy representativos de nuestro mundo actual: el adicto al trabajo, el descreido, la politicamente correcta que cree que hemos dejado atrás las partes más agresivas e irracionales de la especie humana y la racional que no controla realmente sus emociones.
Adaptación de la obra teatral homónima de la autora francesa Yasmina Reza. Ha sido rodada en Europa, pero la historia se desarrolla en Nueva York. En la obra original, los protagonistas son dos matrimonios que se reúnen, en principio de manera civilizada, para hablar de la reciente pelea que han tenido sus hijos en un parque. Pero el encuentro se complicará hasta límites insospechados.
Aunque durante todo el relato planea sobre el ambiente la sombra de la incredulidad a causa de unas convenciones teatrales que funcionan bien sobre las tablas de un escenario teatral pero no tanto en la pantalla cinematográfica, la sabia dirección de Polanski y, sobre todo, el gran trabajo de un cuarteto en estado de gracia logran vencer esos inconvenientes y ganarse al público. La ajustada duración hace el resto.

ASESINOS DE ELITE -THE KILLER ELITE- (2011)

2011-12-09T02:10:00.000-08:00

UN DIRECTOR QUE NO CONFIA EN LA FUERZA DE SU HISTORIA

CALIFICACION: 1,5/5

Estados Unidos, 2011.- 103 minutos.- Director: Gary McKendry.- Intérpretes: Jason Statham, Clive Owen, Robert De Niro, Dominic Purcell.- THRILLER DE ACCION.- Una pena. La historia real en la que se basa este film –con reminsciencias de Munich o La deuda- tiene fuerza y el guión no la desaprovecha del todo, pero al debutante McKendry no le parece suficientemente atractiva como para enganchar al espectador y se empeña en alargar ad nauseum las 4 o 5 peleas del film, muy mal rodadas todas ellas y absolutamente intercambiables, por miméticas.

Tres antiguos miembros de las fuerzas especiales son contratados por un jeque árabe para matar a tres miembros del SAS (Servicio Especial Aéreo británico), culpables de la muerte de tres de sus hijos durante unos disturbios en Omán diez años antes. Dos de ellos aceptan por dinero, mientras que el tercero lo hace para salvar la vida de un amigo. Pero llevar a cabo tan peligrosa misión no será nada fácil, pues, aunque son profesionales, están bajo el control de una organización formada por antiguos miembros del SAS, denominada The Feather Men.

La cinta está ambientada a principios de los 80, dato que se oculta en la promoción lo cual es revelador ya que parece que se ha querido enfatizar su condición de cine de acción de consumo antes que la de recreación histórica con empaque. Esa ubicación temporal no casa muy bien con la manera de rodar la acción, típica del cine del nuevo siglo. Ese desfase entre tema y forma se extiende a todo el relato y lo perjudica considerablemente. El atractivo trío protagonista mitiga el fracaso.

PELICULAS OLVIDADAS: "EL PRESIDENTE" (WILD IN THE STREETS) -1968-

2011-11-11T04:31:00.000-08:00

Una frikada considerable de la epoca psicotropica. Imprescindible para flipar en colores.

CRIADAS Y SEÑORAS -THE HELP- (2011)

2011-11-11T04:20:00.000-08:00

DANDO VOZ A LAS QUE FUERON SIEMPRE SILENCIADAS.

CALIFICACION: 3,5/5

Estados Unidos, 2011.- 137 minutos.- Director: Tate Taylor.- Intérpretes: Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Sissy Spacek, Octavia Spencer, Jessica Chastain.- DRAMA SUREÑO.- Huele a Oscar: el tema del racismo desde la perspectiva femenina, el ambiente sureño, el gran trabajo de todo el reparto femenino y el descomunal e inesperado (para mí reconfortante en un contexto donde el box office siempre está copado por el terror, el comic y la ciencia-ficción) éxito de taquilla en su país, donde se mantuvo varias semanas en el número 1 de taquilla son razones más que suficientes.

Mississippi, años 60. Skeeter es una joven sureña que regresa de la universidad decidida a convertirse en escritora. Su llegada altera la vida de la ciudad e incluso la de sus amigas porque se ha propuesto entrevistar a las mujeres negras que se han pasado la vida al servicio de las grandes familias sufriendo todas las formas de discriminación racial.

La película no es una obra maestra y se le puede criticar una dirección plana y convencional (aunque el trabajo del debutante Taylor no perjudica al resultado del final, lo que no es poco), un tono quizá demasiado amable y algun que otro personaje demasiado estereotipado.

Son defectos menores si se comparan con los grandes aciertos: centrarse en la intrahistoria de la segregación racial –mucho menos conocida y bastante más simbólica-, dar el protagonismo a las mujeres, especialmente a las afroamericanas que por una vez no son sólo las amigas de la buena mujer blanca, sino las protagonistas del drama tanto en su peso en la trama como en minutos en pantalla, la peculiaridad de algunos personajes poco retratados en este tipo de cine (excepcional Jessica Chastain, en un papel que es el reverso de su composición en El arbol de la vida), que las dos horas y cuarto se pasan en un santiamén, dejándonos con ganas de más y las altas cotas de sincera emoción que desprenden los fotogramas.

Sin embargo, el mayor triunfo del film es el de atrapar la atmósfera de un tiempo y lugar. Mediada la proyección ya no estamos en la butaca de un cine de nuestra ciudad o pueblo, sino en el Jackson, Mississipi de 1963. Todo un logro.

UN GOLPE DE ALTURA -TOWER HEIST- (2011)

2011-11-11T04:16:00.000-08:00

EN LA MEJOR TRADICION DE LAS COMEDIAS DE ROBOS

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 104 minutos.- Director: Brett Ratner.- Intérpretes: Ben Stiller, Téa Leoni, Eddie Murphy, Matthew Broderick, Casey Affleck, Michael Peña, Alan Alda, Gabourey Sidibe, Judd Hirsch.- COMEDIA DE ROBOS.- Un entretenimiento modélico que recuerda en su fluidez, nitidez narrativa, diversión garantizada y espiritu lúdico sin olvidar el componente crítico hacia el entorno al mejor cine de consumo hollywoodiense.

Un multimillonario sin escrúpulos ha estafado a sus empleados dejándoles sin blanca, así que éstos, encabezados por el gerente del edificio en el que vive, deciden vengarse intentando atracar su vivienda, un apartamento de lujo situado en el ático de uno de los rascacielos de la ciudad y con las mejores medidas de seguridad de ésta.

Se dice que Ratner (Hora punta, El dragón rojo, Family man) es un director impersonal sin un estilo propio, ni artístico ni ético. Seguramente sea cierto, pero no por ello es algo negativo. Muchas veces, nos confundimos con los antónimos. Lo contrario, referido al cine, de original, personal, artístico no es malo sino, respectivamente convencional, impersonal e industrial. Prefiero la amena y efectiva impersonalidad de Ratner a la pedantería y snobismo de muchos pesados que se llaman autores.

Aquí orquesta de manera más que correcta un espléndido grupo de actores en una trama que funciona mejor como comedia que como intriga y que se centra en la dificultad para que un grupo variopinto y con pocas luces consiga llevar a cabo su propósito de realizar una venganza poética contra un tiburón de los negocios. Uno de tantos que nos ha llevado, con nuestra (in)consciente complicidad a donde estamos.

DETRAS DE LAS PAREDES -DREAM HOUSE- (2011)

2011-11-11T04:12:00.000-08:00

MUY AL FONDO, HABIA UNA BUENA PELICULA.

CALIFICACION: 1,5/5

Estados Unidos, 2011.- 91 minutos.- Director: Jim Sheridan.- Intérpretes: Daniel Craig, Rachel Weisz, Naomi Watts, Elias Koteas, Jane Alexander.- DRAMA PSICOLOGICO.- Una auténtica pena. Tanto el director (Mi pie izquierdo, En el nombre del padre, En América) como, sobre todo, el estelar y brillante trio actoral hacían presagiar, si bien no una gran película, al menos un film más que aceptable. Sin embargo, podemos hablar, sin temer a equivocarnos, de decepción casi absoluta.

Y eso que en el guión encontramos algunas propuestas innovadoras: los espíritus que habitan las casas encantadas no tienen porque ser agresivos y vengativos y a mitad de la proyección se nos desvela un misterio que en la mayoría de cintas de terror es la sorpresa final, haciéndonos pensar bueno ¿y ahora por dónde va ir la trama? Pero en la manera de responder a esta pregunta es donde el film hace agua por todas partes. El último tercio es casi grotesco y desmonta todas las posibilidades que abría ese inaudito y tempranero desvelamiento de lo que realmente le pasa al personaje de Craig. El guión (por decisión propia de su autor o por presiones de los productores) abandona los inquietantes derroteros que lo encaminaban hacia una lúcida reflexión sobre los oscuros conceptos de éxito social, personal y profesional y se decanta por un desenlace que nos recuerda a los peores thrillers psicológicos de los 90.

Will Atenton deja su exitosa carrera de editor en Nueva York para trasladarse con su mujer Libby y sus dos hijas a un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra, pero pronto descubrirá que la casa que habitan fue el escenario de un terrible asesinato. Investigando las causas de la tragedia, Will conoce a Ann Paterson, una vecina que había conocido a la familia que murió en la casa.

TIBURON: LA PRESA -Shark Night 3D.- (2011)

2011-11-11T04:08:00.000-08:00

DESCACHARRANTE Y DESVERGONZADA MEZCLA DE “TIBURON”, “DELIVERANCE” Y “ASESINATO EN 8MM”

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2011.- 87 minutos.- Director: David R. Ellis.- Intérpretes: Sara Paxton, Dustin Milligan, Chris Carmack, Joel David Moore, Katharine McPhee.- THRILLER DE TERROR.- Fui a verla sin otra expectativa que salirme antes de que acabara, aburrido por una cansina sucesión de ataques del tiburón de marras y nada más. Pero resulta que los guionistas son unos cachondos, o estaban hasta arriba de sustancias estupefacientes cuando la escribieron o ambas cosas a la vez. Porque no hay un tiburón, sino muchos y de diferentes especies. Además estos son parte involuntaria de una trama criminal dirigida por unos psicópatas pueblerinos de la America profunda. Sí, es cierto, aunque suene a broma.

Para un grupo de estudiantes universitarios con ganas de aventura y fiesta, un excitante fin de semana de verano se convertirá en una sangrienta pesadilla cuando se ven sorprendidos por peligrosos tiburones bajo las tranquilas aguas del lago de Louisiana donde se divierten.

Entré a verla un ratillo y me quedé hasta el final. Un ritmo trepidante, bellos paisajes perfectamente fotografiados, buenas escenas de acción, chicas y chicos guapos en traje de baño y giros de guión que, de tan absurdos, provocan la más absoluta hilaridad.

Tan absurda como “Serpientes en el avión” pero dirigida con el pulso de “Cellular” (los dos trabajos anteriores del director) es la película ideal para ir a ver con los colegas después de haber dado buena cuenta de el mayor número de cervezas posible.

LAS AVENTURAS DE TINTIN: EL SECRETO DEL UNICORNIO -The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn- (2011)

2011-11-04T06:28:00.000-07:00

IMPECABLE E INDISCUTIBLE PERO NO MEMORABLE CATARATA VISUAL CALIFICACION: 3/5

Estados Unidos, 2011.- 107 minutos.- Director: Steven Spielberg.- Intérpretes: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost, Daniel Mays, Toby Jones.- AVENTURAS.- Un prodigio visual en el que la técnica del capturing image alcanza cotas no imaginadas hasta ahora, aunque está todavía lejos de la perfección absoluta, especialmente en la naturalidad de los movimientos de los seres humanos, que sobre todo en los planos más generales, siguen pareciendo autómatas.

Tintín, un joven periodista dotado de una curiosidad insaciable, y su leal perro Milú descubren que la maqueta de un barco contiene un enigmático y secular secreto que deben investigar. Así es como Tintín se encuentra en el punto de mira de Ivan Ivanovitch Sakharine, un diabólico villano que cree que el joven ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo. Pero con la ayuda de Milú, del mordaz y cascarrabias capitán Haddock y de los torpes detectives Hernández y Fernández, Tintín viajará por medio mundo, sirviéndose de su proverbial astucia para burlar a sus perseguidores y encontrar antes que ellos El Unicornio, un navío hundido que puede proporcionar la clave de una fabulosa fortuna y de una antigua maldición.

Spielberg vuelve a demostrar, una vez más, su virtuosidad a la hora de dirigir escenas espectaculares de acción en la que todo está perfectamente narrado y no nada se atropella. Ejemplos magníficos son la secuencia del abordaje del unicornio y la de la huida por las calles del sultanato del Norte de Africa.

La historia, como siempre en Tintin, recupera el aliento del viejo folletín de aventuras europeo y la cinta no intenta, afortunadamente, trascender ni reinventar a nada. Pero tambien, como siempre en Tintín, el tufillo a naftalina es evidente, algunos personajes son insoportables (Hernández y Fernández) y el humor, demasiado estúpido. Pero no hay que olvidar que se supone que son libros para niños (aunque el belicismo, racismo y conservadurismo de algunas entregas de la saga echan para atrás) y que como película para ellos es perfecta.

También constatar que las creaciones artísticas van envejeciendo poco a poco hasta que se estancan en ese proceso. Cuando en los lejanos 80 leía sus aventuras me divertían pero también me parecían antiguas, muy antiguas. A pesar de todos los cambios producidos en nuestro mundo desde entonces, Tintin no me parece ahora más antiguo de lo que me lo parecía entonces (quizá por que sea imposible). Incluso ahora me ha parecido divertidamente naif.

Por cierto el malo se ha realizado a imagen y semejanza, dicen, de Daniel Craig, pero es evidente que es clavado a Spielberg ¿Autoparodia?

EVA (2011)

2011-11-04T06:26:00.000-07:00

CONSEGUIDA ATMOSFERA Y NOTABLE PRODUCCION EN UN INTENTO SERIO DE HACER CIENCIA-FICCION EN ESPAÑA

CALIFICACION: 2,5/5

España, 2011.- 107 minutos.- Director: Kike Maíllo.- Intérpretes: Daniel Brühl, Marta Etura, Alberto Ammann, Lluís Homar, Claudia Vega, .- CIENCIA-FICCION.- Más que interesante debut de Maíllo en el largo con un producto mucho más sólido (a nivel técnico y artístico) y original de lo que nos tiene acostumbrado nuestro cine.
Año 2041. En un futuro no muy lejano, los seres humanos viven acompañados de criaturas mecánicas. Álex, un reputado ingeniero cibernético, regresa a Santa Irene, después de diez años de ausencia, para realizar un encargo de la Facultad de Robótica: la creación de un niño robot. Durante ese tiempo, su hermano David y Lana, la antigua novia de Álex, se han casado. Inesperadamente, la rutinaria vida de Álex se verá alterada por Eva, la hija de Lana y David, una niña extraordinaria, magnética, que desde el primer momento establece una relación de complicidad con Álex. Juntos emprenderán una aventura que los conducirá a un final revelador.
Se debe resaltar la valentía de levantar la producción de una cinta de ciencia-ficción en un contexto industrial tan poco favorable. Y los resultados son positivos.
Con una conseguida atmósfera, un relato que mantiene siempre el interés y unos actores que cumplen con creces su función (mención especial merece un Lluis Homar divertidamente inmenso), Maíllo aprueba con nota.
Quiza, los mayores peros los podemos encontrar en el guión que, si bien no presenta errores de bulto y huye de las soluciones más manidas, también es cierto que va perdiendo fuelle conforme avanza la proyección, va dejando algunos cabos sueltos en la relaciones entre los protagonistas y tiene un final poco intenso.. Esto último es en parte debido a que se nos avanza al principio de la cinta en una decisión más que discutible, ya que no aporta nada al entramado dramático, más bien al contrario.

CONTAGIO -CONTAGION- (2011)

2011-11-04T06:23:00.000-07:00

RIGUROSIDAD EXCESIVA QUE NO LASTRA UNA ATMOSFERA TERRORIFICAMENTE REALISTA

CALIFICACION: 3/5

Contagion. Estados Unidos, 2011.- 107 minutos.- Director: Steven Soderbergh.- Intérpretes: Matt Damon, Kate Winslet, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, Jude Law, Gwyneth Paltrow, Bryan Cranston, Jennifer Ehle, Sanaa Lathan, Elliott Gould .- THRILLER CIENTIFICO.- Una nueva muestra de la capacidad de Soderbergh para las narraciones poliédricas (numerosos personajes,tramas entrelazadas, mezcla espacio-temporal) como ya demostró en una de las cumbres de su carrera, Traffic. Aquí se queda un par de escalones por debajo, pero no por ello estamos ante una obra desdeñable. Ni mucho menos.

Mas bien, al contrario, la sensación final es la de un film riguroso, absorbente y sólido que atrapa al espectador en un atmósfera de caos, imprevisibilidad y fatalidad.
De repente, sin saber cuál es su origen, un virus mortal se propaga a nivel mundial y, en pocos días, empieza a diezmar a la población. El contagio se produce por mero contacto entre los seres humanos.

La pandemia se extiende con un halo fatalista y los seres humanos intentan sobrevivir de cualquier manera posible, muchas veces sacando lo peor que llevan dentro.
La dirección es brillante, el montaje efectivo y la interpretación notable. Sin embargo, un molesto afán por mostrar una rigurosidad excesiva a la hora de recrear los ambientes y conversaciones entre los cientificos lastra el objetivo fundamental de cualquier película: comunicar con el espectador.

Y esto creo que es debido a la presión de todos aquellos que opinan sobre cine usando argumentos extracinematográficos, lo que demuestra poco amor y respeto por el séptimo arte. Que si una película es machista, que si da un mal ejemplo a los niños, que si las espadas de aquella época no eran así, que si hay incorrecciones técnicas o cientificas. Pero, esto qué es ¿entretenimiento o una tesis doctoral o doctrina moral? Abajo la rigurosidad. Ya está bien.

LA VOZ DORMIDA (2011)

2011-11-04T06:19:00.000-07:00

A PESAR DE SUS DEFECTOS, EL DRAMA HUMANO CALA

CALIFICACION: 2,5/5

España, 2011.- 128 minutos.- Director: Jaume Balagueró.- Intérpretes: Inma Cuesta, María León, Marc Clotet, Daniel Holguín, Ana Wagener, Antonio Dechent.- DRAMA.- Como drama humano funciona bastante bien y acaba provocando una congoja en el espectador (sobre todo a una inmensa María León, ganadora en San Sebastián y firme candidata al Goya) , a pesar de algunos errores incomprensibles y fácilmente subsanables:
1) todos los fachas son malos, feos –esa gorda carcelera que parece salida de un barraca de feria de freaks- y malencarados: Todos los republicanos son guapos, buenos y afables)

2) Excesos a la hora de mostrar la maldad de los carceleros. No niego que ocurriera así, pero artísticamente no funciona.

3) Una dirección demasiado plana y un guión que da demasiadas vueltas sobre sí misma

Zambrano ha alegado que nadie se queja cuando menos una película de nazis en los que estos son caricaturas grotescas de la maldad. Pero hay que recordarle al director de solas que esas cintas casi siempre son cine de género con sus rasgos de estilo bien definidos. Sin embargo, se supone que aquí estamos ante un drama serio y riguroso que no se puede permitir esos excesos.

Pepita, una joven cordobesa de origen rural, viaja a Madrid, en plena posguerra, para estar cerca de su hermana Hortensia que está embarazada y en prisión. Pepita conoce a Paulino, un valenciano de familia burguesa, que lucha junto a su cuñado en la sierra de Madrid. A pesar de la dificultad de su relación, se enamoran apasionadamente. Hortensia es juzgada y condenada a muerte. La ejecución no se llevará a cabo hasta después del parto. Pepita intenta por todos los medios y en todas las instancias que condonen la ejecución. Va todos los días a la prisión con el objetivo de que le entreguen el futuro hijo de Hortensia, suplicando que no lo den en adopción o lo internen en un orfanato...

MIENTRAS DUERMES (2011)

2011-11-04T06:13:00.000-07:00

LA OBRA MAS CLASICA Y MENOS EFECTISTA DE BALAGUERÓ

CALIFICACION: 2,5/5
España, 2011.- 107 minutos.- Director: Jaume Balagueró.- Intérpretes: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez.- TERROR PSICOLOGICO.- Buen trabajo actoral, clima asfixiante que intenta imitar sin suficiente éxito a Polanski y ausencia de efectismos muy de agradecer viniendo del autor de Rec.
César es el portero de un edificio de apartamentos y no cambiaría este trabajo por ningún otro, ya que le permite conocer a fondo los movimientos, los hábitos más íntimos, los puntos débiles y los secretos de todos los inquilinos. Si quisiera podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha. Porque César guarda un secreto muy peculiar: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para producir dolor a su alrededor. Y la nueva vecina del 5ºB no deja de sonreír. Entra y sale cada día radiante y feliz, llena de luz. Así que pronto se convertirá en el nuevo objetivo del juego de César. Se trata de un reto personal, de una obsesión.

SIN SALIDA -ABDUCTION- (2011)

2011-11-04T06:11:00.000-07:00

PURO ENTRETENIMIENTO DEUDOR DE LA ERA ANALOGICA

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2011.- 107 minutos.- Director: John Singleton.- Intérpretes: Taylor Lautner, Lily Collins, Sigourney Weaver, Alfred Molina, Michael Nyqvist, Maria Bello, Jason Isaacs, Dermot Mulroney .- THRILLER CIENTIFICO.- La han puesto a caldo. Las fronteras entre la crítica cinematográfica profesional y los departamentos de marketing de las grandes productoras/distribuidoras. Para mantener la falsa sensación de independencia hay que destrozar algunas películas, para que no parezca que está todo el pescao vendido. Curiosamente, casi siempre son masacradas aquellas películas a las que las críticas negativas no les van a quitar un solo espectador. Al público objetivo de este film (adolescentes fanáticas del tan Lautner) se la trae floja lo que digan un cuadrilla de viejos sesudos.

Y además, esta cinta, a priori, provoca al personal y nos lo pone a huevo. Un actor lamentable, un director que prometía mucho –“Los chicos del barrio- y se quedo en nada (una de las cosas que más irritan a los críticos) y una intriga a lo Hitchcock (¿cómo osan imitar al más grande, autor, eso sí, de coñazos incomensurables como “Atrapa a un ladrón”).

Un día, Nathan Harper ve su foto en una página de personas desaparecidas. Sospechando que sus padres pudieron secuestrarlo siendo un bebé, empieza a investigar y descubre que sus padres no son quienes dicen ser. Pero lo peor es que, de repente, sin saber cómo ni por qué, empieza a ser perseguido por la policía, por agentes del gobierno e incluso por asesinos a sueldo, convirtiéndose en la víctima de una misteriosa conspiración. A partir de ese momento el objetivo de su vida será averiguar su verdadera identidad.

¿Pues qué quieren que les diga? Yo me lo pasé teta. No es una buena película, pero funciona perfectamente como producto comercial. Y Singleton la despoja de efectos especiales y pantalla verde y vuelve a lo tangible: espacios abiertos y urbanos perfectamente filmados y fotografiados, persecuciones de coches, intriga en trenes, autostopistas e, incluso, una escena final en un estadio deportivo repleto de gente.

¿Qué nada tiene ni pies ni cabeza? ¿Y qué blockbuster lo tiene hoy en día? Este film es mucho más honesto porque no intenta inventar la polvora, ni trascender ni hacer la película definitiva del género. Sólo entretener. ¿Tan difícil es, Nolan?

LA COSA -THE THING- (2011)

2011-11-04T06:04:00.000-07:00

PRESCINDIBLE PERO NO DETESTABLE CORRECALLES POR LA ANTARTIDA

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2011.- 103 minutos.- Director: Matthijs van Heijningen Jr..- Intérpretes: Mary Elizabeth Winstead, Eric Christian Olsen, Joel Edgerton, Ulrich Thomsen.- CIENCIA-FICCION.- ¿Qué se puede esperar de la precuela de un remake? Pues no más de lo que da. Hora y media de entretenimiento no demasiado vergonzante, buenos efectos especiales, una interesante dosificación del tempo narrativo –salvo en el aburrido tercio final- y una atmósfera terrorifica y opresiva bastante conseguida.

En una remota zona de la Antártida, un descubrimiento de gran relevancia científica se convierte en un problema de supervivencia. La paleontóloga Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) llega a esa inhóspita región para colaborar con un equipo científico noruego que ha encontrado una nave extraterrestre enterrada en el hielo, en cuyo interior hay un ser alienígena congelado pero cuyas células están vivas... Precuela de "La Cosa", película dirigida por John Carpenter y protagonizada por Kurt Russell, que se basaba en un clásico de serie B de los años 50.

ONE DAY -SIEMPRE EL MISMO DIA- (2011)

2011-11-04T05:56:00.000-07:00

POR UNA VEZ EL TITULO ESPAÑOL SIRVE PARA ALGO: NOS AVISA DE LO INSOPORTABLEMENTE REPETITIVA QUE ES ESTA PELICULA

CALIFICACION: 1,5/5

Estados Unidos, 2011.- 108 minutos.- Director: Lone Scherfig.- Intérpretes: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Romola Garai.- DRAMA ROMANTICO.- Decepción profunda, porque como soy un moña sentimental, con semejante argumento, esperaba encontrarme con un film hecho a mi medida. Para nada. Tampoco me encontré algo totalmente diferente que me sorprendiera. Sólo recibí aburrimiento.
Emma y Dexter se conocen el día de su graduación universitaria, el 15 de julio de 1988. Ella es una chica de clase trabajadora que sueña con hacer del mundo un lugar mejor. Él es un joven rico con ganas de comerse el mundo. Durante veinte años, cada 15 de julio, se nos muestra cómo transcurre su vida y lo extraordinaria que es su amistad. Pero, por fin, un día ambos se dan cuenta de que lo que habían estado buscando durante años estaba delante de ellos.
Un personaje secundario, pero importante en la trama, quiere ser monologuista cómico. Lo intenta tenazmente durante años, pero al final debe aceptar la cruda realidad. No tiene ni pizca de gracia. Al asumir sus limitaciones se hace mucho más digno de elogio que los responsables de este film. Si hay algo tan patético como creerse gracioso y no serlo, es considerarse continuamente encantador y no conseguirlo nunca.
Así, la directora de las notables “An education” e “Italiano para principiantes” y, especialmente, el autor de la novela (metido a adaptador de la misma) parece estar encantados de haberse conocido y convencidos de estar haciendo la comedia romántica más brillante desde “El apartamento”. Pero lamento tener que decirles que, por lo único que destaca este mediocre film, es por su rutina, repetición, hastío y feismo no buscado…y preguntas sin repuesta.

1) ¿Para qué contar 20 años de una relación, si los cambios externos no afectan en lo más mínimo a los protagonistas, salvo que escuchan música distinta y cambian su ropa y corte de pelo?

2) ¿Para qué contar algunos años en los que no pasa absolutamente nada o los personajes siguen igual que estaban (Sturgess es el mismo imbecil niño rico descentrado durante toda la película)? Ya sé que es interesante mostrar la rutina y la falta de épica del día a día –de hecho, me encanta- y Wes Anderson lo recreaba muy bien en uno de los meses en los que se desarrollaba su casi desconocida Academia Rushmore. Pero aquí no funciona. Sólo aburre.

3) ¿Por qué contar la escena más importante de la historia al finakl y no en su correcto momento temporal, quitándole gran parte de la comprensión del espectador y su empatía hacia el personaje de Anne Hathaway?

4) ¿Por qué usar un recurso tan manido para desencadenar la tragedia?

Esperemos que para dar respuesta a todas estas incognitas, no hagan una segunda parte de este film apenas soportable por la presencia de la maravillosa Anne. Ya sé que con ese desenlace es difícil que se saquen de la manga una continuación, pero cosas más raras se han visto

CRAZY, STUPID, LOVE (2011)

2011-11-04T03:52:00.000-07:00

PERSPICAZ CRONICA DEL CAMBIO EN LAS RELACIONES ENTRE SEXOS

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 118 minutos.- Director: Glenn Ficarra, John Requa.- Intérpretes: Steve Carell, Ryan Gosling, Julianne Moore, Emma Stone, Analeigh Tipton, Marisa Tomei, Kevin Bacon.- COMEDIA.-

Confirmación del talento de la pareja Ficarra-Requa que ya demostraron altas dosis de observación y perspicacia sobre su sociedad en un contexto hollywoodiense de películas totalmente desconectadas de la realidad del país. Aunque aquí no se reflexiona directamente sobre aspectos sociales sino emocionales, los primeros están siempre presentes.

La situación del cuarentón y puritano, Cal Weaver es perfecta: tiene un buen trabajo, una bonita casa y unos hijos estupendos y está casado con el amor de su adolescencia. Sin embargo, cuando Cal se entera de que su esposa, Emily, le ha engañado y quiere divorciarse, su vida 'perfecta' se desmorona. Para colmo, en el actual mundo de los solteros, Cal, que no ha tenido una cita desde hace décadas, es el desastre en persona.

La cinta funciona perfectamente como comedia, como cine romántico del siglo XXI y cómo entretenimiento ya que, llegados a un punto de la narración, nos hemos enamorado de esos personajes y queremos saber más de ellos y no tenemos ganas de acabe la película. Todo un milagro, hoy en día. Los actores ayudan bastante: los matices de Carell, la naturalidad de Moore, la presencia de Gosling, el encanto de Stone y Tomei y la autoparodia de Bacon. Sin embargo, se ha de reconocer que se podía haber llegado más lejos en algunas osadías temáticas y que el ritmo es muy irregular.

QUIERO COMENTARIOS, NO SOLO VISITAS :-)

2011-09-30T05:26:00.000-07:00

Estoy satisfecho porque las visitas a este blog cada vez son más numerosas, gracias, entre otras cosas, a los amigos que me linkean desde sus páginas, como la gente de alacalle.com.

Pero hace mucho tiempo que NADIE COMENTA NINGUNA DE LAS ENTRADAS. NO HAY FEEDBACK. MANIFESTAOS, AUNQUE SEA PARA DECIR QUE NO TENGO NI P. IDEA DE CINE. GRACIAS

EL ARBOL DE LA VIDA (2011) -THE TREE OF LIFE-

2011-09-30T05:13:00.001-07:00

SOLO LAS OBRAS IMPERFECTAS, PUEDEN SER MAESTRAS. LA PERFECCION ES UNA ORDINARIEZ

CALIFICACION: 4/5

Estados Unidos, 2011.- 118 minutos.- Director: Terrence Malick .- Intérpretes: Brad Pitt, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Sean Penn, Fiona Shaw.- DRAMA FAMILIAR.- No me extenderé demasiado. A estas alturas el nuevo film de Malick ya ha hecho correr ríos de tinta y cada espectador se ha formado una opinión bien definida de lo que ha visto e incluso ha provocado que un cine de Cataluña devuelva el dinero a aquellos espectadores que a la media hora no puedan soportarla más, a cambio de que no se queden en la sala dando el coñazo a los que sí que la disfrutan.

En primer lugar, quiero señalar que estamos ante una obra de arte, no una cinta comercial al uso (muchos de ellos me encantan y los elegiré antes que El arbol de la vida para tumbarme en el sofá cualquier día que llegue cansado a casa) de los que invaden nuestras salas cada semana. Y nadie dijo que el arte se pudiera asimilar con la facilidad del producto de consumo. De todas maneras, me resulta difícil entender como puede ser más interesante ver, cada vez que se acude al cine, la misma película, una y otra vez, con actores y título diferente –muchas veces repletas de localismos yanquis que dudo que la mayoría entienda- en lugar de una propuesta insólita.

En segundo lugar, indicar que si todo el cine fuera como el de Malick o de Lynch, por citar dos ejemplos, sería para cortarse las venas. Pero que, de vez en cuando, algunos artistas se atrevan a a hacer algo diferente u osado es muy de agradecer. Hay mucha oferta y no hay porque ir a verlas. Eso sí, si lo haces, infórmate, como sí que se hace con otras actividades lúdicas.

En tercer lugar, recordar que estamos ante un poema visual y por tanto sus códigos no pueden ser los narrativos habituales. Ir a ver una obra de Malick sin informarse de su estilo, es como comprar un libro con una cubierta de best-seller y encontrarse con un libro de poemas o un ensayo filosófico.
Años 50. El film narra la evolución de Jack, un niño que vive con su madre, que encarna el amor y la bondad, mientras que su padre, que representa la severidad, es el encargado de enseñarle a enfrentarse a un mundo hostil. Por otro lado, se trata también la historia del Universo desde sus orígenes.
La cinta no es perfecta, ni falta que le hace. Ni siquiera diría que me ha gustado si estuviera ante una pregunta de SI o NO. Pero sí me ha fascinado. Como decía un admirado profesor de arte, la perfección es una ordinariez. Descompensada, cargante por momentos, criptica…todo ello se compensa con la belleza que desprenden los fotogramas y la capacidad de Malick para conectarnos con recuerdos sensitivos que de tan olvidados que los teniamos, hemos llegado a pensar que nunca existieron.

¿Qué significa la película? Lo maravilloso de ella es que estamos ante una obra no conclusiva o cerrada que cada uno de nosotros concluye aplicándole nuestra propia experiencia.

Gracias Malick, por existir.

CON DERECHO A ROCE (2011) -FRIENDS WITH BENEFITS-

2011-09-30T05:10:00.000-07:00

DEMASIADOS MINUTOS, DEMASIADAS PALABRAS…

CALIFICACION: 1,5/5

Estados Unidos, 2011.- 109 minutos.- Director: Will Gluck.- Intérpretes: Mila Kunis, Justin Timberlake, Patricia Clarkson, Woody Harrelson, Emma Stone, Rashida Jones, Jenna Elfman.- COMEDIA.- Una pequeña decepción. Si es cierto que la trama no auguraba nada bueno, esperábamos más de Gluck tras la magnífica Rumores y mentiras. Vista con Derecho a roce, podemos inferir que las virtudes de aquella se debían sobre todo al guión y a los actores.

Narra cómo una relación entre dos jóvenes amigos, Dylan y Jamie, se complica cuando deciden involucrarse románticamente. Pensaban que seguir siendo amigos y tener sexo iba a ser fácil de llevar, pero pronto se darán cuenta de que no lo va a ser tanto.

Sin ser una bazofia ni mucho menos y concediendo que contiene buenos diálogos, atrevimiento sexual, verismo en la relación de pareja y que la química entre Timberlake (cada vez más correcto en su faceta como actor) y Kunis es impresionante, la cinta está llena de bajones de ritmo, palabrería innecesaria, escenas prescindibles y, por tanto, demasiados minutos de más. Y descompensados, ya que, por ejemplo, la escena en el cartel de “Hollywood” hubiera merecido una mayor duración.

Además, acaba siendo lo mismo que pretende criticar aunque hay que agradecerle que no utilice la enfermedad del personaje de Jenkins con objetivos lacrimógenos sino narrativos.

COMO ACABAR CON TU JEFE (2011) -HORRIBLE BOSSES-

2011-09-30T05:08:00.000-07:00

MUCHA MAS DIVERTIDA E INCORRECTA DE LO ESPERADO

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 100 minutos.- Director: Seth Gordon.- Intérpretes: Jason Bateman, Charlie Day, Jason Sudeikis, Jennifer Aniston, Colin Farrell, Kevin Spacey, Jamie Foxx, Julie Bowen, Donald Sutherland.- COMEDIA NEGRA.- Una grata sorpresa. Sin ser nada del otro mundo, consigue con creces su objetivo. Dada las cotas abisales de la comedia actual (Adam Sandler a la cabeza) y el contexto descreido actual donde no es fácil hacer reír a la gente, el film de Gordon nos proporciona risas y carcajadas durante bastantes momentos de la narración. No es poco.
Para Nick, Kurt y Dale, la única solución para hacer su rutina diaria más tolerable sería hacer desaparecer a sus insufribles jefes. Con la ayuda de unas copas de más y el consejo poco fiable de un ex convicto buscavidas, los tres amigos conciben un enrevesado y al parecer infalible plan para deshacerse de ellos. Sólo hay un problema: los planes mejor ideados sólo son tan infalibles como los cerebros que los concibieron.
Un guión que maneja bien el crescendo cómico de diversas situaciones y un reparto en estado de gracia (especialmente los 3 jefes: Farell, Aniston y Spacey), sin olvidar el memorable personaje al que da vida Jamie Foxx, son las bazas más destacadas en un film que realiza un análisis crítico de la precariedad laboral sin olvidarse en ningún momento de su objetivo principal.
Quizá un desenlace abrupto y la obsesión por narrar demasiado rápidamente lo que va en detrimento de la efectividad de algunos gags son los principales defectos de una comedia gamberra muy recomendable.

LA DEUDA (2011) -THE DEBT-

2011-09-30T05:06:00.000-07:00

EFECTIVA SPY MOVIE CON ATMOSFERA OPRESIVA

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2010.- 109 minutos.- Director: John Madden.- Intérpretes: Sam Worthington, Jessica Chastain, Marton Csokas, Helen Mirren, Tom Wilkinson, Ciarán Hinds, .- THRILLER DRAMATICO.- Podría haber llegado más lejos en sus aciertos narrativos y formales pero ni siquiera el incompetente de Madden (Shakespeare in love, La mandolina del capitán Corelli) puede destruir todas las virtudes de la cinta israelí homónima en la que está basada y que se estrenó en 2007 en su país.

En 1965 tres jóvenes agentes del Mossad (los servicios de inteligencia de Israel) capturan y matan, durante una misión secreta, a un importante criminal de guerra nazi, aunque el objetivo primigenio era secuestrarlo y llevarlo ante un tribunal en Israel. Treinta años después, la hija de dos de ellos que acabaron casandose, escribe un libro sobre la heroica misión de sus padres. Sin embargo, el tercero de ellos vuelve a aparecer en escena con el objetivo de desvelar un secreto del pasado.

Encontramos, sin embargo, en la cinta una descompensación interpretativa poco habitual. Las mejores interpretaciones corresponden a los actores maduros que, ¡lástima!, aparecen en la parte menos interesante de la trama. Por su lado, la opresiva, intrigante y malsana revisitación del pasado ambientado en el Berlin Oriental de 1965 se corporiza en un trío de actores en el que sólo está a la altura de las circustancias, Jessica Chastain.

LOS AMOS DE BROOKLYN (2009) -BROOKLYN´S FINEST-

2011-09-30T05:03:00.000-07:00

CONVENCIONAL Y CARENTE DE GARRA

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2009.- 132 minutos.- Director: Antoine Fuqua.- Intérpretes: Richard Gere, Don Cheadle, Ethan Hawke, Wesley Snipes, Jesse Williams, Lili Taylor, Ellen Barkin, Will Patton.- POLICIACO.- Ya la hemos visto muchas veces y con mejores resultados. Sin ser despreciable y resultando recomendable para aficionados al policiaco (un género cada vez menos presente en nuestras salas), queda claro que con estos mimbres se podían haber obtenido muchos mejores resultados.
Tres policías, que no se conocen y que han seguido carreras muy diferentes, coinciden en una multitudinaria redada en la zona más peligrosa de Brooklyn. Eddie es un hombre honrado pero autodestructivo que ha perdido el respeto de sus compañeros. Sal ha caído en la corrupción y se siente culpable porque ha asesinado por dinero a un traficante. Finalmente, Tango, que trabaja infiltrado en un caso de tráfico de drogas, se verá obligado a traicionar a Caz, un traficante que se ha convertido en su mejor amigo.

De las tres historias, sin duda, la mas conseguida es la del infiltrado ya que Don Cheadle le da una dimensión trágica a su personaje muy de agradecer. Las fronteras entre los buenos y los malos se difuminan, constante del género, y acaba contando exclusivamente las afinidades personales con un Wesley Snipes, que obtuvo un permiso especial para salir de la carcel donde se encontraba en 2009 por evasión de impuestos.

Hawke consigue que podamos llegar a entender a un policia tan corrupto como atormentado. Por su parte, Gere (cuya interpretación ha sido incomprensiblemente bien recibida porque sigue actuando tan mal como siempre, limitándose a abrir y cerrar los ojos como zenit del registro actoral) da vida al personaje más incomprensible por mal dibujado. Sin embargo, su presencia física –adoro a este hombre y su elección de papeles- puede con todo.

Elogiar, de todos modos, su intento de hacer cine adulto en un contexto hollywoodiense concebido para un público menor de 25 años.

NUESTRA CANCION DE AMOR (2010) -MY OWN LOVE SONG -

2011-09-30T05:01:00.000-07:00

TAN KITSCH Y ESTETICAMENTE DESVERGONZADA QUE ACABA CAYENDO SIMPATICA

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2010.- 109 minutos.- Director: Olivier Dahan.- Intérpretes: Renée Zellweger, Forest Whitaker, Elias Koteas, Nick Nolte.- DRAMA.- Quería verla. Le propuse a mi pareja ir juntos al cine. Le di algunos datos. Le sonaron fatal. Lo comprendo. Una película sobre una cantante country. Paralítica. Interpretada por la Zellweger en caída libre. Acompañada por Whitaker. Dirigida por el autor de La vida en rosa. Mi pareja pasó de mí. Me fui a verla solo. No me arrepentí del todo.

Relata la difícil historia de amistad entre una cantante paralítica, condenada a vivir en una silla de ruedas, y su amigo, un afroamericano traumatizado por un incendio en el que perdió a su familia. Juntos emprenden un viaje a Memphis en el que intentarán superar las tragedias que han arruinado sus vidas.

Como a mí, a Dahan le fascina, el paisaje rural estadounidense, la ética y estética del perdedor y la iconografía de la road movie. Eso queda claro al ver su película, un dramón que, afortunadamente, no carga las tintas lacrimogenas y prefiere exagerar en las soluciones estéticas. Sin vergüenza encadena recursos visuales desfasados, grandilocuentes o directamente kitsch (mezcla de animación anticuada con imagen real, fuegos artificiales de fondo, un jardin iluminado con luces fluorescentes como un videoclip de los 80 o habitaciones de motel con unas imaginarias cristaleras que nos permiten ver desde la calle lo que pasa en el interior).

Lo que mejor funciona es el viaje como metáfora de cambio, el uso del paisaje como un personaje más, la imprevisibilidad de los encuentros de los protagonistas con almas perdidas y que Zellweger evita todos los mohines y tics. Mención especial merece Whitaker, un actor que siempre llena la pantalla con su presencia y buen hacer.

NOCHE DE MIEDO (2011) -FRIGHT NIGHT-

2011-09-30T04:45:00.001-07:00

PRIMERO ABURRIDA, DESPUES PREVISIBLE, FINALMENTE PEOR QUE SU MODESTO ORIGINAL

CALIFICACION: 1/5

Estados Unidos, 2010.- 109 minutos.- Director: Craig Gillespie.- Intérpretes: Anton Yelchin, Colin Farrell, David Tennant, Imogen Poots, Toni Collette, Christopher Mintz-Plasse.- THRILLER DRAMATICO.- Cuando acaba la proyección uno se pregunta ¿para qué han hecho este remake? Ni siquiera han mejorado especialmente la parte técnica, aunque es cierto que es una cinta elaborada y concebida para ser vista en 3-D y yo la vi en 2-d porque detesto las dichosas gafas.

Además es bastante más aburrida que el original de 1985, que tampoco era nada del otro mundo pero a la que tengo mucho cariño pues fue una de las primeras películas que fui a ver al cine con mis colegas y no con los papis. Aun recuerdo las risas nerviosas de todo un cine (el grandioso y clausurado hace más de una década Ideal de Alicante) repleto de adolescentes excitados ante la escena seudoerotica que abría la cinta.

Durante su último año en el instituto, Charlie Brewster parece que por fin ha alcanzado todos sus objetivos: es uno de los estudiantes más valorados y sale con la chica más deseada del centro. Su popularidad es tal que ha comenzado a dejar de lado a su mejor amigo. Sin embargo, cuando Jerry se convierte en su vecino, aunque, al principio, le parece un tipo genial, con el paso del tiempo empieza a percibir en él algo extraño. Desgraciadamente nadie, ni siquiera la madre de Charlie se da cuenta de nada. Después de observar que en la casa de Jerry pasan cosas extrañas, Charlie llega a la conclusión de que su vecino es un vampiro que se sirve del vecindario para cazar a sus presas. Ante la incredulidad de los demás, el protagonista deberá ingeniárselas para deshacerse del monstruo por sí solo en esta moderna versión del clásico de la comedia y el terror dirigida por Craig Gillespie.

Como ocurría en la cinta anterior del director, durante la primera parte, uno no tiene muy claro ni lo que está pasando ni porque nos cuenta lo que nos cuenta ni cual es el objetivo dramático. Mediada la proyección la cinta se entona gracias a unas aceptables escenas de acción: la explosión de una casa y una competente filmada huida por carretera. No es suficiente para aprobar y poco ayuda un Colin Farell nada convicente y que palidece ante la interpretación que hizo Chris Sarandon, protagonista de un poco aprovechado cameo, en la cinta original.

LA BODA DE MI MEJOR AMIGA -BRIDESMAIDS- (2011)

2011-09-06T04:10:00.000-07:00

IRREGULAR PERO INCISIVO ACERCAMIENTO AL UNIVERSO FEMENINO DEL SIGLO XXI

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 128 minutos.- Director: Paul Feig.- Intérpretes: Kristen Wiig, Maya Rudolph, Rose Byrne, Jon Hamm.- COMEDIA DRAMATICA.-

La factoría de Judd Apatow (con él como director o solo como productor) sigue renovando la comedia americana y dinamitando los tópicos consustanciales a ésta desde los años 80. Primero fue la comedia masculina con Virgen a los 40, luego fue la de pareja con Lío embarazoso, después la juvenil con Supersalidos y posteriormente la dramática en Hazme reír. Incluso inspiró una bromance como Te quiero, tío. Ahora le toca el turno a la comedia de chicas y bodas. Y el resultado es el de casi siempre: irregular, loable, perspicaz, incisivo y de alargado metraje.

Annie es una treintañera soltera del Medio Oeste, con una vida sentimental más bien precaria, a la que Lilliam, su mejor amiga, le pide que sea su dama de honor. Sin embargo, aunque nunca ha ejercido esa función, la pobre se esfuerza por dárselas de snob en la fiesta anterior a la boda. Mientras tanto, otra amiga de Lillian hará todo lo posible por arrebatarle el papel a la inexperta Annie.

No estamos ante el reservo femenino de Resacón ni ante una película de bodas. Más bien se trata de un retrato femenino del siglo XXI en el mundo occidental, especialmente centrado en la contradictoria protagonista que fluctua entre el encanto, la estupidez y la autodestrucción emocional.

La cinta funciona mucho mejor a partir de mediada la proyección, cuando deja de obsesionarse con ser graciosa, para centrarse en ser perspicaz en el retrato de lo que significa ser mujer en el tiempo actual. La película alcanza una cadencia especial en la que ya deja de ser importante el qué, la peripecia y su desenlace y pasa a ser más importante el cómo y la evolución de los personajes. Entonces desaparece la apariencia de camino trillado, de formula comercial para aparecer la sensación de vida real en pantalla, algo cada vez menos frecuente en el cine actual. Y si conectas con ella, ya no te importa cuanto falta para el desenlace sino que quieres saber más de esa protagonista y su entorno.

Cuando en el epilogo aparecen las Wilson Phillips cantando ese temazo que es Hold on, la confortable sensación de estar como en casa se vuelve más placentera.

COWBOYS AND ALIENS (2011)

2011-09-06T04:06:00.000-07:00

PUES ESO, VAQUEROS CONTRA EXTRATERRESTRES

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2011.- 118 minutos.- Director: Jon Favreau.- Intérpretes: Daniel Craig, Olivia Wilde, Harrison Ford, Noah Ringer, Sam Rockwell, Paul Dano, Abigail Spencer, Keith Carradine, Ana de la Reguera.- WESTERN DE CIENCIA-FICCION.-
Como contaba Robert Altman en El juego de Hollywood, desde los años 80 los proyectos en Hollywood se presentan a los productores con la frase “X meets Y”, lo que sería en español algo así como una mezcla, un cruce entre un éxito anterior y otro, tipo “una mezcla entre E.T. y Tiburón”. Pero hasta ahora no había quedado tan clara la operación comercial, desde el propio título de la película. Así nadie puede llamarse a engaño. Porque eso es la cinta y nada más, un encuentro entre vaqueros del Oeste y aliens venidos de otro planeta.

En 1873, en el viejo Oeste, los colonos y los indios se enfrentan en una batalla salvaje por el control de las tierras. Pero cuando la Tierra se ve amenazada por seres de otro planeta, ambos bandos deberán colaborar para salvar a la humanidad.

Personalmente, a priori, me pareció muy interesante que los aliens, por una vez, no llegarán a la tierra en tiempo presente o futuro, si no en el pasado y concretamente en un periodo tan interesante como la fiebre de oro del Salvaje Oeste.

La primera parte es puro western, sin verdadero talento pero sin con perfección formal y narrativa. La segunda parte es más estilo Transformers y resulta más rutinaria e inverosímil. Tan monótona y falta de personalidad que los aliens son un casi un calco de el de Super 8, no en balde ambas las produce Spielberg.

Craig, Ford y Rockwell defienden con dignidad unos roles muy planos y Dano, Carradine y alguno más casi pasan por allí, dado que desaparecen literalmente de la historia. El personaje de Wilde es el más absurdo e insustancial, a pesar de que, en teoría, debería tener mucho más peso.

La cinta ha sido un semifracaso en Estados Unidos lo que demuestra, una vez más, que el western no gusta a las nuevas generaciones. A mi, en pantalla grande, me encanta disfrutar de esos grandes planos generales en espacios abiertos.

SUPER 8 (2011)

2011-09-06T04:04:00.000-07:00

JUGANDO A SER SPIELBERG

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2011.- 112 minutos.- Director: J.J. Abrams.- Intérpretes: Joel Courtney, Riley Griffiths, Elle Fanning, Ryan Lee, Gabriel Basso, Zach Mills, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, David Gallagher, Glynn Turman, Amanda Michalka.- DRAMA DE CIENCIA-FICCION.- La nostalgia de los adultos vende pero son los más jóvenes los que suelen pasar por taquilla. Gran dilema comercial perfectamente resuelto en este film: hagamos una cinta que argumentalmente se parezca a E.T., Los Goonies o Encuentros en la tercera fase, por nombrar algunos ejemplos pero que resulte visualmente atractiva para las nuevas generaciones: efectos especiales de última generación y cinefilia friki con zombies incluidos. El éxito en taquilla ha sido el esperado y gran parte de la crítica profesional la ha saludado como un acierto que mezcla a la perfección lo viejo y lo nuevo. Sólo los espectadores que se expresan libremente por Internet después de verla han discrepado con estas loas generales. Coincido con ellos.

Año 1979, en un pequeño pueblo de Ohio. Joe Lamb es un muchacho que ha perdido a su madre en un accidente y que vive con su padre policía . Comenzado el verano, y mientras rueda una película de zombis en Super 8 con sus amigos -y sobre todo con la bella Alice Dainard- Joe observa cómo una camioneta se estrella contra un tren de mercancías, provocando su descarrilamiento y un terrible accidente. A partir de ese momento cosas extrañas e inexplicables comienzan a suceder en el pueblo.

La cinta presenta una primera mitad aceptable que no memorable donde se copia, con conocimiento de causa el estilo del Spielberg de finales de los 70 y principios de los 80. Nada memorable y todo bastante impostado pero entretenido. Sin duda, lo más discutible es que unos niños rueden una película de zombis en 1979. Los niños, y más los americanos, no tenían acceso a ese tipo de cine, pues eran películas minoritarias y totalmente prohibidas a menores de 18 años. Muchas personas de esa generación no tuvieron conocimiento y/o acceso a/de ese tipo de cine hasta que entraron en la veintena. Además, desde el principio, se observa en Abrams (cuya manera de dirigir no me entusiasma en absoluto) -o en los productores- un pánico a alargar las escenas intimistas no vaya a ser que el público se aburra. Así cada vez que se está alcanzando un climax dramático ocurre algo físico que desvía la atención del espectador. Y así no hay manera de que los personajes te importen.

Ninguna de las escenas supuestamente cumbres de la cinta funcionan como deberían y, a partir de que se desvelan los misterios de la trama asistimos a un recital de explosiones y carreras que hacen que la poca trama que había se diluya totalmente y todo se convierta en un correcalles casi patético.

Destacar, finalmente, la gran interpretación de Elle Fanning y avisar si van a verla que se queden a los títulos de crédito finales, en los que podemos ver el corto que ruedan los chavales durante la película y que consigue aparenta ser mucho más sincero, divertido, humilde y auténtico que el film de Abrams

CAPITAN AMERICA: EL PRIMER VENGADOR -CAPTAIN AMERICA: THE FIRST AVENGER (2011)

2011-09-06T04:01:00.001-07:00

DIGNO Y LOABLE CLASICISMO SIN PASION

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2011.- 125 minutos.- Director: Joe Johnston.- Intérpretes: Chris Evans, Hugo Weaving, Hayley Atwell, Tommy Lee Jones, Stanley Tucci, Toby Jones.- DRAMA.- Está por encima de la media del cine basado en comics y su primera parte es más un drama de ambiente bélico y una fantasía aventurera que la típica cinta de efectos especiales al uso. Pero también es cierto que en su segunda parte se vuelve más convencional y rutinaria dando al público lo que los estudios creen que éste quiere: acción y efectos especiales.

Nacido durante la Gran Depresión, Steve Rogers creció como un chico enclenque en una familia pobre. Horrorizado por las noticias que llegaban de Europa sobre los nazis, decidió enrolarse en el ejército; sin embargo, debido a su precaria salud, fue rechazado una y otra vez. Enternecido por sus súplicas, el General Chester Phillips le ofrece la oportunidad de tomar parte en un experimento especial. la "Operación Renacimiento". Después de administrarle el “Suero Super-Soldado” y bombardearlo con “vita-rayos”, el cuerpo de Steve se hace perfecto. Posteriormente, es sometido a un intensivo programa de entrenamiento físico y táctico. Tres meses después, recibe su primera misión como Capitán América. Armado con un escudo indestructible y su inteligencia para la batalla, el Capitán América emprende la guerra contra el mal, como centinela de la libertad y como líder de los Vengadores.

Aunque la mencionada primera parte funciona muy bien, no es menos cierto que nunca alcanza altas cotas de emoción ni de excelencia. Lo segundo no se pretende, pero lo primero si se busca frecuentemente y raramente se consigue.

Se debe reconocer, por otra parte, que siendo una historia con un germen claramente patriotero, no se abusa de éste e incluso se parodia. Las escenas de acción están bastante más conseguidas (como la del tren) que un desenlace carente de tensión.

Por cierto ¿nadie se ha fijado en el gran parecido entre el malvado de la película con cara roja y Pepe, el bipolar defensa del Real Madrid?

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS -THE RISE OF THE PLANET OF THE APES- (2011)

2011-08-26T05:01:00.000-07:00

RESPETUOSA CON EL ORIGINAL PERO TOTALMENTE AUTONOMA

CALIFICACION: 3/5

Estados Unidos, 2011.- 110 minutos.- Director: Rupert Wyatt.- Intérpretes: James Franco, Andy Serkis, Freida Pinto, Brian Cox, John Lithgow.- CIENCIA-FICCION.- Una agradable sorpresa ya que, tras el fiasco cósmico que supuso el remake que hizo Tim Burton del clásico de 1968 y los pocos acertados trailers promocionales, las expectativas eran poco halagüeñas. Sin embargo, se nos ofrece un producto comercial muy bien realizado que entretiene, inquieta y sorprende a partes iguales.

Precuela del ya mítico largometraje "El planeta de los simios". Will Rodman es un joven científico que está investigando con monos para obtener un tratamiento contra el alzheimer, una enfermedad que afecta a su padre. Uno de esos primates, al que llaman César, experimenta una evolución en su inteligencia tan notable que el protagonista decide llevárselo a su casa para protegerlo. Le ayudará una bella primatóloga llamada Caroline.

Wyatt, en su debut hollywoodiense, tras interesante cinta británica The escapist, nos ofrece varias tramas y todas funcionan a buen nivel. La intriga científica, el drama familiar, la toma de conciencia de la discriminación sufrida, el drama carcelario y la acción adrenalítica se entremezclan de manera convincente. Además, el aspecto visual y la credibilidad de los simios son bastante mejores que los que auguraban los avances publicitarios. Es cierto que si analizamos con lupa el guión, éste presenta más de un agujero que requiere que el espectador suspenda la incredulidad (¿puedes ocultar a un simio enorme sin que nadie se entere?, ¿puedes entregarlo a las autoridades sin que te hagan preguntas?). Pero son aspectos que no influyen en el disfrute general que incluye homenajes a La fuga de Alcatraz y a Vértigo con la magnífica, esplendorosa secuencia del bosque de sequoyas.

PAUL -2011-

2011-08-26T04:59:00.000-07:00

PODIA HABER LLEGADO MÁS LEJOS EN SU INCORRECCION

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 103 minutos.- Director: Greg Mottola.- Intérpretes: Simon Pegg, Nick Frost, Jane Lynch, Kristen Wiig, Jason Bateman, Sigourney Weaver, Bill Hader, Jeffrey Tambor, Blythe Danner.- COMEDIA.- Aunque podíamos esperar más de este cruce de talentos estadounidense (el Mottola de Supersalidos y Adventureland) y británico (la pareja Pegg-Frost de Zombies Party y Arma fatal), el resultado final es satisfactorio. La brillante sátira del frikismo y del fanatismo religioso del cinturón de la Biblia del Sur de Estados Unidos convive con golpes de humor menos afortunados por parte de los policías que persiguen a los fugitivos.

Aventuras de dos frikis ingleses que viajan hasta la Comic Con y, después, decidirán ir hasta el Área 51. En su camino se encuentran con un pequeño alienígena llamado Paul que necesita que le presten ayuda para escapar del Gobierno y, también, para encontrar el camino de regreso a su hogar.

De ritmo irregular que intercala secuencias tronchantes con escenas mal resueltas, en nuestro país queda perjudicada por un doblaje en el que, inevitablemente, se pierden los giros humorísticos de tipo lingüístico y en el que la voz de Santi Millán, a pesar de su loable esfuerzo, se percibe como un intruso en el conjunto de dobladores profesionales.

Reseñar, por último, el gran trabajo de Kristen Wigg, guionista y protagonista de uno de los sleepers del verano, La boda de mi mejor amiga. Esta actriz, formada en la inagotable cantera humorística del Saturday night borda su papel de fanática religiosa convertida al pecado por las revelaciones que le hace Paul, en el mejor momento del film.

LINTERNA VERDE -The Green Lantern- (2011)

2011-08-26T04:52:00.000-07:00

¿HACIA FALTA QUE TODOS LOS PLANOS FUERAN VERDES?

CALIFICACION: 1/5
Estados Unidos, 2011.- 105 minutos.- Director: Martin Campbell.- Intérpretes: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Mark Strong, Tim Robbins, Angela Bassett - COMIC.- Por casualidad me encontré en la tele con una entrevista al director de este cuasi engendro, Martin Campbell, (Al límite, Casino Royale, Amar peligrosamente, las dos entregas de El zorro). A propósito de este film decía que resultaba muy aburrido dirigir una cinta en la que el 90% de las escenas se rodaban con los actores haciendo el mono delante de una pantalla verde sobre la que posteriormente se añadirían los efectos digitales. En verdad debe serlo porque lo que más debía molar de un rodaje anterior a la era de los efectos especiales, era ver a los actores y especialistas interactuando en localizaciones reales a los mandos de coches y demás artilugios diseñados por el departamento de producción.
No sé si se realmente se aburrieron haciéndola, pero de lo que estoy seguro es de lo mucho que me aburrí viendo un truño de píxel-piedra (los de carton piedra eran más entrañable). Y parece que no he sido el único. A pesar de la potente campaña de marketing, la cinta no ha funcionado bien en taquilla.
Hal Jordan, un piloto que prueba prototipos, adquiere superpoderesque le son concedidos por un extraterrestre moribundo. Gracias a ello es reclutado para una misión de paz intergaláctica... Adaptación a imagen real del popular personaje de DC Comics, Linterna Verde.
Aburrida, sin sentido y fea estéticamente (una amalgama verde continua). Huir

BETTY ANNE WATERS (CONVICTION) -2011-

2011-08-26T04:48:00.000-07:00

COMO HACER INTERESANTE UN GENERO AGOTADO

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 103 minutos.- Director: Tony Goldwyn.- Intérpretes: Hilary Swank, Sam Rockwell, Juliette Lewis, Ari Graynor, Minnie Driver, Clea DuVall, Melissa Leo, Peter Gallagher.- DRAMA.- Un film sólido y convincente que no apura completamente todas las posibilidades de un guión que intenta dar un nuevo giro al manido género judicial presentando unos personajes principales con matices distintos a los habituales y enfocando la trama en cómo afectan los hechos descritos a las vidas cotidianas de ciudadanos anónimos y humildes.

Betty Anne Waters es un auténtico ejemplo de estoicismo, solidaridad y entrega. En 2001, su hermano Kenny fue puesto en libertad tras haber pasado 18 años en la cárcel de Walpole por un asesinato que no había cometido. Por aquel entonces, Betty Anne, que trabajaba como camarera en un bar, era una mujer de 28 años divorciada y con dos hijos. Cuando su hermano fue condenado a cadena perpetua, absolutamente convencida de su inocencia, se puso a estudiar derecho, terminó la carrera en un tiempo récord y se convirtió en su representante legal. Tras muchas dificultades, logró que lo exculparan gracias a un análisis de ADN que demostró que él no había sido la persona que en 1983 había asestado treinta puñaladas a Katharina Brow.

La cinta evita casi siempre el dramatismo exacerbado y la lágrima fácil y sólo en contadas ocasiones cae en el sentimentalismo. A ello colabora, decididamente, además del mencionado guión, el trabajo de los actores (todos excelentes, incluida una Minnie Driver que parece haber reverdecido laureles con su nueva etapa como secundaria de lujo) que y una dirección que no intenta subrayar con efectos un drama humano que no los necesita.

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CONVENCION EN CEDAR RAPIDS -2011- (CEDAR RAPIDS)

2011-08-26T04:44:00.000-07:00

LA VIDA AMERICANA ACTUAL EN TODA SU CRUDEZA

CALIFICACIÓN: 3/5

Estados Unidos, 2011.- 86 minutos.- Director: Miguel Arteta.- Intérpretes: Ed Helms, John C. Reilly, Anne Heche, Isiah Whitlock Jr., Sigourney Weaver.- COMEDIA DRAMATICA.- Tiene apariencia de comedia y, de hecho, provoca más de una carcajada en su descripción de las ridículas situaciones a las que conduce la forma de vida en los actuales Estados Unidos, especialmente en lo que hace referencia al mundo laboral.
Podríamos hablar de El apartamento del siglo XXI, pero el clásico de Billy Wilder de 1960 era cine comercial puro y duro, producido con los mejores medios económicos y artísticos, perfectamente publicitado y distribuido y triunfador de los Oscars. Sin embargo, el film que nos ocupa es cine residual, hecho con 4 duros, sin estrellas y negligentemente publicitado y distribuido. Esta diferencia abismal es sintomática de los tiempos (cinematográficos y globales) que nos ha tocado vivir donde el cine sobre temas serios no interesa o se cree que no interesa al público en general.

Comedia sobre un grupo de vendedores de seguros que intentarán aprovechar una convención anual en Cedar Rapids (Iowa) para escapar de sus rutinarias vidas, algo así como ir a Las Vegas, pero con campos de maíz.

Concisa y sin grandilocuencias, Arteta (The Good girl) reflexiona sobre las relaciones laborales en un país donde las empresas exigen dedicación absoluta los trabajadores y que éstos tengan una vida privada acorde con los principios morales y religiosos de la compañía, aunque, en realidad los propietarios y dirigentes de la misma tengan comportamientos amorales y corruptos.

Tambien pone el dedo en la llaga en referencia a un pensamiento único impuesto por el sistema capitalista democrático estadounidenses, ideología que parece buscar el bienestar del individuo (eliminación de vicios, pulsiones, hábitos perjudiciales) pero que es tan totalitario en sus resultados como otros regímenes tildados de fascistas. Y lo peor de todo es que los individuos afectados creen que es lo mejor para ellos mismos y, lo que es peor, que son ellos los que han decidido libremente esa manera de actuar,vivir y sentir. Por ello, la ingenuidad de muchos estadounidenses queda en el punto de mira de este loable film puramente indie.

La dirección de Arteta es funcional y está al servicio del guión, verdadera estrella de la función, perfectamente sazonada por un elenco actoral magnífico en el que destaca un inconmensurable John C. Reilly

PELICULAS OLVIDADAS: "TODOS RIERON" (ALL THEY LAUGHED) -1981- de Peter Bogdanovich

2011-07-14T03:20:00.000-07:00

PELICULAS OLVIDADAS; SANGRE SABIA (WISE BLOOD) -1979- de John Huston

2011-07-14T03:03:00.000-07:00

PELICULAS OLVIDADAS: "EL NADADOR" (THE SWINNER) de Frank Perry -1968-

2011-07-14T02:58:00.000-07:00

BAD TEACHER (2011)

2011-07-14T01:52:00.000-07:00

EL AZOTE DEL BUENROLLISMO, LO POLITICAMENTE CORRECTO Y LOS Y LAS MOÑAS QUE ESTAN CONVIRTIENDO ESTE MUNDO EN UN LUGAR FRIO Y ABURRIDO.

CALIFICACION: 3/5

Estados Unidos, 2011.- 92 minutos.- Director: Jake Kasdan.- Intérpretes: Cameron Diaz, Justin Timberlake, Jason Segel, Lucy Punch. – COMEDIA.- Acudí a ver Bad teacher con muchas prevenciones. El trailer es espantoso, Cameron Diaz no me cae muy bien y los guionistas se han curtido en The office, serie de televisión que nunca me ha llegado a calar pese a los esforzados intentos de un querido amigo por hacerme fiel creyente de la misma.

Sin embargo, a los pocos minutos de empezar la proyección, me sorprendí riéndome bastante más de lo que esperaba. Pero lo más importante es que esta caricatura desmadrada, exagerada, zafia y vulgar no se queda en eso, si no que se erige una furia incontrolable que fustiga las bases de la mentalidad dominante en los Estados Unidos y que, debido a la globalización reinante, se extiende como la pólvora por el mundo occidental.

A saber:

Hipocresía desaforada ejemplificada en personas cuyo modus vivendi es “ni una mala palabra, ni una buena acción”,

Maniqueísmo que simplifica el análisis de la realidad a una lucha entre el bien y el mal (olvidando el imprescindible relativismo)

dictadura de lo políticamente correcto, castrando la necesidad humana de discrepar y expresarse con libertad, aunque pueda molestarse a otros

Absoluta falta de comprensión por las debilidades humanas, típica de la juventud, pero que no se puede convertir en ideología dominante, olvidando la imprescindible aceptación de nuestra naturaleza

Anulación de las pulsiones humanas que nos hacen tan imperfectos e interesantes a la vez

Puritanismo y consiguiente represión

Elizabeth es una profesora despiadada, grosera, malhablada y absolutamente irresponsable: bebe, se coloca y sólo piensa en encontrar un buen partido para poder dejar de trabajar. Cuando su prometido la deja, pone en marcha un plan para conquistar a un rico y guapo profesor, Scott; pero, para ello, tendrá que competir con la modélica Amy, una profesora hiperactiva y llena de energía. Al mismo tiempo, un sarcástico e irreverente profesor de gimnasia, Rusell, no para de tirarle los tejos. Sus desvergonzadas y escandalosas argucias transmitirán a sus alumnos y colegas una educación anticonvencional, ya que "lo que ella enseña, no está en los libros.

Los Scott (tontos utiles) y las Amy (arpías con piel de Barbies) se están cargando el mundo. Menos mal que todavía quedan Elizabeths y Rusell, que con su imperfección y contradictoria humanidad nos recuerdan que las pasiones y debilidades son imprescindibles.

No estamos ante una obra realmente importante porque es irregular, nada universal (si no se conocen las claves de esa generación de americanos, algunas gracias no se entienden) y la dirección es correcta pero funcional. Aún así muy recomendable. Mucho más que moñadas recientes como Win, win. Eso sí, fundamental asumir que estamos ante una caricatura.

CARS 2 -2011-

2011-07-14T01:49:00.000-07:00

NO EMOCIONA PORQUE NO LO PRETENDE

CALIFICACION: 3/5

Estados Unidos, 2011.- 113 minutos.- Director: John Lasseter, Brad Lewis.- Película de animación. – COMEDIA DE AVENTURAS Y ESPIONAJE.- No comparto las críticas que afirman que es muy inferior a la primera y que Pixar ha patinado al realizar su primer film carente de emoción. Creo que las opiniones están cada vez más mediatizadas por los departamentos de marketing de las productoras, dedicados a conseguir que se ensalzen basuras. Y para despistar al aficionado y no parezca que los medios alaban todos los films de estreno, se reservan una cuota de películas para destrozar. Tres son los motivos por los que algunas pelis son defenestradas: porque son realmente malas, porque van a ser un éxito independientemente de las críticas o porque son molestas por su contenido o por que su creador es un tocapelotas en Hollywood.

Cars 2 pertenece a la segunda categoría. Personalmente me ha resultado más divertida que la cinta original, que me parece posiblemente la más floja de todas las obras de Pixar, y creo q ue es una de las más compensadas de la factoría de animación. Maravillas como Up o Wall-E pecaban de una descompensación entre sus arranques, adultos y emotivos, y sus desenlaces, infantiles y atropellados. Siendo notables películas, les afectaba demasiado el compromiso de agradar a niños y padres, cosa que no le ocurre, por nombrar un film reciente, a la estupenda Toy Story 3.

Rayo McQueen y su amigo, la grúa Mate, viajan al extranjero para participar en el primer Campeonato Mundial en el que se decidirá cuál es el coche más rápido del planeta. La primera escala es Tokio (Japón), donde Mate tendrá que convertirse en un espía secreto al verse envuelto inesperadamente en un caso de espionaje internacional, que lo llevará a París y a Londres. También vivirán una aventura de proporciones épicas al viajar a Porto Corsa (Italia), para disputar el Campeonato. Sin embargo, los dos tendrá que renunciar a los placeres de la Riviera italiana -yates, playas y pasta al pesto- ya que Mate está muy ocupado con su labor de espía, mientras que McQueen compite contra los mejores coches del mundo.

Cars 2 no emociona, como se le ha criticado de forma mayoritaria, porque no es su objetivo. El film sólo pretende entretener con una trama de espionaje, insuperable diseño visual y unos personajes, diálogos y situaciones bien construidos. Sin olvidar su reflexión sobre los carburantes alternativos y un giro conspirativo del guión de lo más interesante. Pixar tiene derecho a transitar diferentes géneros y estilos. Pero parece que muchos no se lo perdonan.

WIN, WIN GANAMOS TODOS (2011)

2011-07-05T00:31:00.000-07:00

TODOS... MENOS EL ARTE CINEMATOGRAFICO

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2011.- 106 minutos.- Director: Thomas McCarthy.- Intérpretes: Paul Giamatti, Amy Ryan, Jeffrey Tambor, Melanie Lynskey, Burt Young. COMEDIA DRAMATICA.- Un evidente paso atrás en la carrera del actor, guionista y director McCarthy. Aquí está más cerca de su insulsa opera prima, Vias cruzadas, que de su anterior film, The visitor. Si bien es cierto que la cinta está correctamente dirigida y excelentemente interpretada, sorprende lo aburrido que llega a ser el guión, sobre todo si tenemos en cuenta que McCarthy además de firmar el libreto de estas cintas, también es el autor del magnífico argumento de Up.

Y es que el film presenta dos de los principales defectos del cine americano actual. Se pretende evitar todo efectismo (cuando el cine es eso básicamente) con lo que se crean personajes y situaciones poco interesantes que los guionistas no saben o no quieren hacer más atractivos. Por otro lado, se quiere evitar tanto lo políticamente incorrecto (una de las fuentes de inspiración de todo arte) que todo es melifluo y falto de pasión. Además las conclusiones, los desenlaces son tan miméticos a los del hombre de la calle que el artista deja de ser un hombre de vanguardia que abre caminos nuevos para ser un portavoz de la masa. Por ello, la escena final de esta película es especialmente indignante.

Mike Flaherty, un abogado sin demasiada suerte en su trabajo, dedica su tiempo libre a entrenar a los muchachos de una escuela de lucha libre y ganar así un poco más de dinero. En un momento dado, Mike asume la defensa y la custodia de un viejo cliente con la esperanza de mantenerse a flote y sacar de apuros a su familia. Sin embargo, cuando el nieto adolescente de su cliente, toda una promesa deportiva, escapa de casa y y se va con su abuelo, la vida de Mike dará un giro completo.

Ni los caracteres presentados son tan atractivos, graciosos o pintorescos como McCarthy pretende ni los temas del film ni su tratamiento permiten convertir a áquel en buen cine.

Puede que casi todos ganen: los artistas porque se ganan la vida sin crearse problemas familiares y sociales, la sociedad con estas pelis tan asepticas..pero el cine y su espectador con memoria cinéfila pierden seguro. Al salir de la sala uno no tiene la sensación de haber perdido el tiempo, pero casi.Al salir de la sala uno no tiene la sensación de haber perdido el tiempo, pero casi.

RESACON 2 (THE HANGOVER)

2011-07-04T04:56:00.000-07:00

EXPLOTANDO EL FILON SIN PERDER LA DIVERSION.

CALIFICACION: 2/5

The hangover 2.- Estados Unidos, 2011.- 122 minutos.- Director: Todd Phillips.- Intérpretes: Zach Galifianakis, Bradley Cooper, Ed Helms, Justin Bartha, Paul Giamatti.- COMEDIA.- Coppola dijo una vez que las primeras partes de una película eran como novias, originadas en el amor y en el idealismo, y las segundas partes eran como putas, cuya única razón para existir se basaba en el dinero. Tenía bastante razón. También es cierto que, sobre todo actualmente, muchas películas son putas (se hacen exclusivamente por dinero) con lo cual no se nota diferencia con sus secuelas. Como otros autores en el pasado, Todd Phillips ha logrado un hibrido entre la comercialidad más descarada, cierta pericia cinematográfica y un atrevimiento sexual que se agradece en estos tiempos tan puritanos.

Alan, Stu y Phil vuelven a despertarse en otra habitación de otro hotel, y para no perder la costumbre en esta ocasión tampoco recuerdan nada. Esta vez sólo saben que están en Tailandia, adonde han viajado, junto a Doug (Justin Bartha), para asistir a la boda de Stu.

Es evidente que la frescura de la original se ha perdido y la estructura es una copia casi exacta. Sin embargo, el guión está mejor construido y las situaciones mejor hilvanadas lo que provoca que sigamos teniendo esos 4 o 5 momentos de brutal despichorre, siempre y cuando uno comulgue con este humor deslenguado y procaz.

Atención, finalmente, a los créditos finales, donde de nuevo aparecen las fotos que muestran y prueba lo ocurrido durante la noche olvidada a causa del alcohol y las drogas. Son muy bestias.

SOLO UNA NOCHE (LAST NIGHT) -2011-

2011-07-04T04:51:00.000-07:00

NAVEGANDO ENTRE EL TEDIO Y EL PURITANISMO.

CALIFICACION: 1/5

Last Night.- Estados Unidos, 2011.- 92 minutos.- Director: Massy Tadjedin.- Intérpretes: Keira Knightley, Sam Worthington, Eva Mendes, Guillaume Canet, Griffin Dunne.- DRAMA.- “Closer” de garrafón y muy reveladora de los tiempos puritanos en los que vivimos. Es casi increíble que una cinta sobre relaciones extramatrimoniales sea tan fría, carente del más mínimo morbo y todo lo contrario a sensual. De sexual ni hablamos.

Relato de amor, traición y celos. Un matrimonio de Nueva York tiene que separarse, durante una noche, por causa de un viaje de negocios que el marido debe realizar con una atractiva compañera de trabajo. Mientras tanto, su esposa se reencuentra con Alex, un antiguo amor. Debut en la realización de la guionista de The Jacket (2006).

Desde su arranque la cinta resulta plomiza, aburrida, lenta y poco interesante. Algunos diálogos y el trabajo de la pareja Knightley-Caunet elevan el tono de cuando en cuando. Porque la directora (la guionista del espantoso guión de The Jacket) muestra su incompetencia siempre que tiene ocasión, especialmente en las escenas que rueda con Worthington y Mendes. Con ésta última consigue lo impensable: que un animal sexual de la pantalla resulte menos sexy que el debate sobre el Estado de la Nación.

Si el objetivo era desglamourizar la infidelidad, lo han conseguido

HANNA (2011)

2011-07-04T04:49:00.000-07:00

TAN IRREGULAR COMO CURIOSA

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 122 minutos.- Director: Joe Wright.- Intérpretes: Saoirse Ronan, Eric Bana, Cate Blanchett, Tom Hollander, Olivia Williams.- DRAMA DE ACCION.-

Nuevo giro en la carrera de Wright que parecía especializado en el drama de época, de hecho su nuevo film para 2012 es Anna Karenina, tras sus dos primeros films Orgullo y prejuicio y Expiación. Tras rodar en 2009 el fallido drama contemporáneo y urbano El solista, se atreve con la acción. El resultado es desconcertante, irregular y otra vez fallido, pero también perspicaz, curioso y personal.

Hanna no es una chica común. Criada por su padre, un ex-agente de la CIA en lo más lejano de Finlandia, ella tiene la fuerza, la resistencia y el instinto agudo de un soldado. Enviada por su padre al mundo en una misión, Hanna viaja a hurtadillas por África del Norte y Europa mientras elude a agentes y matones clandestinos que responden a las órdenes de una despiadada espía.

Hay varias películas dentro de Hanna y no todas funcionan a la misma altura. Empieza como un interesante film casi antropológico sobre una niña que se ha criado totalmente aislada de la civilización y sus conocimientos del mundo se circunscribe a los libros. Luego parece convertirse en un convencional trama de espionaje que parece el eje central de argumento. Pero sólo es un espejismo.

A partir de la salida al mundo exterior de la protagonista la cinta se centra en lo que realmente le interesa a sus creadores. Y no es fácil descubrir qué es. Si el espectador no está fresco ese día, toda la segunda mitad de la película le puede parecer una estupidez supina sin sentido alguno, ya que parece toda ella una digresión con respecto al supuesto tema central. El tema del film es la educación y los errores de los padres y los gobiernos. A saber: educación demasiado teórica sin conexión con la realidad, castración de las emociones por un excesivo pragmatismo y la inexperiencia sino estupidez de los padres.

Esa es la razón de ser de la presencia de la familia americana de vida alternativa con hija malcriada, las digresiones en el viaje por España (repleto de tópicos y errores, una vez más) y el énfasis en lo agresivo que resultan los elementos cotidianos para Hana, mucho más peligrosos que los asesinos que quieren darle caza.

Wright aporta un trabajo a la altura de un discutible guión tan anómalo como la protagonista.

VANISHING POINT, UN REMAKE DE UNA PELICULA MITICA

2011-06-09T05:06:00.001-07:00

X-MEN PRIMERA GENERACION (X-MEN: FIRST CLASS) -2011-

2011-06-09T04:43:00.000-07:00

NO HAY MEJOR MUNDO FANTASTICO QUE EL DE LA ICONOGRAFIA CINEMATOGRAFICA.

CALIFICACION: 3/5

X-men: First class.- Estados Unidos, 2011.- 131 minutos.- Director: Matthew Vaughn.- Intérpretes: James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon, January Jones, Rose Byrne, Oliver Platt, Jennifer Lawrence, Rade Serbedzija, Michael Ironside- COMIC FANTASTICO.-

Una auténtica gozada y la prueba fehaciente de que el cine no necesita recurrir a mundos fantásticos paralelos para maravillar al espectador. De hecho, hacerlo supone, en ocasiones, un menosprecio al arte cinematográfico y su autonomía y una falta de confianza en sus propias posibilidades.

Simplemente navegando en su iconografía pretérita, en los géneros y subgéneros cinematográficos y en los universos estéticos de décadas pasadas tiene más que suficiente para convertirse en un espectáculo total y una indudable fuente de diversión que es a lo que, fundamentalmente debe aspirar el cine comercial.

Comienzo de la saga de los X-Men. "X-Men: Primera Generación" cuenta una historia secreta que afecta a conocidos acontecimientos mundiales. Antes de que los mutantes se mostraran al mundo, y antes de que cambiaran sus nombres por los de Profesor X y Magneto, Charles Xavier y Erik Lehnsherr eran dos jóvenes que descubrían sus poderes. No había animadversión alguna entre ellos, sino que al principio les unía una sincera amistad y decidieron trabajar juntos y crear un grupo de mutantes para evitar el Armagedón nuclear. Fue entonces cuando una enorme brecha se abrió entre ellos y supuso el comienzo de la eterna guerra entre la hermandad de Magneto y los X-Men del Profesor X.

Los dos primeros tercios del film son una celebración del componente lúdico-festivo y de evasión del cinematógrafo. Como bien señala Jordi Costa en su crítica la cinta es “Un espectáculo dominado por un sentido lúdico que pulveriza todo recuerdo de la pomposidad modelo Christopher Nolan”. Estamos en las antípodas de Origen, film no despreciable pero que se acaba convirtiéndose en anti-cine (al menos lo que yo entiendo que debe ser el cine –una ventana al mundo, a través de una trama y sus personajes, con el objetivo de emocionar y divertir, en el sentido más amplio posible de estas dos acepciones) por su obsesión en retorcer y alargar ad nauseum un farragoso, estéril y finalmente, incongruente, juego mental, que no intelectual.

Los territorios míticos creados o fagotizados por la industria de Hollywood, especialmente durante los años 50 y 60, son el marco espacio-temporal y visual en el que se desarrolla gran parte de la historia. Desde la aventura en clave bondiana con multitud de localizaciones en los rincones más bellos de mundo y malvados glamourosos, pasando por las tramas de espionaje de la fría Centroeuropa, la guerra fría y el pánico nuclear, los campos de concentración nazis, la persecución de ex nazis en el cono sur, el mundo del juego y la prostitución en Las Vegas, el ambiente estudiantil de Oxford o la cultura popular de los jóvenes, entre otras, todos tienen cabida en un vigoroso guión (que da, sin lugar a dudas, para una magnífica serie de TV) con un ritmo frenético pero no atolondrado. Si a eso sumamos la capacidad de inventiva visual desplegada por el autor de las deslumbrantes Layer Cake, Stardust y, en menor medida, Kick Ass, estamos ante una buena película comercial que podría haber sido genial si en el último tercio no se hubiera decantado por un narrativa más convencional que no rutinaria, como peaje al género dominante al que pertenece.

Porque sí, después de más de una década de ingente expotación, podemos decir que el género por antonomasia del Hollywood del nuevo milenio es el comic cinematográfico. Al igual que en los años 40 y 50, las pantallas se plagaron de westerns, de los que ahora se recuerdan los más vigorosos y/o rompedores con sus propias constantes, X-Men: Primera generación será recordado en el futuro como una de las mejores muestras del género.

EL CASTOR -THE BEAVER- (2011)

2011-06-09T04:40:00.000-07:00

FRIA Y SIN PROGRESION DRAMATICA.

CALIFICACION: 2/5

The beaver.- Estados Unidos, 2011.- 122 minutos.- Director: Jodie Foster .- Intérpretes: Mel Gibson, Jodie Foster, Anton Yelchin, Jennifer Lawrence.- COMEDIA NEGRA DRAMATICA.-

Estamos ante una cinta peculiar, nada convencional y que parte de una serie de premisas más que interesantes y arriesgadas pero que desaprovecha gran parte de las mismas, debido a la falta de progresión dramática del guión y a una realización demasiado fría que no consigue que empatizemos suficiente con los personajes y sus cuitas.

Walter Black es un hombre que padece una profunda depresión. Su única vía de escape, su único consuelo, es una marioneta que representa a un castor, al que trata como si fuera una persona. Perseguido por sus propios demonios, Walter, que fue en otro tiempo un exitoso ejecutivo de una empresa de juguetes, emprenderá con su marioneta un viaje de autodescubrimiento...

La historia del guión de Kyle Killen es azarosa. Incluido en la black list (a pesar de su nombre con connotaciones negativas, un listado de los mejores guiones recibidos por Hollywod), nadie se atrevía a producir y dirigir un proyecto, como poco excéntrico.

Sin duda, lo más destacable es la notable interpretación de Mel Gibson, tan buen actor y director como discutible ser humano. La estrella de Arma letal consigue, no sólo que no resulte ridículo hablando con la marioneta de un castor, sino también que trasmita una tremenda humanidad en su interpretación de un hombre abocado a los insondables abismos de una profunda depresión.

Una gran acierto es el comienzo in media res; no se nos explican las razones o motivos (si los hay) de la depresión del protagonista. Realmente no importan. Tampoco es fundamental discernir si la familia del protagonista es positiva o negativa en su proceso mental. Ni siquiera sí el castor ayuda o perjudica a Mel. Demasiadas cosas te importan poco o nada en la película. Grave problema. Y especialmente superflua es la subtrama del hijo del protagonista (bastante peor escrita que el resto de la película), que se podría eliminar perfectamente. Lo cual hubiera creado dos serios problemas: la película se quedaría en una hora y no disfrutaríamos de la sugerente presencia de Jennifer Lawrence.

Sólo tras una hora y cuarto carente de fuerza, se produce un notable giro de guión que te despierta del letargo y te descubre de qué te quiere hablar la cinta realmente. Demasiado tarde. El punto de mira está en una sociedad americana dominada por la psiquiatría en la que cualquier comportamiento considerado anormal es tratado con medicación. La cinta va más allá en su crítica: también satiriza sobre los métodos alternativos más o menos surrealistas o absurdos (durante gran parte de la película, el entorno de Gibson cree que el numerito del castor tiene su origen en una prescripción facultativa) para curar los trastornos mentales. La solución parece estar dentro de uno mismo, parece decirnos la película. Tampoco lo tengo muy claro. Ni siquiera sé si, contado de esta manera, me importa demasiado.

EL INOCENTE (THE LINCOLN LAWYER) -2011-

2011-06-03T03:31:00.000-07:00

MAGNIFICA ACTUALIZACION DE UN GENERO EN DESUSO

CALIFICACION: 3/5

Estados Unidos, 2011.- 122 minutos.- Director: Brad Furman.- Intérpretes: Matthew McConaughey, Ryan Phillippe, Marisa Tomei, William H. Macy, Josh Lucas.- THRILLER JUDICIAL.-

Una pequeña sorpresa inesperada, pues, ni el género, ni el director, ni, mucho menos, el protagonista hacían concebir demasiadas esperanzas. Sin embargo, El inocente consigue retrotaernos a agradables sensaciones cinéfilas de antaño sin que la película deje de ser rabiosamente actual, tanto en su lenguaje cinematográfico como en su cosmovisión y acercamiento a la naturaleza humana.

Mickey Haller es un abogado que se ha especializado en defender a criminales de poca monta procedentes de los barrios bajos. Cuando un día se le presenta la oportunidad de defender a Louis Roulet, un rico heredero detenido por el intento de asesinato de una prostituta, su carrera da un vuelco, pues esto significa percibir unos ingresos muy superiores a los habituales. Sin embargo, aunque el caso es aparentemente sencillo, acabará por tener consecuencias inesperadas.

Esas sensaciones a las que me refiero son la consistencia narrativa, un convincente realismo no reñido con la capacidad de evasión y diversión y, sobre todo, unos personajes que nada tienen que ver con el buenismo ni con la aburrida pulcritud a la que obliga lo políticamente correcto. De ahí viene la falaz idea de que el cine tiene que dar ejemplo y ser inspirador, como defienden algunos críticos que valoran la calidad de las películas por su contenido moral o inmoral.

Muy al contrario, por fin, volvemos a encontrarnos con una fauna humana cercana al lumpen, que, cinematográfica y artísticamente siguen dando mucho juego, le pese a quien le pese. Prostitutas, traficantes de drogas, soplones, policias y abogados corruptos, niños ricos díscolos pueblan un film no excesivamente sucio, pero, guarrisimo en el contexto actual.

El casi debutante Furman aprueba con nota en su segundo film, a pesar de una escena de sexo muy mal rodada y algunas decisiones narrativas discutibles. Tomei sigue tan maravillosa como siempre y McConaughey abandona, no sabemos si momentáneamente, la larga travesía del desierto que le ha llevado a protagonizar la mayoría de las películas más estúpidas del Hollywood de la última década y vuelve a la senda de un cine más interesante en la línea de Tiempo de matar o Escalofrío. Camino para el que está suficientemente capacitado, como demuestra en este film.

SIN IDENTIDAD (UNKNOWN) -2011-

2011-06-03T03:26:00.000-07:00

ROCAMBOLESCA DIVERSION.

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 122 minutos.- Director: Jaume Collet-Serra.- Intérpretes: Liam Neeson, January Jones, Diane Kruger, Aidan Quinn, Frank Langella, Bruno Ganz, Sebastian Koch.- THRILLER.- Diversión garantizada de la mano del catalán, Jaume Collet-Serra, el primer director español de la historia que ha conseguido colocar una de sus películas en el número de taquilla de Estados Unidos. Totalmente instalado en la industria hollywoodiense, Jaume ya filmó hace un par de años la desasosegante La huérfana, en la que demostraba un total dominio de la técnica narrativa actual, de la perfecta optimización de unos holgados medios de producción y de la indudable asimilación de los recursos narrativos del terror y la tensión. Aquí repite estos aciertos, aunque, en este caso, choca con un guión que resuelve peor las incongruencias, incoherencias y agujeros que se van acumulando a lo largo de la trama.

Si bien es cierto que el libreto resuelve lo mejor posible los problemas de un argumento increíble, éstos son tan irresolubles que, ni el mejor guionista hubiera podido hacer otra cosa. Este hecho habla todavía mejor de la labor de Collet-Serra que consigue casi siempre, gracias a su competencia, mantenernos interesados en lo que ocurre lo que asegura dos horas de potente diversión.

Mientras se encuentra con su mujer de visita en Berlín, el doctor Martin Harris sufre un accidente de tráfico y entra en un prolongado estado de coma. Cuando se despierta, comprueba alarmado que alguien ha usurpado su personalidad. Entonces emprenderá, con la ayuda de una mujer, una frenética investigación para averiguar la verdad de lo que está sucediendo.

Destacar, finalmente, el buen uso que se hace de los exteriores, unos personajes secundarios estupendos (especialmente el interpretado por Bruno Ganz como orgullo ex-agente de la Stasi) y unas competentes interpretaciones de todo reparto. Entre ellas, mi idolatrada January Jones, la inolvidable Bets de Mad Men.

FAST FURIOUS FIVE -2011-

2011-06-03T03:15:00.000-07:00

COMPETENTE CINE DE ACCION NECESITADO DE UNA BUENA PODA

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2011.- 130 minutos.- Director: Justin Lin.- Intérpretes: Vin Diesel, Paul Walker, Dwayne "The Rock" Johnson, Jordana Brewster, Tyrese Gibson, Elsa Pataky, Joaquim de Almeida.- ACCION.-

Una cinta de acción muy bien resuelta, en la que Lin y su equipo demuestran un perfecto dominio de los recursos técnicos de la industria cinematográfica actual. Además, sorprende el logrado uso del gran plano general, las adecuadas localizaciones y una descripción de personajes tópica pero eficaz y, desde luego, mucho más trabajada que en otras muestras del género, sin ir más lejos, anteriores entregas de esta saga.

Desde que Brian O'Conner y Mia Toretto sacaron a Dom Toretto de la cárcel, se han visto obligados a huir y cruzar muchas fronteras para evitar a la policía. Atrapados en Río de Janeiro, una vez más tienen que darse a la fuga si quieren conservar la libertad. Pero los tres saben muy bien que la única posibilidad que tienen de poner fin a esta situación es enfrentarse de una vez por todas al empresario corrupto que quiere verlos muertos. Pero éste no es el único que les sigue la pista...

Quizá el mayor defecto de la cinta sea la inclusión de una serie de episodios totalmente prescindibles, incluidos con el único objetivo de que el público que valora el cine al peso, no se sienta estafado por la que hubiera sido su duración adecuada (90 minutos) y no las más de dos horas que alcanza.

CODIGO FUENTE -SOURCE CODE- (2011)

2011-05-18T04:36:00.000-07:00

CON ALIENTO CLASICO

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 93 minutos.- Director: Duncan Jones.- Intérpretes: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Russell Peters.- THRILLER DE CIENCIA-FICCION.- Un inteligente punto de partida que, al menos, no queda empañado por un desarrollo que, sin ser genial, por lo menos es altamente satisfactorio.

El capitán Colter Stevens, un soldado que forma parte de un programa experimental del gobierno para investigar un atentado terrorista, despierta en la piel de un viajero del tiempo cuya misión es vivir una y otra vez el atentado a un tren hasta que consiga averiguar quién es el culpable. Guiado por una oficial de comunicaciones que controlará a Stevens en su viaje a través del tiempo, en el tren el joven conocerá a una viajera con la que se implicará emocionalmente.
Más propia de la desaparecida serie B que del blockbuster, esta producción da más importancia al guión y a los personajes que a los efectos especiales. Inteligentemente no se centra en el proceso fantástico que origina la trama, sino en las consecuencias de éste sobre las que la sufren y, finalmente, la causa última del porqué están inmiscuidos en ella.

Jones mantiene la seriedad de su primer film, Moon y mejora en capacidad lúdica. A pesar de un final innecesariamente feliz, un director a seguir.

CARTA BLANCA -HALL PASS- (2011)

2011-05-18T04:22:00.000-07:00

RAFAGAS GLORIOSAS EN UN CONJUNTO DESANGELADO

CALIFICACION: 1,5/5

Estados Unidos, 2011.- 105 minutos.- Director: Hermanos Farelly.- Intérpretes: Owen Wilson, Jason Sudeikis, Christina Applegate, Richard Jenkins, Jenna Fischer, Alyssa Milano, Nicky Whelan.- COMEDIA.- No es ni mejor ni peor que las últimas cintas de los Farelly, si exceptuamos Matrimonio compulsivo que sí estaba a la altura de sus grandes hitos: Algo pasa con Mary, King Pin. Llena de altibajos, la cinta empieza con brío, decae rápidamente, vuelve a entonarse mediada la proyección, parece que se va a hundir en la miseria definitivamente, pero remonta el vuelo en un desenlace genial que entra totalmente en el territorio del slapstick.

Dos amigos lamentan que el matrimonio les haya arruinado toda posibilidad de diversión, especialmente en lo que al sexo se refiere; sus esposas deciden entonces concederles una semana libre, un paréntesis de libertad, en el que podrán desmadrarse todo lo que quieran, sin remordimientos ni explicaciones.

Aunque sea desde la perspectiva de la comedia desmadrada y escatológica, los Farelly son de los pocos directores americanos actuales que siguen describiendo la vida cotidiana de los estadounidenses, sus pequeñas miserias, ilusiones y miedos.

Secuencias como la de la visita a la casa de los nuevos ricos, la del campo del golf, el gimnasio o todo el tramo final son descacharrantes y les redime de otros momentos aburridos, que es lo único que no se les puede perdonar.

THE COMPANY MEN -201

2011-05-18T03:51:00.000-07:00

TODO LO AUTOCONSCIENTE Y CRITICA QUE PUEDE LLEGAR A SER UNA PELICULA AMERICANA

CALIFICACION: 3/5

Estados Unidos, 2010.- 93 minutos.- Director: John Wells.- Intérpretes: Ben Affleck, Tommy Lee Jones, Kevin Costner, Maria Bello, Chris Cooper, Craig T. Nelson. - DRAMA.- Una cinta honesta, concienciada, crítica, perspicaz y reveladora con respecto al status quo económico-social dominante en los actuales Estados Unidos. Quizá pueda parecer que el desenlace es demasiado optimista, aunque, en realidad, sólo se trata de un nuevo comienzo de los protagonistas, a los que nadie les asegura el éxito. Por otro lado, si valoramos la valentía de los artistas que se enfrentan a régimenes autoritarios, no debemos menospreciar el riesgo que corren los autores estadounidenses ante otro tipo de totalitarismo: las corrientes ideologicas del pais y la necesidad de una rentabilidad económica. Por ello se debe aplaudir que este film es todo lo poco americano que puede serlo una película americana.

Bobby Walker parece haber alcanzado el sueño americano: tiene un buen trabajo, una familia estupenda y un espectacular porsche en el garaje. Sin embargo, cuando la compañía para la que trabaja decide reducir plantilla, tanto él como muchos de sus compañeros se quedan en el paro. Sus superiores Phil Woodward y Gene McClary poco pueden hacer para ayudarle, porque tampoco ellos tienen asegurado el futuro en la empresa. Bobby tendrá entonces que replantearse su vida y su papel como marido y padre.

Mejor interpretada (grandes Cooper, Costner y Jones) y escrita que dirigida, la cinta no ha funcionado muy bien en taquilla. En tiempos de crisis y recesión el gran público, obviamente, prefiere la evasión.

MIDNIGHT IN PARIS (2011)

2011-05-18T03:35:00.000-07:00

EL COMPLEJO DE LA EDAD DE ORO

CALIFICACION: 3/5

Estados Unidos, 2011.- 122 minutos.- Director: Woody Allen.- Intérpretes: Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Michael Sheen, Kathy Bates, Carla Bruni, Adrien Brody.- COMEDIA ROMANTICA.- Sin llegar a ser una cima en la carrera de Allen, sí estamos ante una cinta superior a las últimas del director neoyorkino (Conocerás al hombre de tus sueños, El sueño de Cassandra) y similar a trabajos como Scoop o Si la cosa funciona.

Un escritor norteamericano algo bohemio llega con su novia y los padres de ésta a París. Mientras vaga por las calles soñando con los felices años 20, cae bajo una especie de hechizo que hace que, a media noche, en algún lugar del barrio Latino, se vea transportado.

Woody ha sido criticado por su frenético ritmo de trabajo que, obviamente, afecta a la calidad de sus obras. Yo disiento de esa queja. A su edad ya no tiene nada que demostrar y si le siguen financiando sus trabajos a la vez que puede visitar su querida Europa ¿Por qué va a dejar de hacer lo que más le gusta? Como él dice tampoco trabaja tanto. La mitad del año la dedica a su entrega anual y la otra mitad está de vacaciones. Si estamos en desacuerdo con esta política artística, nadie nos obliga a pasar por taquilla.

Y centrándonos en el film destacar que mejor saber lo menos posible sobre su argumento, uno de los más ingeniosos, divertidos y lúcidos de la carrera de Allen. Un punto de partida genial cuyo desarrollo no siempre está a la altura pero nunca desmerece.

Allen garantiza un nivel de calidad por encima de la media y trata a su público con respeto, considerándolo inteligente y culto. Especialmente en este film. Para disfrutarlo se requiere un mínimo conocimiento de la escena cultural del primer tercio del siglo XX.

Mucho más logrado en su parte nocturna y ensoñadora que en la diurna y realista, el film se beneficia de unos buenos actores y unos lúcidos diálogos pero todo ello no evita ciertos bajones de ritmo e intensidad mediada la proyección, amén de que el arranque es bastante anémico.
Sin embargo, la crítica a la nostalgia desmedida y un insuperable giro de guión protagonizado por Cotillard (guapisima como siempre) ya serían suficientes para pasar esta medianoche en Paris.

AGUA PARA ELEFANTES -WATER FOR ELEPHANTS- (2011)

2011-05-17T14:43:00.001-07:00

LEONES SIN GARRA

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2011.- 122 minutos.- Director: Francis Lawrence.- Intérpretes: Reese Witherspoon, Robert Pattinson, Christoph Waltz, James Frain, Hal Holbrook, Paul Schneider, Ken Foree, Tim Guinee.- DRAMA ROMANTICO.- Una cinta correcta en todos los aspectos de producción, dirección e interpretación pero carente de la suficiente convicción, garra y emoción para trascender más allá de su clara concepción de producto prefabricado que no se sale ni una sola vez de la senda prevista.

En la época de la Gran Depresión, un joven estudiante de veterinaria se ve obligado a dejar sus estudios tras la muerte de sus padres. Empieza entonces a trabajar para el circo de los hermanos Benzini como veterinario y encargado de los animales. El joven se enamora de Marlena, una amazona que está casada con August, el dueño del circo, un hombre tan carismático como retorcido...

Adaptación del aclamado best-seller homónimo, la verdad es que se agradece una cinta comercial de holgado presupuesto no ubicada en los géneros fantásticos e historias infantiles a los que el Hollywood actual dedica la mayor parte de sus inversiones. Hacía mucho tiempo que las luces y sombras del circo no aparecían en la gran pantalla y la verdad es que me apetecía.

Sin embargo, es todo tan convencional, tan tópico que desde el principio está todo dado en un ejercicio manierista que no deja espacio a la sorpresa, salvo en la figura del personaje de Waltz, auténtico triunfador de la velada.

CAPERUCITA ROJA -RED RIDING HOOD- (2011)

2011-05-17T14:36:00.000-07:00

SOLO FALTA QUE SE SAQUEN EL MOVIL

CALIFICACION: 1,5/5

Estados Unidos, 2011.- 100 minutos.- Director: Catherine Hardwicke.- Intérpretes: Amanda Seyfried, Shiloh Fernandez, Max Irons, Gary Oldman, Julie Christie, Virginia Madsen, Billy Burke, Lukas Haas.- FANTASTICO.- Siendo floja es menos horrenda de lo que prometía el trailer y bastante más divertida. Sólo se puede disfrutar si no se la toma uno en serio y se deja llevar por su surrealista trama (con unos adolescentes que parecen del siglo XXI) y su currado diseño de producción.

Esta nueva versión del clásico cuento de ”Caperucita Roja” nos relata que durante décadas los habitantes del pueblo de Daggerhorn han mantenido un complicado pacto con el hombre lobo. Sacrifican a un animal una vez al mes para saciar el apetito de la bestia que les atemoriza cada luna llena. Pero bajo una luna de color rojo sangre, el lobo se lleva la vida de un ser humano, aumentando así el precio del pacto. La víctima es la hermana mayor de Valerie, una hermosa joven que acaba de descubrir que sus padres van a casarla con Henry, el heredero de la familia más rica del pueblo. Pero ella está enamorada de Peter, el humilde leñador al que ha amado toda su vida. Para evitar que los separen, la pareja decide fugarse, pero el lobo trastoca sus planes. Los vecinos del pueblo acuden al padre Solomon, un cazador de hombres lobo, para que termine con la bestia de una vez por todas, Pero la llegada de Solomon revoluciona aún más al pueblo cuando les advierte a todos que el lobo adquiere forma humana durante el día y que podría ser cualquiera de ellos. Ahora todos son sospechosos…

Claramente influenciada por la saga Crepúsculo (no en balde comparten directora) pero bastante menos moña que ésta y con un puntito más excitante, gracias, como no, a la presencia de la Seyfried.

THOR -2011-

2011-05-17T14:29:00.000-07:00

UN DIVERTIDO BATIBURILLO PLAGADO DE RUIDO Y FURIA

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2011.- 130 minutos.- Director: Kenneth Branagh.- Intérpretes: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Idris Elba, Colm Feore, Stellan Skarsgard, Rene Russo.- FANTASTICO.- Mezcla muchos temas y universos y la cosa funciona bastante bien, asegurando más de dos horas de una moderada y sana diversión.

Thor es un arrogante y codicioso guerrero cuyos actos imprudentes reavivan una antigua guerra. Por ese motivo, su padre Odín lo castiga desterrándolo a la Tierra para que viva entre los hombres y descubra así el verdadero sentido de la humildad. Cuando el villano más peligroso de su mundo envía a la Tierra a las fuerzas más oscuras de Asgard, Thor se dará cuenta de lo que realmente hace falta para ser un verdadero héroe.

Alternando mundos fantásticos con el universo del avistamiento OVNI en el suroeste de Estados Unidos, Branagh consigue una ágil y dinámica cinta que se disfruta con la misma facilidad con la que se olvida.

SIN LIMITES -LIMITLESS- (2011)

2011-04-15T04:19:00.000-07:00

UN DIVERTIDO GUION CON MÁS AGUJEROS QUE UN QUESO DE GRUYERE

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 105 minutos.- Director: Neil Burguer.- Intérpretes: Bradley Cooper, Abbey Cornish, Robert De Niro.- DRAMA FANTASTICO.- Un producto comercial muy ágil y entretenido que sólo intenta, y consigue, hacernos pasar un buen rato.

Un escritor, que sufre una crisis de creatividad, prueba un día una nueva droga que lo pone en condiciones de usar al máximo todas sus facultades mentales; es una especie de píldora inteligente gracias a la cual consigue triunfar en Nueva York. Un poderoso financiero de Wall Street siente una extraordinaria curiosidad por averiguar qué se esconde detrás de tanto éxito...

Película desprejuiciada e inmune a las voces que, entre público y crítica, denuncian el efectismo, la exageración, la falta de rigurosidad… Es decir, todo aquello que hacía tan divertido el cine de décadas pasadas. El cine peliculero, con su propio lenguaje no deudor de otras expresiones de la cultura popular, sino puramente cinematográfico y que, a fuerza de parodias, intertextualidades y revisiones criticas, cada es más difícil de encontrar y de disfrutar.

Técnicamente brillante y competente dirigida e interpretada, sólo se debe comentar respecto a este último aspecto que, los espectadores que acudan atraídos por Robert de Niro se sentirán decepcionados, ya que su presencia en el film es casi testimonial.

Es cierto que la cinta cae en la redundancia y en lo previsible demasiadas veces pero no sería justo dejar de destacar que en otros momentos encontramos originales giros de guión, ruptura de las expectativas del espectador, y negativa a transitar por lugares comunes…un guión indomable.

Lo mejor es disfrutarla y no analizarla al salir del cine. Si no, se comprobará que el argumento no tiene ningún sentido desde los primeros minutos. Eso sí, es lúcida en el análisis de los atajos para alcanzar el éxito, tan de moda en la sociedad actual.

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HAPPYTHANKYOUMOREPLEASE (2011)

2011-04-15T04:15:00.000-07:00

NADA QUE CONTAR

CALIFICACION: 1/5

Estados Unidos, 2010.- 100 minutos.- Director: Josh Radnor.- Intérpretes: Kate Mara, Malin Akerman, Josh Radnor.- DRAMA.- Sam Wexler, un joven aspirante a escritor, tiene un día pésimo: debe acudir a una importante cita con el director de una prestigiosa editorial de Nueva York y se despierta tarde y con resaca; por el camino se encuentra con un niño que ha perdido a su madre en el metro; Sam se debate entre continuar su camino o hacerse cargo de él hasta que encuentre a su madre. Como ésta no aparece, decide entonces llevarlo consigo a la editorial. La cita constituye un estrepitoso fracaso. Su vida sentimental no va mucho mejor que su carrera, pasa de una relación a otra, evitando cualquier tipo de compromiso, hasta que conoce a Mississippi, una hermosa camarera que es también cantante. Queda tan fascinado por ella que le propone un curioso trato que hará tambalearse su vida y la de sus amigos.

Ejemplo paradigmático de los principales problemas creativos del cine actual, en general, y del cine independiente americano en particular.

En primer lugar, el motor de los proyectos. En el pasado un autor luchaba contra viento y marea por conseguir plasmar en imágenes cinematográficas aquello que sentía imperiosamente que tenía que contar, esa historia que le salía de las tripas. Sin embargo, actualmente, parece que el objetivo primigenio es rodar una película (la que sea) sin partir de la necesidad de expresarse. Simplemente poner el pie en la puerta entreabierta, a ver si tu propuesta gusta y te acogen en la industria para rodar la quinta o sexta parte de una saga comercial. Una industria, en definitiva, capitaneada por técnicos más que por artistas.

En segundo lugar, como bien dice el propio protagonista, proyecto de escritor, su vida ha sido tan cómoda, tan normal, tan exenta de sobresaltos que tiene serios problemas para encontrar en ella algún suceso susceptible de convertirse en materia artística. Lo mismo le ocurre al director, guionista y actor que interpreta a este personaje: nos endilga un libreto carente de verdaderos conflictos y de personajes potentes. Si además los diálogos oscilan entre la estupidez y el sopor, el fracaso es casi absoluto.

En las antípodas, por tanto, de los grandes directores del pasado que, además de ir pasando por cada uno de los oficios cinematográficos vivían la vida intensa y peligrosamente, siendo unos grandes conocedores de la condición humana.

En tercer lugar, estos directores se inspiraban en la vida para crear sus obras. Sin embargo, las nuevas generaciones formadas en escuelas de cine, crean productos perfectos pero carentes de vida. Como dijo Paul Mazursky (el rompedor director americano de los años 70 y 80) los jóvenes directores se inspiran en el cine para hacer más cine, no en las cuitas del ser humano.

Finalmente, decir que si el director opta por inspirarse en el pequeño mundo que conoce, como es el caso de la cinta que nos ocupa, el resultado es aún peor. Ya que este está plagado de tipos superficiales, que hacen pocas cosas interesantes y que su manera de hablar oscila entre el tostón, la pedantería y la estupidez.

En definitiva, esta cosa es un rollo importante.

SIN COMPROMISO -NO STRINGS ATTACHED- (2011)

2011-04-15T04:05:00.000-07:00

…Y SIN INTERÉS

CALIFICACION: 1,5/5

Estados Unidos, 2010.- 105 minutos.- Director: Ivan Reitman.- Intérpretes: Ashton Kutcher, Natalie Portman, Kevin Kline.- COMEDIA ROMANTICA.- Una cinta absolutamente prescindible que, si bien no es tan horrorosa como otras muestras de este género totalmente devaluado, no alcanza la suficiente entidad para dedicarle tiempo y dinero.
Emma y Adam son, desde hace mucho tiempo, dos buenos amigos, pero casi arruinan su relación por pasar una noche juntos. Deciden, entonces, preservar su amistad por encima de todo, aunque tengan relaciones íntimas. Muy pronto descubrirán que es muy difícil mantener una relación estrictamente física sin contraer compromiso alguno y al margen de los sentimientos.
La película es totalmente predecible y hasta el espectador menos despierto tiene muy claro cómo va a concluir. Ese no es el verdadero problema, sino una constante de la comedia romántica. Nunca ha importado en ésta el destino, sino lo bien que lo pasamos durante el viaje viendo cómo la pareja se pelea, se separa y se odia hasta llegar al final desenlace. Sin embargo, y cómo divertidamente apunta en su crítica mi admirado Roger Ebert del Chicago Sun-Times, éste es uno de esos viajes en los que continuamente preguntas ¿cuándo llegamos? ¿falta mucho?
Sólo soportable por la naturalidad de Portman, algún que otro dialogo brillante, la presencia de un genial Kevin Kline y el omnipresente torso desnudo de Kutcher, la cinta trascurre de manera lánguida y rutinaria hacia su autodestrucción.

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ENCONTRARAS DRAGONES -THERE BE DRAGONS- (2011)

2011-04-15T03:55:00.000-07:00

UNA HAGIOGRAFIA MAS MODERADA DE LO ESPERADO

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos-España, 2010.- 120 minutos.- Director: Roland Joffé.- Intérpretes: Charlie Cox, Wes Bentley, Dougray Scott, Unax Ugalde, Olga Kurylenko, Ana Torrent, Alfonso Bassave, Jordi Mollà, Rodrigo Santoro, Geraldine Chaplin, Charles Dance.- DRAMA HISTORICO.- Confieso que acudí a ver esta cinta con sentimientos encontrados. Por un lado, la dirección de Joffé (La misión, Los gritos del silencio) era garantía de un mínimo de calidad y una moderación en el tratamiento de un tema tan delicado.

Por otro lado, era bastante temible que la película estuviera producida por la Obra. No porque fuera concretamente esta institución. También me daría yuyu una película producida por, no sé, el partido comunista. Creo que el arte debe ser libre y, por tanto, el artista debería tener el derecho a expresar su verdadera opinión, no ser el vocero del que le paga.

Es cierto, que casi todas las productoras tienen su propia ideología (aunque la de muchas es únicamente el beneficio económico) pero la manipulación puede ser mayor cuando produce alguien ajeno al panorama artístico.

De todas formas, si la Obra se gasta su propio dinero, está en su derecho absoluto de hacer la película que le dé la gana. Simplemente, el público debería estar informado de quién está detrás de cada proyecto (para que no se crea a pies juntillas todo lo que ve en pantalla) y de que este film también ha contado con dinero público para su elaboración, a través del ICO y otras instituciones, lo cual también puede servir como indicador de que el proyecto no es exageradamente partidista.

Robert, un joven periodista que vive y trabaja en Londres, descubre la relación que unió, desde la niñez, a su padre con el sacerdote José María Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei, fallecido en 1975.

Entrando en el análisis de la cinta, señalar que Joffé vuelve a demostrar su gran profesionalidad y dominio de su oficio ofreciéndonos un trabajo con mucho empaque, seriedad y calidad técnica. El ritmo es adecuado y mantiene el interés durante casi toda narración (quizá el desenlace sea algo flojo), a pesar de contar varias historias a la vez, algo que siempre dificulta el trabajo de un director.

Algunos críticos han señalado, con razón, que el estilo de Joffé no ha cambiado ni un ápice en los últimos 25 años y, por tanto, la cinta aparece ante nuestros ojos como bastante antigua a nivel plástico, estético y narrativo. Es lógico, Joffé nunca ha sido un innovador, sino un profesional de estilo clásico, y el argumento pide a gritos un estilo clasicista.

Respecto al otro gran aspecto a la hora de analizar artísticamente una película, el tratamiento del tema y de los personajes, decir que afortunadamente no se cae en un simplista maniqueísmo de buenos y malos, sino que se explican y se comprenden las razones de los bandos enfrentados y se es capaz de apreciar las virtudes de personajes con los que los productores no tienen ninguna afinidad.

En definitiva, una cinta algo antigua artísticamente, pero perspicaz a la hora de trasmitir claramente sus presupuestos ideológicos sin caer en el fanatismo.

SUCKER PUNCH -2011-

2011-03-31T09:43:00.000-07:00

EL SUEÑO HÚMEDO DE UN ADOLESCENTE DEL SIGLO XXI

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2010.- 103 minutos.- Director: Zack Snyder.- Intérpretes: Emily Browning, Vanessa Hudgens, Abbie Cornish, Jena Malone, Jamie Chung, Carla Gugino, Jon Hamm, Scott Glenn.- THRILLER FANTASTICO.- Una propuesta tan estimulante y loable como fallida y, lo más imperdonable, aburrida al caer de manera flagrante en la rutina.

Snyder patina en su primer film basado en un guión propio, un libreto que se convierte en una especie de batiburrillo de los principales referentes de la cultura popular que fascina a las nuevas generaciones.

Ambientada en los años 50. Una chica es internada por su padrastro en una institución psiquiátrica para que le practiquen una lobotomía. Mientras espera, su imaginación crea una realidad alternativa que podría salvarla de su dramática situación. A partir de ahí, la joven comienza a preparar su fuga, cuyo éxito depende del robo de cinco objetos.

Técnicamente perfecta y visualmente fascinante (aunque nada novedosa), es en la dirección y, especialmente, en el guión donde encontramos los principales defectos. Nada más empezar el espectador mínimamente avezado notará que algo falla. Fue pasado más de un minuto cuando me di cuenta de que no estaba ante un tráiler de un próximo estreno sino del arranque de un film. Mal augurio.

El resto de la película aparece ante el espectador como una sucesión de avances y secuencias de otras películas sin demasiada sucesión de continuidad y con poco o nulo sentido o lógica. Además, una vez planteado el juego de espejos, queda poco espacio para la sorpresa o la salida de tono. Más locura le hubiera venido muy bien al film, ya que la solidez narrativa queda descartada desde el principio.
Sin embargo, si analizamos detalladamente el guión, aparecen una serie de hallazgos, a los cuales llega Snyder de manera ¿consciente o inconsciente? Por un lado, tiene bemoles que la protagonista (para huir del ambiente de un manicomio donde va a ser lobotomizada y, posiblemente, violada) decida imaginar que está en otro lugar, supuestamente menos agresivo: un night club burlesque donde las chicas son prostituidas ¿!¡?

Por otro lado, es revelador que la prota, para enfrentarse a una situación límite de exigencia que no sabe si va a poder cumplir, huya a los paraísos artificiales de muchos adolescentes actuales: videojuegos, fantasías orientales, literatura fantástica o odisea espacial.

Finalmente, el largo monologo final parece tener cierta trascendencia, aunque el que suscribe reconoce que no llegó a entender muy bien ni lo que se quería decir, ni de que manera se infiere todo ello de lo narrado anteriormente

PIRAÑA (2010) -PIRANHA-

2011-03-31T09:35:00.000-07:00

SIN COMPLEJOS: PARA PASARLO TETA…NUNCA MEJOR DICHO

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2010.- 103 minutos.- Director: Alexandre Aja.- Intérpretes: Elisabeth Shue, Adam Scott, Ving Rhames, Richard Dreyfuss.- COMEDIA PARODICA DE TERROR.- Obra referencial que no tiene otro objetivo que divertir acumulando la mayor cantidad posible de animaladas, sangre y cuerpos femeninos desnudos como homenaje al cine de terror de finales de los 70 y principios de los 80.

El lago Victoria (Arizona) es un lugar que se llena de gente joven durante las vacaciones de primavera. De repente, se producen una serie de temblores submarinos que liberan unos peces prehistóricos antropófagos. Todos deberán unir sus fuerzas para sobrevivir a estas criaturas.

Más concebida como comedia que como film de terror, el film intesifica su perfil paródico en su segunda parte, donde asistimos a ríos de sangre, desmembramientos masivos, pirañas que entran y salen de cuerpos humanos, actrices porno mutiladas de rodillas para abajo, tetas y más tetas deseadas por las pirañas, prótesis de silicona y penes despreciados por los exquisitos paladares de estos tiernos pececitos…

Que estamos ante un homenaje queda claro desde el principio con la testimonial presencia de Richard Dreyfuss en un prólogo que homenajea al film que este gran actor protagonizó en 1975, Tiburón de Spielberg. La tendencia se confirma con la presencia de Christopher Lloyd como científico algo loco, claro comentario sobre la inolvidable Regreso al futuro de 1985. 1975-1985: una década inolvidable para unos géneros que estaban pasando de menores a predominantes.

El film no resiste ningún análisis serio bajo el punto de vista del arte cinematográfico pero funciona perfectamente como divertimento gamberro. Además, nos devuelve a una de las idolatradas divas de nuestra adolescencia: Elizabeth Shue, la inolvidable protagonista de Leaving Las Vegas

EL MUNDO SEGUN BARNEY -THE BARNEY´S VERSION- (2010)

2011-03-23T11:50:00.000-07:00

UNA NOTABLE CINTA…SI ESTUVIERAMOS EN 1983

CALIFICACION: 2,5/5

Canadá, 2010.- 134 minutos.- Director: Richard J. Lewis.- Intérpretes: Paul Giamatti, Rosamund Pike, Dustin Hoffman, Scott Speedman, Minnie Driver, Bruce Greenwood, Rachelle Lefevre.- COMEDIA DRAMATICA.- Aunque es una decisión artística lógica y coherente, ya que la historia se ambienta, en gran parte, en los años 70 y 80, quizá no sea totalmente acertada la opción manierista por la que opta el televisivo Lewis. Aunque disfruté terriblemente al estar viendo una película que parecía hecha a principios de los 80 del siglo pasado (que raro suena lo de siglo pasado para el siglo XX), ya que adoro esa época del cine americano, eso no anuló la sensación de que esa forma de hacer cine ya está superada y no funciona tan bien ante mis ojos como cuando reviso una cinta filmada efectivamente en aquel tiempo.

Barney Panofsky, un viejo productor de televisión, aficionado a la bebida y fanático del hockey lleva una vida bastante caótica. Se ha casado tres veces, tiene un padre extravagante y un amigo encantador. Su entorno está muy marcado por pertenecer a una familia judía.

Basada en el best-seller homónimo del escritor canadiense Mordecai Richler, autor de otras novelas llevadas al cine como la imposible de ver El aprendizaje de Duddy Kravitz ( a pesar de que consiguió el globo de Oro en Berlín y el oscar al mejor guión adaptado y estar protagonizada por el gran Richard Dreyfuss) y Joshua then and now (tan imposible de encontrar cómo la anterior pero que tuve la suerte de disfrutarla -y la magnífica interpretación que en ella hace James Woods- hace años en un canal por cable)

La cinta comienza con fuerza, narrando, tras un breve prólogo en el presente, las andanzas de un joven Barney, que ya da muestras de un sentimiento trágico de la vida, totalmente alejado de la cosmovisión anglosajona. Desde temprana edad, una serie de pequeños accidentes, casualidades o absurdos golpes del destino van marcando su vida de una forma que no puede controlar. Tampoco su carácter impulsivo o caótico ayuda, o sí, según cómo se vea o lo que entendamos por una vida plena.

Las escenas que comparten esos dos genios de la interpretación que son Giamatti y Hoffman ya merecen el precio de la entrada. Son divertidos, son patéticos, son ridículos…son humanos.

Pero sin duda, el cenit del film se alcanza en los capítulos dedicados al enamoramiento y acoso y derribo que Giamatti hace del personaje de Pike. La magia llega a la pantalla en la larga e imprescindible secuencia de la boda y la memorable escena de la estación de tren.

Sin embargo, conforme Barney envejece y se tranquiliza la cinta se va volviendo monótona y algo aburrida (metáfora sobre la existencia humana o incapacidad del director y del guionista por mantener el interés?)

No debemos olvidar como, al son de Leonard Cohen, la cinta nos recuerda cómo el mundo ha cambiado brutalmente y cómo, nosotros, los de entonces, ya no somos, ni de lejos, los mismos.

ADIOS A LA DIOSA DE LOS OJOS VIOLETAS

2011-03-23T11:48:00.000-07:00

Muere Elizabeth Taylor a los 79 años.

NUNCA ME ABANDONES -NEVER LET ME GO- (2010)

2011-03-23T11:46:00.000-07:00

¡EDUCATE, CONSUME, DIVERTETE, PRODUCE!

CALIFICACION: 3/5

Estados Unidos, 2010.- 103 minutos.- Director: Mark Romanek.- Intérpretes: Carey Mulligan, Andrew Garfield, Keira Knightley, Charlotte Rampling.- DRAMA ROMANTICO DE CIENCIA-FICCION.-

Recomendable cinta que mezcla con habilidad géneros y registros muy diferentes y que, aunque simplificándola (como no puede ser de otra manera), capta y conserva la esencia de la imprescindible novela del japonés Kazuo Ishiguro, autor de "Lo que queda del día", también llevada al cine, y del guión de películas tan exquisitas como “The saddest music in the world” y “La condesa rusa”.
Kathy, Tommy y Ruth pasan su infancia en Hailsham, un internado inglés, aparentemente idílico, donde descubren un tenebroso e inquietante secreto sobre su futuro. Cuando abandonan el colegio y se aproximan al destino que les aguarda, el amor, los celos y la traición amenazan con separarlos.

Acusada con razón de frialdad, podemos argumentar como defensa que Romanek, autor de la curiosa Retratos de una obsesión, se limita a plasmar el clima de la novela, más que gélido. Algo, por otra parte, totalmente coherente con la trama.

También es verdad que se ha aligerado la parte dedicada a la niñez de los protagonistas, seguramente para que el público no tuviera que esperar demasiado tiempo para ver a sus estrellas favoritas en pantalla. Sin embargo, las ideas fundamentales más importantes sobre ese periodo vital han sido conservadas con acierto.

Ishiguro se trasladó con su familia a Londres con 6 años y, por tanto, como otros extranjeros asimilados a una cultura anglosajona, disecciona ésta con afilado bisturí. Para ello reproduce en tono de metáfora la forma de vida protestante basada en el apoyo de la educación y la formación de las nuevas generaciones para que en el futuro puedan devolver a su sociedad la ayuda prestada. En definitiva, nada de carpe diem, sino la conversión del individuo en una inversión de futuro a la que explotar.

Si, a priori, puede parecer un modelo a reproducir –y de hecho es a lo que nos está obligando a las cada vez más arrinconadas sociedades latinas-, presenta más de una contradicción y numerosos riesgos. Ese cumplimiento del que habla la cinta, como pago ineludible que nos exige una sociedad que dice creer en el individualismo pero que en realidad obliga al individuo a socializar en sentido amplio y por las buenas o por las malas, puede ser moralmente tan doloroso y gravoso como lo es físicamente en la cinta.

Gran trabajo de la protagonista, Mulligan, una chica que todavía no tengo claro sí es o no atractiva. Comentario políticamente incorrecto, para molestar un poco a este mundo dominado por moñas.

RANGO -2011-

2011-03-23T11:43:00.000-07:00

EL WESTERN CREPUSCULAR SE ENCUENTRA FELIZMENTE CON “CHINATOWN”

CALIFICACION: 3,5/5

Estados Unidos, 2010.- 100 minutos.- Director: Gore Verbinski.- Película de animación. WESTERN.- Una verdadera sorpresa. Una cinta de animación muy diferente a lo que estamos acostumbrados, en forma y fondo. Respecto a la primera, opta por un feísmo descarnado (que, incluso, puede asustar a los más pequeños) que remite al western crepuscular más polvoriento y verista. Y en relación a la temática, señalar que es más adulta todavía de lo habitual en este formato, con claras referencias a las guerras del agua, la especulación inmobiliaria, la ignorancia de la que se aprovechan los poderosos y los fanatismos de todo tipo.

El actor Rango es un solitario camaleón que vive en la inmensidad del desierto Mojave. Quiere ser un representante de la ley en un sediento pueblo llamado Dirt, pero enseguida se da cuenta de que hay una gran diferencia entre actuar y vivir la vida real, así que no tiene más remedio que enfrentarse a algunos aspectos de su identidad y aprender el significado y el valor de la amistad. Su misión consistirá en descubrir la conspiración que está detrás de la desaparición del agua en el pueblo.

Dirigida por el competente Verbinski (The ring, Piratas del Caribe), su tráiler no hacía presagiar nada bueno. Seleccionadas las escenas más tópicas e infantiles hacia pasar al film por una tontería por sustancia. Sin embargo, algo bueno hay en tener un sobrino de corta edad que me “obliga” a llevarle a ver ciertas películas. A veces me trago bodrios, pero otras veces descubro cintas que, de otra forma, nunca vería, como la también magnífica Lluvia de albóndigas.

Valiente producción que se atreve a codificar todas las constantes del western crepuscular (a su vez, heredero directo del spaghetti western –no es casual la semejanza fonética entre Rango y Django, uno de los mitos del subgénero): análisis político de la evolución del Oeste americano desde la ley del más fuerte a la ley del más rico, la utilización de tontos útiles o cabezas de turco como instrumento del poder o el corrupto uso de los recursos naturales. Ahí es donde entronca con la base argumental y moral del imperecedero clásico de Polanski, Chinatown.

Pero en un film multireferencial como éste, los homenajes no se quedan ahí. El espectador avispado podrá encontrar momentos que remiten a cintas tan dispares como Star Wars o Miedo y asco en Las Vegas.

En definitiva, una prueba más de que algunas de los mejores guiones y cintas del Hollywood actual se realizan dentro de los parámetros del cine de animación.

DESTINO OCULTO -THE ADJUSTMENT BUREAU- (2010)

2011-03-23T11:36:00.000-07:00

…Y CARENTE DE VERDADERA EMOCION

CALIFICACION: 2,5/5

Estados Unidos, 2011.- 98 minutos.- Director: George Nolfi.- Intérpretes: Matt Damon, Emily Blunt, Terence Stamp, Shohreh Aghdashloo, John Slattery.- THRILLER FANTASTICO-ROMANTICO.-

Una entretenida producción hollywoodiense, con cierto aire de otra época y con espíritu de serie B dentro de unos medios de producción más cercanos al blockbuster.

David Norris, un carismático congresista americano destinado a triunfar dentro de la política nacional, conoce a una guapa bailarina de ballet llamada Elise Sellas, que alterará completamente su vida. Sin embargo, cuando empieza a sospechar que ciertas fuerzas sobrenaturales intentan separarlos, tratará de descubrir las causas...

Debut en la dirección del guionista de "El ultimatum de Bourne" que sale airoso de su opera prima pero que no llega a alcanzar unos niveles de personalidad propia suficientes para augurar una brillante carrera cinematográfica tras la cámara.

Tras un arranque interesante y una potente revelación del secreto que se le oculta al protagonista, la cinta empieza a decaer. Sin provocar un verdadero desinterés, sí que es cierto que el film se sigue desapasionadamente, a pesar del teórico dramatismo, fatalismo y romanticismo que contiene el guión. Nunca llega a trascender, a trasmitirse a la platea las cuitas de los protagonistas. Y no se puede achacar a los actores ya que el trabajo de los secundarios, de Emily Blunt y, sobre todo, de un Matt Damon que siempre desprende una gran humanidad, es más que destacable.

Quizá tampoco ayuda que las motivaciones de las fuerzas ocultas resulten demasiado políticamente correctas y, por tanto, poco atractivas a nivel artístico, emocional o intelectual.

LOS OSCARS 2010

2011-03-04T04:35:00.000-08:00

"EL DISCURSO DEL REY" SIEMPRE ES MAS POLÍTICAMENTE CORRECTO QUE UN "CISNE NEGRO"

Nadie duda de las virtudes de la cinta, pero parece desorbitado el premio obtenido. Si el Oscar al mejor actor es más que justo, es discutible el de guión e inmerecido el de mejor película (Cisne negro, La red social o Winter´s bone son superiores).

Pero, sin duda, el más ofensivo contra la inteligencia, el buen gusto y la justicia es el de mejor director. Fincher en La red social o Aranofsky en Cisne negro alcanzan la excelencia –al igual que en sus carreras- mientras que Hooper, de trayectoria corta y poco brillante, se limita a una labor funcional.

Pero ya se sabe que la productora del film, Weinstein Company, tiene mucho peso en Hollywood y sabe mover muy bien los hilos para “convencer” a los académicos de las virtudes de sus films. Los 90 fueron dominados por su anterior empresa, Miramax, que consiguió aberraciones como una lluvia de Oscars (7) para ese “clásico instantáneo e imperecedero” como fue definido por un “visionario” crítico estadounidense. Hablamos de Shakespeare in love ¿Quién se acuerda de ella?

Y su director ¿se convirtió en el más brillante de su generación? Sus dos siguientes cintas fueron fracasos artísticos de crítica y público (La mandolina del capitán Corelli y y Proof) y su más reciente film (Killshot) ni se ha estrenado en España.

¿Quién se acordara de El discurso del rey o Hooper dentro de unos años? Se admiten apuestas.