lunes, 30 de noviembre de 2015

¿QUÉ? ¿TANTO HACE YA? (3): 30 AÑOS DEL ESTRENO DE "PESADILLA EN ELM STREET" (1984)

El film se estrenó a finales de Noviembre del 85Aún recuerdo el miedo que pasé com mis compis de octavo de EGB viendo este film en uno de los palacios del cine de mi ciudad Alicante. Era el Avenida situado en plena Rambla. El cine sólo aguantó 3 años más acorralado por la era del videoclub. Sin embargo, nunca olvidaré el pánico que sentimos al meternos en la cama durante toda la semana.

Este es el curioso poster japonés

Y este el hall de dicho cine. Nada que ver con las asepticas multisalas actuales. Eso sí, las butacas de ahora son mucho más cómodas y la proyección tiene mucha más calidad.



Finalmente, os dejo este interesantisimo y exhaustivo documental sobre la saga. En él se incide en las implicaciones gays de este mito del terror moderno.

domingo, 29 de noviembre de 2015

PELICULAS PARA RECUPERAR EN EL SOFA (10)...EN NAVIDAD: "MEJOR SOLO QUE MAL ACOMPAÑADO" (1987)


Ahora que ya celebramos hasta el Black Friday ya podemos decir que la Navidad también empieza oficialmente con Acción de Gracias. Por eso, desde hoy y en las próximas semanas, esta sección se va a centrar en las pelis que me gusta ver en Navidad. A veces, las fiestas son muy tangenciales en la trama o ni aparecen, pero en mi educación sentimental, todas ellas son pelis navideñas.

Este es un film de culto en USA pero aquí es una de las pelis más desconocidas de John Hughes. Quizá porque cuando se estrenó ni sabiamos muy bien lo que era la cena del pavo. Eran otros tiempos menos globalizados.


viernes, 27 de noviembre de 2015

QUE VER ESTE FINDE (2): ¿CINE INDIE O EL DESENLACE DE "THE HUNGER GAMES"?

LO QUE LO VA A PETAR
La gran traca final de Los juegos del hambre


MI ESTRENO DE LA SEMANA 
(SI LO ENCUENTRAS EN TUS CINES)

Una de las sensaciones Indie del año

LA CITA ANUAL CON PIXAR


El viaje de Arlo


LO QUE TE RECOMIENDO

3 sobre 5. Otro triunfo de Baumbach


3,5 sobre 5. Cine comercial de calidad

Y para contrastar mis opiniones gratuitas aquí tienes la tabla de puntuaciones de los críticos alicantinos en el blog del podcast en el que participo El camarote de los Marx.

Finalmente otras voces "autorizadas":


Audio de las críticas de Gonzalo Eulogio en la cadena Ser

Criticas de Antonio Dopazo en el Diario Informacion


jueves, 26 de noviembre de 2015

PELICULAS OLVIDADAS (23): "CARNE VIVA" -PRIME CUT- (1972)

Michael Ritchie fue una de las grandes promesas del Nuevo Hollywood. Su opera prima El descenso de la muerte (1969) era una descarnada visión del egocentrismo en el deporte de élite y colaboró en el advenimiento de Robert Redford como estrella de la nueva década. En 1972 volvió a dirigir al Sundance Kid en una de las mejores cintas políticas de su tiempo, El candidato y ese mismo año también estrenó el film que nos ocupa.   




A pesar de dirigir alguna otra obra interesante como "Sonrie" (1975) o "Los picarones" (1976) su talento inicial se fue desperdiciando en films cada vez menos interesantes hasta llegar a dirigir en los 80, obras muy comerciales y nada despreciables como Flecht, el camaleón o El chico de oro pero totalmente alejadas de sus inquietudes iniciales.


"Carne viva"  es un neo-noir con personalidad propia ya que, salvo un par de secuencias en Chicago, se desarrolla en un espacio poco relacionado con el género, la América rural. El film desmonta el mito pastoral de una América campestre idílica poblada de buenas gentes temerosas de Dios y confirma que el mal está  en todas partes, y, además, aquí sin ningun glamour.

La trama es sencilla, mínima, casi inexistente y el film se centra en la descripción de personajes, ambientes y en certificar los abismos de una maldad primitiva donde las máquinas no han hecho otra cosa que favorecer los instintos más bajos de la condición humana. Hackman está impecable como gangster paleto y Marvin borda su papel como mafioso con una fuerte moral personal. También descubrimos a una bellísima Sissy Spacek en uno de sus primeros papeles con una fragilidad que adelanta sus inconmensurables trabajos en Carrie y Malas Tierras. 

La película funciona mejor en sus partes que como un todo. Es, sin duda, una cinta de momentos pero ¡Qué, momentos! Las escenas de la trata de blancas en un granero, la de la segadora como arma mortífera, la del sexo con mendigos por unas pequeñas monedas y la secuencia de acción final no se borran de la memoria facilmente y muestran, además, como hemos involucionado respecto a lo "políticamente correcto"



Siendo una clara denuncia del tráfico de mujeres no por ello cae en la ingenuidad de santificar a todo el género femenino y el personaje de la amante de ambos gangsters (interpretado por la bellísima Angel Tompkins) es maquiavelico. 

Reseña en el blog del cinéfago de la laguna negra

Reseña en el blog Esbilla

Reseña en el blog relatospulp


Veredicto: Imprescindible neonoir rural.


miércoles, 25 de noviembre de 2015

EL CINE QUE NOS VIENE (4): SPOTLIGHT de Thomas McCarthy

El director de cintas tan interesantes como  "Vías cruzadas" o "The visitor" vuelve a presentar un proyecto atractivo tras una trayectoria errática en los últimos años.

Contando la historia real de los periodistas del "Boston Globe" que destaparon el escándalo de la pederastia de los sacerdotes católicos en el estado de Massachussets, parece que se acerca en el tono y forma a la mítica Todos los hombres del presidente, lo cual puede perjudicarla.

El excelente reparto y la bella fotografía son otros alicientes para este film que parece encaminarse hacia la carrera por los Oscars.



Fecha de estreno: 15 de Enero 2016


martes, 24 de noviembre de 2015

DEUDA DE HONOR -THE HOMESMAN- (2015)

No estamos ante un western cualquiera, una revisitación tópica y facilona del western clásico. Ni siquiera se queda en los terrenos del loable, polvoriento y desencantado western crepuscular de los 70. Teniendo puntos de conexión con las obras de Eastwood como El jinete pálido o Sin perdón, muestra una personalidad propia. Por un lado, al centrar el foco de su atención en los personajes femeninos (ninguneados muchas veces en el género o mostradas en otras ocasiones como superwoman totalmente irreales y fueras de contexto) consigue una enorme personalidad propia. Mostrada con extrema crudeza, asistimos a la dura vida de las pioneras del Oeste.


UN WESTERN POST-CREPUSCULAR INSÓLITO Y MARAVILLOSAMENTE INCORRECTO 

Calificación: 3,5/5 



Un western post-crepuscular, descarnado y, a su libérrima manera, feminista. El eficaz actor Tommy Lee Jones se confirma aquí como uno de los directores hollywoodienses más interesantes del panorama actual y eso que estamos ante su segundo film. Este veterano se prodiga poco y nos ha dejado mucho tiempo esperando con ilusión su nuevo trabajo, tras la excelente opera prima que se marcó en 2005, Los tres entierros de Melquiades Estrada. Es cierto que en 2011 realizó un telefilm de lujo, The sunset limited, basado en una obra de Cormac McCarthy pero en salas ha mantenido un silencio tras la cámara de toda una década. Sin embargo, parece que le ha cogido el gusto y anuncia, para 2016, un remake del film de Mark Rydell de 1972, Los cowboys.

Jones consigue un film entretenido, siempre interesante, trufado con un humor que alivia el terrible ambiente retratado y que da un paso adelante a la hora de reflejar con realismo el contexto espacio-temporal retratado sin por ello dejar de ser fantasía cinemática de altura. Se atreve a introducir, al menos, un par de giros narrativos muy arriesgados, casi suicidas que le harán perder adeptos entre el público más convencional pero que recuerdan al cine más libre de décadas pasadas, sin por ello dejar de ser una obra claramente contemporánea.

El film no llega a ser el triunfo mayor que podía haber sido porque el largo epílogo en el que se llega a la civilización (y a pesar de la presencia de una siempre magnífica Meryl Streep) no está a la altura del resto de la cinta. Sin embargo, es en él donde se verbaliza de manera elegante el mensaje de la película. La receptora del mensaje no es otra que una de las grandes promesas actorales del Hollywood actual, Hailee Steinfeld, la protagonista de un western inferior pero mejor considerado por la aureola de sus autores, Valor de ley de los Hermanos Coen, con el que guarda ciertas similitudes.

Rodar un western en plena era del croma y la pantalla verde, ya es un desafío. Es verdad que, el bueno de Jones es un auténtico vaquero en su vida personal y seguramente se ha sentido más cómodo rodando en las zonas rurales de Nuevo México que en la gran ciudad.

Pero esta es una peli fronteriza y gran parte está rodada en exteriores con el esfuerzo físico y de producción que eso supone. Pero no estamos ante un western cualquiera, una revisitación tópica y facilona del western clásico. Ni siquiera se queda en los terrenos del loable, polvoriento y desencantado western crepuscular de los 70. Teniendo puntos de conexión con las obras de Eastwood como El jinete pálido o Sin perdón, muestra una personalidad propia. Por un lado, al centrar el foco de su atención en los personajes femeninos (ninguneados muchas veces en el género o mostradas en otras ocasiones como superwoman totalmente irreales y fueras de contexto) consigue una enorme personalidad propia. Mostrada con extrema crudeza, asistimos a la dura vida de las pioneras del Oeste. No sólo se nos habla de miseria, condiciones infrahumanas o dureza del paisaje o del clima. Todo ello eran retos tanto para las mujeres como para los hombres. Jones profundiza en el machismo inherente a la época. Y no se ceba en lo más evidente: maltrato físico y mental, falta de derechos…

Más bien muestra como las mujeres eran ninguneadas de manera absoluta dejando nulo espacio a la realización personal o la afirmación de su feminidad. Así cualquier atisbo de personalidad propia, de necesidad de tomar sus propias decisiones era considerados síntomas primero de excentricidad y finalmente de locura. Se muestra bien a las claras que su misión en el mundo (según los hombres que las tutelaban: maridos, padres, hermanos) era el cuidado del hogar, la crianza de la prole y estar siempre dispuestas a satisfacer los deseos sexuales del marido. SPOILER La escena en la que uno de los maridos viola a su esposa que se ha refugiado en la cama de su madre es tremenda. Ella se creía protegida al estar acompañada pero el marido no tiene problema en violentar a su esposa aunque su suegra esté delante. FIN DEL SPOILER.

De hecho el film nos narra, con bellos flashabacks, el origen de la “locura” que afecta a las tres mujeres que quieren desterrar del pueblo. En la actualidad, se les vería como mujeres sanas mentalmente que han pasado un momento doloroso relacionado con la maternidad (no quiero hacer más spoilers) que puede alterar momentáneamente su comportamiento. Aquí son vistas como locas de atar, simplemente porque no se amoldan al imaginario masculino de la feminidad en aquella época. Incluso, la mujer independiente económicamente (una notable Hilary Swank) no se puede abstraer a su condición y sufrirá amargamente por ello. Un personaje inolvidable.

FICHA TECNICA, ARTISTICA Y ARGUMENTO 

 Estados Unidos, 2015.- 121 minutos.- Director: Nancy Meyers.- Intérpretes: Tommy Lee Jones, Hilary Swank, Grace Gummer, Miranda Otto, Sonja Richter, David Dencik, John Lithgow, Tim Blake Nelson, James Spader, William Fichtner, Jesse Plemons, Evan Jones, Hailee Steinfeld, Meryl Streep.- WESTERN.- Nebraska, 1855. Mary Bee Cuddy, una mujer solitaria que vive en un remoto pueblo del Medio Oeste, es elegida por la Iglesia para hacer regresar al mundo civilizado a tres mujeres que han perdido la razón. Para ello, cuenta con Briggs, un delincuente al que salva de la horca con la condición de que la ayude a ejecutar su misión. Juntos emprenden un largo y peligroso viaje a través del desierto, desde Nebraska hasta Iowa, en el que tendrán que enfrentarse a toda clase de peligros.

lunes, 23 de noviembre de 2015

¿QUE? ¿TANTO HACE YA? (2): 21 AÑOS DEL ESTRENO DE "EL REY LEON" (1994)

El 18 de Noviembre de 1994 llegaba a los cines españoles, una de las grandes películas de la segunda edad de oro de la factoría Disney, aquélla que inició ""La sirenita" (1989) y que fue seguida por títulos como Aladdin, Pocahontas, El jorobado de Notre Dame y que alcanzó su cenit con La bella y la bestia (1991), film que incluso llegó a estar nominada a mejor película.


Antes de la revolución que supuso Pixar, en los 90 Disney consiguió que cada estreno anual (siempre cercano al día de Acción de Gracias, verdadero inicio de las Navidades en Estados Unidos) se convirtiera en un esperado acontecimiento al que no sólo acudían niños acompañados por sus padres sino multitud de parejas jóvenes, grupos de amigos y adultos acompañando a sus veteranos padres.

El éxito de esta nueva etapa incluso llevó a Hollywood a instaurar el Oscar a la mejor película de animación, que parece que siempre ha estado aquí pero que sólo existe desde 2001 cuando se alzó con él Shrek.

Luego llegó el famoso musical que han disfrutado millones de personas en todo el mundo.



Y por supuesto, Hollywood no dudó en exprimir el fenómeno con un magnífico reestreno en 3-D


jueves, 19 de noviembre de 2015

PELICULAS OLVIDADAS (22): "YO VIGILO EL CAMINO" -I WALK THE LINE- (1970)

John Frankenheimer es uno de los grandes olvidados de Hollywood. Con más de 40 títulos a sus espaldas, este neoyorkino de Queens fue uno de los grandes nombres de la llamada Generación de la televisión, aquélla formada por directores que se formaron en la incipiente televisión en directo de los 50 y que en la década de los 60 aportaron realismo y mayor profundidad temática al almibarado y anquilosado Hollywood o, por lo menos, a parte de él.


Grandes títulos como Su propio infiernoEl mensajero del miedoEl hombre de AlcatrazSiete días de Mayo o El tren lo convirtieron en uno de los grandes directores de la primera mitad de la década de los 60. Pero algunas decisiones equivocadas, su negativa a adaptarse a los nuevos tiempos psicodelicos y problemas personales que le llevaron al alcoholismo truncaron su carrera como director comercial.

Pero empezó otra etapa igual o más interesante. Teniendo claro que el éxito comercial iba a estar en manos de la nueva generación (el new Hollywood de Coppola, De Palma o Scorsese) decidió liarse la manta a la cabeza y regalarnos films tan libres e innovadores como Los temerarios del aire, Plan diabólico, El hombre de Kiev, Orgullo de estirpe o la que nos ocupa.


Si en "Los temerarios del aire" repetía el encuentro sexual de "De aquí a la eternidad" de Burt Lancaster y Deborah Kerr pero esta vez sin glamour ni ropa, aquí elegía a un mito de la bondad hollywoodiense, Gregory Peck (aunque el primer elegido era Gene Hackman) para el papel de un atormentado sheriff que se debate entre su sentido de la moral y la pasión arrebatadora que le genera una jovencita forzada por su familia, destiladores ilegales de whisky, a chantajear al agente de la ley. La muchacha es la MARAVILLOSA Tuesday Weld con lo cual todos entendemos perfectamente al bueno de Peck.

¡Ah!...Y la banda sonora es de Johnny Cash. ¿Se puede pedir algo más?




 Critica en español en el blog Cinema de Perra Gorda

Articulos sobre el director en "Blog de cine"

 Ficha de la peli  Ficha tecnica, artistica y sinopsis



Veredicto: Imprescindible. Una de las principales underrated movies (películas infravaloradas) de la traumática transición de los 60 a los 70. Uno de los films más turbadores de la industria de Hollywood.

miércoles, 18 de noviembre de 2015

EL CINE QUE NOS VIENE (3): JOY de David O´Russell

El sobrevalorado pero aun así interesante director de "El lado bueno de las cosas", "The fighter" o "La gran estafa americana" (sin olvidar sus arriesgadas obras iniciales "Extrañas coincidencias", "Flirteando con el desastre" o "Tres reyes") vuelve en busca de nominaciones a los Oscars. Por lo menos es cine de lo cotidiano y ¡con guión original! de la autora del libreto de "La boda de mi mejor amiga"



Fecha de estreno: 8 de Enero de 2016



martes, 17 de noviembre de 2015

EL BECARIO -THE INTERN- (2015)

A diferencia de Hollywood y de los estadounidenses actuales, Meyers no utiliza la tecnología ni los datos como el tema central, como el fin, sino como el medio para definir a los personajes y la historia. Le interesan más las personas que las ideas. En lugar de adoptar una polarización entre veteranos liberales de los 60-70 y jóvenes conservadores del nuevo milenio, la película versa sobre lo que cada uno le puede aportar al otro. 


 LA EXPERIENCIA ES UN GRADO

Calificación: 3/5 

Una agradable sorpresa. Cuando te esperas una comedia sobre la brecha digital entre generaciones, al estilo de la, por otra parte, muy divertida ‘Los becarios’, se agradece encontrarse con algo más. La tentación de caer en el chiste fácil sobre las dificultades de un septuagenario para adaptarse al mundo digital sólo se aborda en el primer cuarto de hora y, rápidamente, la cinta pasa a otros temas.

Estamos ante una película que lo confía todo al guión, los personajes y los actores que lo interpretan. Meyers, guionista desde los 70 (‘Me gustan los líos’, ‘El padre de la novia’, ‘Baby, tú vales mucho’, ‘Jumpin’ Jack Flash’, ‘Protocolo’, ‘Diferencias irreconciliables’, ‘La recluta Benjamín’) y directora-guionista durante todo lo que llevamos de siglo XXI (‘No es tan fácil’, ‘Vacaciones’, ‘Cuando menos te lo esperas’) demuestra la calidad de su pluma.

No es que estemos ante un guión memorable ni mucho menos, pero ya se sabe que en el país de los ciegos de Hollywood, el tuerto es el rey. Al menos, hay progresión dramática y en la evolución de la relación entre los protagonistas, lógica interna, reacciones comprensibles de los personajes, fragilidad humana, algún giro sorpresivo, secundarios ricos en matices, homenajes cinéfilos y autoconsciencia fílmica (la escena cómica “gangsteril”) y ajustadas tramas secundarias.

A diferencia de Hollywood y de los estadounidenses actuales, Meyers no utiliza la tecnología ni los datos como el tema central, como el fin, sino como el medio para definir a los personajes y la historia. Un ejemplo paradigmático: cuando Hathaway enseña a De Niro a crearse una cuenta en Facebook, el objetivo no es hacer sorna de la torpeza de él, ni mostrar la incomprensión generacional de ella. Y por supuesto, tampoco para mostrar las posibilidades de la red social al veterano. Sirve para que ella le conozca mejor y descubra su trayectoria vital… y de paso los espectadores.

 La veteranía a la que me refiero en el título de esta reseña podría parecer que va referida al personaje de De Niro. Siendo así, la extiendo a la de Meyers y a la de De Niro actor, que aquí demuestra su calidad interpretativa con un personaje alejado totalmente, y por igual, de sus personajes airados y violentos de los 70 como de sus caricaturas de este siglo XXI.


Finalmente hay que recordar que estamos ante un cuento de hadas empresarial con un veterano idealizado que nos gustaría adoptar y llevárnoslo a casa. Pero a diferencia de las vergonzantes odas al capitalismo que eran dos obras de la nefasta guionista neocon Alison Brosh Mckenna (‘El diablo viste de Prada’ y ‘Morning Glory’), Meyers es mucho más inteligente y, sin criticar el capitalismo subyacente en la trama, tampoco lo exalta. Le interesan más las personas que las ideas. En lugar de adoptar una polarización entre veteranos liberales de los 60-70 y jóvenes conservadores del nuevo milenio, la película versa sobre lo que cada uno le puede aportar al otro. La distancia que existe entre el desprecio del personaje de Rachel McAdams hacia Harrison Ford en ‘Morning Glory’ y la admiración de la bella Anne hacia De Niro es la diferencia entre el panfleto venenoso y la obra que observa la sociedad con perspicacia y lucidez.

SINOPSIS Y FICHA TÉCNICA

La joven dueña de un exitoso negocio online dedicado a la moda acepta a regañadientes que la compañía contrate como becario a un hombre de 70 años, pero poco a poco irá dándose cuenta de que ese hombre es alguien indispensable para la empresa.

Estados Unidos, 2015.- 121 minutos.- Director: Nancy Meyers.- Intérpretes: Anne Hathaway, Robert de Niro, Rene Russo. Nat Wolff, Drena De Niro, Adam DeVine, Wallis Currie-Wood, Anders Holm, Liz Celeste, Andrew Rannells, Zack Pearlman, Christine Evangelista, Elliot Villar, Linda Lavin, Peter Vack.- COMEDIA DRAMÁTICA

lunes, 16 de noviembre de 2015

¿QUE? ¿TANTO HACE YA? (1): 10 AÑOS DEL ESTRENO DE "KISS, KISS, BANG, BANG" (2005)

Hace 10 años (el 18 de Noviembre de 2005) se estrenaba este original film, dirigido por el guionista de Arma letal (1987) o del libreto mejor pagado en su momento El ultimo Boy Scout (1991). Mas recientemente dirigió Iron Man 3 y anuncia ahora un film neo-noir ambientado en los 70 con Ryan Gosling de protagonista, Nice guys (2016).

Reproduzco íntegramente y sin modificaciones la reseña que publique sobre la misma en la edición para Alicante de el diario EL MUNDO.


RECONFORTANTE EXCENTRICIDAD DE RABIOSO RITMO 

CALIFICACION: 3/5

Una agradable sorpresa dentro del panorama del cine comercial hollywoodiense por su sentido del puro entretenimiento lúdico y por su componente de homenaje-parodia al cine negro y sus constantes genéricas. La excusa argumental de arranque es especialmente intrascendente en esta ocasión ya que el film va pronto por otros derroteros.

El film es el debut del guionista Black, famoso en los 90 por firmar el guión más caro por aquel entonces, El último boy scout, y autor de los libretos de las cuatro partes de Arma letal o El último gran héroe) y se nota. Black firma y filma una película dirigida a un público que quizá ya no exista, refugiado en el apacible entorno casero del home cinema y que ya no tiene tiempo ni ganas de ir al cine. Un público que creció cinematográficamente con una cartelera en el que la estrella eran las películas de acción con el suficiente contenido para no sentir vergüenza ajena y en el que lo artesano suplía a la infografía. Una cartelera en la que la comercialidad no reñida con la calidad, la diversión no enfrentada a la inteligencia no era tan difícil de hallar como en la actualidad, cuando el público en busca de diversión, pero que ya no quiere saber nada de chiquilladas, lo tiene difícil entre tanto film sesudo y/o periférico, cine social triste y feo y cintas demasiado engoladas y cultas.

Y entonces llega el tal Black y nos regala hora y media de pura y brillante diversión. A medio camino entre la idolatría exacerbada y la parodia reflexiva sobre el género negro y el propio lenguaje cinematográfico y su interrelación con el espectador, la cinta nos embarca de forma frenética y arrolladora en una complicada trama que a veces es casi imposible de seguir (ni falta que hace, pues, salvando todas las distancias, ¿quién entiende totalmente el argumento de, por ejemplo, El sueño eterno?). En dicha trama los engaños, los secretos, los tiros y los besos se suceden, orquestados por unos locuaces y vivos diálogos que nos desbordan en ocasiones.

El tono a veces entre melancólico y nostálgico de la narración (esa memorable secuencia inicial en la piscina que no recuerda a los tiempos en que el gusto por el detalle y la ambientación todavía era algo valorado) es abruptamente interrumpido por ataques convulsivos de violencia que nos recuerdan que, a pesar de movernos en una divertida parodia, estamos en terrenos peligrosos y amenazantes. Pues la cinta es, ante todo, un virulento ataque al mundillo hollywoodiense, aquél que primero encumbró a Black y luego lo arrinconó cuando se volvió demasiado excéntrico y personal, es decir, la, allí, odiada raza del autor, especialmente si erige su estilo desde la comercialidad.

 La cinta podía haberse convertido en una excelente obra si todo estuviera a la altura del guión. Sin embargo, la narración es, en ocasiones, involuntariamente confusa, Black peca de creerse todavía bastante más brillante de lo que ya es y un poco de reposo no le hubiera venido nada mal al film para que el espectador pudiera degustar algunas esencias ocultas ante tanto aturullamiento.

 Pero el sentido homenaje al cine negro (con esos capítulos en los que se divide el film que llevan por título algunas de las grandes obras del género como La dama del lago o Adiós, muñeca), las notables interpretaciones de los injustamente arrinconados Kilmer y Downey, la sentida descripción de estos puros antihéroes que todavía pueden presumir de dignidad y su loable intento de escapar del mimetismo imperante en la actual producción yanqui en la que se huye como de la peste de todo lo que huele a peligrosa originalidad, nos hace saludar a este film como uno de los más reconfortantes productos comerciales del año.




  FICHA TECNICA Y SINOPSIS
Estados Unidos, 2005.- 102 minutos.- Dirección: Shane Black.- Intérpretes: Robert Downey Jr., Val Kilmer, Michelle Monagahan, Corbin Bernsen.- ACCION.- Harry Lockhart es un ladrón de poca monta quiere hacer lo correcto, pero siempre lo deja para mañana. Mientras huye de la policía, tras hacer las compras navideñas a su manera, se ve metido, sin querer, en una audición para una película de detectives de Hollywood. A Harry le adjudican el duro detective privado Perry Van Shrike, para que le prepare para su prueba para un papel que tiene casi asegurado. Parece cosa del destino cuando el ladrón que intenta hacerse pasar por detective se cruza con Harmony Faith Lane, una aspirante a actriz que necesita ayuda.

jueves, 12 de noviembre de 2015

PELICULAS OLVIDADAS (21): HARRY Y TONTO –HARRY AND TONTO- (1974)

Cuando me preguntan porque me gusta tanto el cine de los 60 y 70, películas como ésta son la respuesta. El recientemente fallecido Mazurski es un director capaz de lo mejor (Una mujer descasada, Proxima parada Greenwich Village) y de lo peor (Alex in wonderland)…y muchas veces responsable de obras interesantes pero fallidas (Bob y Carol, Ted y Alice).



 Siempre atento a su sociedad, este judío neoyorkino consigue su obra más redonda, más humana, más imperecedera (dentro de una filmografía voluntariamente coyuntural) con las peripecias de este anciano que decide rebelarse contra su previsible destino de geriátrico o vagar de casa en casa de sus hijos y lanzarse a la carretera junto a su gato Tonto. En ese viaje no sólo descubrimos la tan fascinante como desorientada América de los 70 sino, sobre todo, lo que significa ser viejo dentro de una locura colectiva (que aumentado y se ha extendido hacia los niños) por la juventud como paradigma de perfección.


Desde los primeros planos de ancianos dejando pasar las horas en un barrio popular de Nueva York queda claro que el film va a significar, ante todo, un homenaje a un colectivo que es veneno para la taquilla: la tercera edad. Con una naturalista puesta en escena Mazurski consigue con aparente facilidad lo que ahora es un trabajo titánico: saber que estás viendo una obra de ficción pero llegar a olvidarlo y sentir que asistes a la vida, no a la “vida real” del cine de datos de hoy en día, sino LA VIDA y su significado si es que lo tiene. Mención aparte merece la interpretación de Art Cartney, merecido ganador del Oscar, aunque el gato tampoco lo hace nada mal.

 Critica en español en el blog gitanesque

 Crítica de Roger Ebert en inglés

 Ficha de la peli


 Veredicto: Imprescindible. Una de las principales underrated movies (películas infravaloradas) de los 70.



70.

miércoles, 11 de noviembre de 2015

EL CINE QUE NOS VIENE (6): "POINT BREAK-SIN LIMITES-" (2015)

¿Es necesario un remake de la peli de acción de 1991 dirigida por la Bigelow (La noche más oscura, The hurt locker), titulada en España, Le llaman Bodhi?. Seguramente no. Pero, por lo menos a mí, no me molesta.

El avance de las técnicas cinematográficas le puede venir muy bien a esta nueva versión y poder disfrutar en pantalla grande de uno de los grandes espectáculos de la lucha del hombre contra la naturaleza (el surf) es una gozada por muy mala que sea la cinta.

Además es cine policíaco, de atracos, vamos del que me mola. Y el director demostró su pulso en la infravalorada Invencible (2006).  Los nuevos protagonistas no sé si superaran el carisma de Reeves y Swayze porque para superar sus cualidades interpretativas tampoco hay que correr mucho.



Fecha de estreno: 1 de Enero de 2016

EL CINE QUE NOS VIENE (2): THE WALK de Robert Zemeckis

El documental "Man on wire" es una de las mejores películas de lo que va de siglo XXI. Zemeckis se atreve a contar la misma historia con actores. El trailer da muchas ganas de verla y Joseph Gordon-Levitt es uno de mis actores favoritos actuales pero es muy posible que palidezca ante el documental.



Fecha de estreno: 25 de Diciembre de 2015


martes, 10 de noviembre de 2015

LA VERDAD (TRUTH) -2015-

 La película es lo suficientemente inteligente para, partiendo de lo particular llegar a lo universal. Al principio parece otra maldita cinta de datos sin alma (el cine americano actual…y el ciudadano americano actual, si nos ponemos) pero con paciencias y sin prisas va llegando a un tercio final en el que se constata lo contrario: la obsesión por los datos y su veracidad sirve como cortina de humo como montaña de papeles cuyo objetivo es tapar la verdad.


LOS PUTOS DATOS QUE NOS DESPISTAN DE LO ESENCIAL. 

Calificación: 3/5 



Con todos sus defectos (variados y alguno grave como un grotesco dialogo en el que se explica de manera simplista la razón de un rasgo de la personalidad del personaje de Blanchett, tratando de tontos a los espectadores) el debut tras la cámara del guionista de cintas como Basic, Zodiac o Asalto al poder -pero también de las dos lamentables partes del reboot de Spiderman de 2012 y 2014- se salda con un resultado positivo.

 Si tenemos en cuenta su condición de novato, y lo arriesgado de hacer cine de denuncia cuando a casi nadie le interesa, hay que aplaudir que Vanderbilt haya tomado estos riesgos y haya saldado su trabajo con un aprobado alto. Es cierto que queda por debajo de obras maestras del subgénero como Todos los hombres del presidente pero en algunos aspectos es más incisiva que ésta, ya que los nuestros son tiempos más descreídos que aquéllos.

El film cuenta con varios hándicaps para atraer y satisfacer al público europeo. En primer lugar, los acontecimientos que se narran fueron célebres en Estados Unidos pero pasaron desapercibidos por Europa. Quizá, porque a este lado del charco, y especialmente a orillas del Mediterraneo, tenemos claro que los poderosos son corruptos, tienen privilegios y nada se puede hacer para cambiar ese status quo. Los demás sólo aspiramos a que las migajas que nos dejan nos sean suficientes para no malvivir. En segundo lugar, y a colación de lo anterior, que el hijo de una de las familias más importantes del país más poderoso de la Tierra utilizara sus influencias para no ir a una guerra incentivada por esas mismas familias nos parece ¿lógico? ¿normal? ¿obvio? Por tanto, el escandalo tampoco nos hace rasgarnos las vestiduras.

Sin embargo, la película es lo suficientemente inteligente para, partiendo de lo particular llegar a lo universal. Al principio parece otra maldita cinta de datos sin alma (el cine americano actual…y el ciudadano americano actual, si nos ponemos) pero con paciencias y sin prisas va llegando a un tercio final en el que se constata lo contrario: la obsesión por los datos y su veracidad sirve como cortina de humo como montaña de papeles cuyo objetivo es tapar la verdad. En una cinta no especialmente discursiva y que explica diáfanamente una historia compleja si hay tres diálogos-discursos sobre la libertad de prensa, la nefasta relación entre dinero y periodismo y, por último, las estratagemas para ocultar la verdad y producir ruido mediático. Estos funcionan de manera diversa. El primero protagonizado por Topher Grace es el más fallido con molesta tendencia al histrionismo perjudicado por un doblador francamente mejorable. El segundo es el más sosegado, sabio, cómo no protagonizado por mi idolatrado Redford. El tercero es el más brillante, lúcido y perdurable y recae sobre Blachett. La calidad de las interpretaciones siguen también ese crescendo: de la mediocridad de Grace, pasando por la veteranía lúcida de Redford, a la grandiosidad de Blanchett.

Por último, señalar que, al igual que Blanchett acude a la entrevista final preparada para que no la pillen en ningún renuncio y que no se le vea el plumero liberal, la cinta presenta tres o cuatro escenas concebidas con la única intención de “demostrar” algo que no existe: la objetividad. Especialmente significativa es la relación entre los personajes de Grace y Quaid. Estos momentos perjudican más que ayudan pero son imprescindibles en el contexto actual en el que se da por hecho que los autores conservadores “son así” pero no hay tregua para los progresistas.

En definitiva, cine necesario y preocupado por nuestra sociedad que, paradójicamente, interesa ya a muy pocos. Como dijo hace poco una líder estudiantil refiriéndose a parte de los universitarios: “Están tan enajenados que ni se plantean luchar por sus derechos”. Pues eso.



FICHA TECNICA Y SINOPSIS

Estados Unidos, 2015.- 121 minutos.- Director: James Vanderbilt.- Intérpretes: Cate Blanchett, Robert Redford, Topher Grace, Elisabeth Moss, Dennis Quaid, Bruce Greenwood, John Benjamin Hickey, Stacy Keach, Martin Sacks, Nicholas Hope, Aaron Glenane. DRAMA PERIODISTICO.- Víspera de las elecciones estadounidenses de 2004. El país se encuentra inmerso en la guerra contra Iraq y Afganistán, y todo apunta a que George W. Bush va a ser reelegido presidente de los Estados Unidos. La productora de noticias de la CBS Mary Mapes y su socio, el presentador Dan Rather descubren una historia que podría cambiar el curso de las elecciones: Bush había utilizado todo tipo de influencias para evitar ir a la guerra de Vietnam. La emisión de un programa especial con la información desata una tormenta informativa que llevará a Mapes y Rather a pelear para demostrar la veracidad de su noticia y defender los valores de la verdad por encima de los intereses políticos y económicos que se esconden detrás de los medios de comunicación.

jueves, 5 de noviembre de 2015

PELICULAS OLVIDADAS (20): BEEMAN, EL MAGNIFICO –GET TO KNOW YOUR RABBIT- (1972)

 Como seguidor de Brian de Palma llevaba tiempo detrás de este film pero a la vez el tráiler y el argumento me echaban para atrás. Por fin me decidí a verla porque salía mi adorada Katherine Ross (Elaine en El graduado).


Funciona a medias la historia de este publicista harto de no tener tiempo para sus sueños que un día decide aprender magia (de la mano de un insuperable profesor, Orson Welles en uno de sus pequeños papeles de los 60 y 70) y lanzarse a la carretera yendo de garito malo a garito peor pero siendo feliz.

Pero el guión de un tipo de Wichita Jordan Crittenden (que sólo firmo un telefilm y algunos capítulos de la mítica Enredo) es tan subversivo y loco que compensa desajustes de ritmo. De Palma practicaba para obras mejores como Hermanas y, sobre todo, El fantasma del paraíso, que llegarían poco después.

 informacion en español sobre la peli

 información en inglés sobre la peli

ficha técnica, artistica y sinopsis de la peli

 Veredicto: Para cinéfilos arriesgados. No es ni mucho menos perfecta y dedica demasiado tiempo a los poco interesantes viajes del protagonista por la geografía americana…pero es tan visionaria y caustica con la comercialización de los sueños de libertad que vale la pena.



miércoles, 4 de noviembre de 2015

EL CINE QUE VIENE (1): "STEVE JOBS" de Danny Boyle

Fassbender haciendo de Steve Jobs ¿Creeis que lo hará mejor que Ashton Kutcher? ¿Pregunta obvia?




Fecha de estreno: 1 de Enero de 2016


martes, 3 de noviembre de 2015

BLACK MASS: ESTRICTAMENTE CRIMINAL -BLACK MASS- (2015)

 La mayoría de lo que vemos en pantalla ya los nos lo ofrecieron con mucho más talento Scorsese, Lumet o De Palma en cintas como Uno de los nuestros, Serpico o El precio del poder. ¿Qué se salva? Las interpretaciones a pesar del látex y algo sí muy novedoso: pocas veces se había mostrado tan bien como se inocula en el ser humano el veneno de la corrupción casi de manera inconsciente mezclada con conceptos como el honor y la lealtad.


UNA HISTORIA REAL QUE HUELE A FALSA 

Calificación: 2,5/5 


Black mass.- Estados Unidos, 2015.- 122 minutos.- Director: Scott Cooper.- Intérpretes: Johnny Depp, Dakota Johnson, Joel Edgerton, Juno Temple, Benedict Cumberbatch, Kevin Bacon, Peter Sarsgaard, Jesse Plemons, Rory Cochrane, Julianne Nicholson.– THRILLER DRAMATICO.- Me encanta el cine de gangsters y mucho más si se desarrolla en Estados Unidos…y no te quiero contar si está ambientado en los años 70. Pero coincido plenamente con el crítico del New York Times: "Soy tan susceptible al atractivo visceral de una buena película de gángsters como cualquier otro sedentario fantasioso con aversión a los conflictos. Pero 'Black Mass' no es una de ellas.". Desde luego que no. Que yo me aburra en algunos pasajes de un film de gangsters es un síntoma de que esta cinta no funciona tan bien como debiera.

 La mayoría de lo que vemos en pantalla ya los nos lo ofrecieron con mucho más talento Scorsese, Lumet o De Palma en cintas como Uno de los nuestros, Serpico o El precio del poder. Scott Cooper y sus guionistas no saben imprimir la suficiente garra a los fotogramas y nos recrean como (¿cuatro, cinco veces?) la archiconocida estrategia mafiosa de camelarse a uno de sus miembros o colaboradores haciéndoles creer que van a ajusticiar a un traidor cuando el traidor es él y él es el que acaba siendo asesinado. Señor Cooper ¿Qué interés pensó que podían tener esas secuencias para el público potencial de este film, en general, espectadores curtidos en el género?

Tampoco se saca partido de la ambientación en los 70. Como estos cada vez están más lejos, imagino que es difícil encontrar buenas y creíbles localizaciones. Por ello, el film peca de planos cortos, cerrados y no notamos el latido de la ciudad, siempre un personaje más en este género. Además, Cooper contaminado por el virus mortal para el espectáculo cinematográfico de la contención narrativa, no nos hace disfrutar de esos montajes paralelos con grua, steady-cam y demás derroche técnico al son de un rabioso éxito musical de la época (como Scorsese y sus pupilos, el aventajado Paul Thomas Anderson y el limitado David O´Rusell)

Por otra parte, algunos actores están sepultados bajo toneladas de maquillaje y látex a causa de otra manía cansina del cine actual: la obsesión por intentar que los actores que dan vida a protagonistas de historias reales sean clones de las personas. Sin embargo, en Argo ya se demostró que un cierto parecido físico y toques de maquillaje es más que suficiente y lo contrario contraproducente. Black Mass empieza con la confesión de un tipo con más aspecto de hombre elefante que de mafioso y eso nos saca del film desde el minuto 1. Por todo ello, éste es el paradigmático ejemplo de film basado en un caso real que acaba pareciendo más falso que un guion concebido en la mente de un guionista. ¿Eso que es lo que es? Algo que se hacía en Hollywood hasta que éste se llenó de adaptaciones, remakes, sagas, reboots y otras mierdas por el estilo.

Para completar los defectos, el final es brutalmente anticlimático. La parte central se alarga y se alarga pareciendo que va a llegar a algo interesante y llega al típico final que todos conocemos. Por el medio los consabidos ajustes de cuentas antes mencionados.

¿Qué se salva? Las interpretaciones a pesar del látex y algo sí muy novedoso: pocas veces se había mostrado tan bien como se inocula en el ser humano el veneno de la corrupción casi de manera inconsciente mezclada con conceptos como el honor y la lealtad. Ahí sí que funciona el film y Cooper debería haber profundizado en ese camino en lugar de empeñarse en imitar (mal) a Scorsese.


Por cierto, aunque Sienna Miller cambia constantemente de imagen y es difícil reconocerla en sus pequeños papeles no la busquen en este film aunque aparece en muchas fichas técnicas: sus escenas fueron eliminadas del montaje final. Menos mal que lo he descubierto porque pensé que chocheaba más de lo normal.

Boston, años 70. El agente del FBI John Connolly convence a Whitey Bulger, un mafioso irlandés que acaba de salir de la cárcel, para que colabore con el FBI con el fin de eliminar a un enemigo común: la mafia italiana. Esta nefasta alianza provoca una espiral de violencia que permite a Whitey eludir el control de la ley, consolidar su poder y convertirse en uno de los más implacables y poderosos gángsteres de la historia de Boston.