viernes, 30 de enero de 2015

ESTRENOS 30 DE ENERO DE 2015

Muchos estrenos para esta semana y algunos hasta interesantes. Cinco americanas (dos thrillers, un drama, una ciencia ficción y un musical), una japonesa y una española completan el, sobre el papel, atractivo menú. 


"NIGHTCRAWLER" 


 Llega el aplaudido debut tras la cámara de Dan Gilroy, el guionista de El legado de Bourne, Acero Puro, El sueño de Alexandria y Apostando al límite. Gilroy ha mamado Hollywood desde pequeño ya que tanto padre como sus hermanos son también reputados guionistas y/o directores. Aquí Dan cuenta con su pareja sentimental Rene Russo y con el camaleónico Jake Gyllenhaal (otra saga familiar hollywoodiense) como protagonista. Tras ser testigo de un accidente, Lou Bloom, un apasionado joven que no consigue encontrar trabajo, descubre el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Ángeles.

"ALMA SALVAJE" 

 El nuevo film del canadiense Jean-Marc Vallée (CRAZY, La reina Victoria, Café de floré y Dallas Buyers Club) adapta la autobiografía de Cheryl Strayed que tras una serie de trágicas experiencias personales, recorre en solitario más de mil kilómetros a través del desierto de Mojave en un intento de encontrarse a sí misma. Tanto los premios como las críticas han destacado las interpretaciones de las dos protagonistas, Reese Witherspoon y Laura Dern. 

"BLACKHAT. AMENAZA EN LA RED" 


 Aunque el autor de Heat, Ladrón, Collateral, El dilema o El último mohicano no pasa por su mejor momento, nunca se debe despreciar la nueva película de un director con la fuerza visual de Mann. El reparto tampoco es que sea muy atractivo (Chris Hemsworth y Viola Davis) Thriller cibernético en el que varios agentes norteamericanos y chinos, con ayuda de un convicto liberado, se unen para detener a un misterioso hacker. Todo comienza cuando los gobiernos de Estados Unidos y China se ven obligados a cooperar por el bien de la seguridad nacional de ambas potencias. El motivo: una fuerte amenaza informática está poniendo en riesgo las vidas y el futuro de la población; delitos informáticos de alto nivel para los que deberán recurrir a sus mejores agentes de campo si quieren llegar a tiempo para evitar lo peor.

 "PROJECT ALMANAC" 


 Los viajes en el tiempo fascinan a todas las generaciones. Cambian las formas (cámara en mano, metraje encontrado) pero se mantiene la fantasía principal. Las críticas hablan de una primera mitad interesante que se va al garete por la acumulación de clichés. Un grupo de jóvenes se embarca en una aventura cuando descubren planes secretos para construir una máquina del tiempo, que utilizarán para arreglar sus problemas y obtener beneficios personales.

"ANNIE" 


 Quvenzhane Wallis, Jamie Foxx, Rose Byrne, Bobby Cannavale, Cameron Diaz…Nombres atractivos para un remake que nadie ha pedido. La peli original de John Huston ya era bastante lamentable (tuvo cinco nominaciones a los Razzie) aunque nunca he visto el musical ni he leído el comic. La guionista Aline Brosh McKenna representa el ala más conservadora de Hollywood con pornografías capitalistas como El diablo viste de Prada o Morning glory. Musical sobre una huérfana que conoce a un rico financiero. Este encuentro cambiará para siempre sus vidas. Remake del musical "Annie", adaptado a la época moderna y con música de Jay-Z.

"CAPITAN HARLOCK" 


 Cinco años de producción, 896 terminales empleados, 806 dispositivos usados para renderizar 1.400 planos; los números de Space Pirate: Captain Harlock son impresionantes. No es para menos: la expectación ante el reboot del manga de Leiji Matsumoto en un universo tridimensional era altísima, y el equipo del filme se ha asegurado de que ningún fan quede decepcionado, manteniendo la esencia de las aventuras de este pirata del espacio y proporcionando un baño de tecnología CGI que ha despertado la admiración del mismísimo James Cameron. Esto es lo que dice la información de la distribuidora de este manga japonés. ¿Habrá que creérselo?

"LAS OVEJAS NO PIERDEN EL TREN" 

 Alvaro Fernández Armero hizo un corto (El columpio) y una peli (Todo es mentira) bastante dignos. El resto de su filmografía sería suficiente motivo para prohibirle ponerse de nuevo tras la cámara (Brujas, El arte de morir, El juego de la verdad, Salir pitando) pero el tío insiste aunque últimamente se había refugiado en la televisión y había dejado de profanar las salas de cine. Luisa (Inma Cuesta) y Alberto (Raúl Arévalo) se han visto obligados a irse a vivir al campo, pero la idílica vida rural enseguida empieza a mostrar su cara menos amable. A pesar de que la pareja no atraviesa por sus mejores momentos, Luisa está obsesionada con tener un segundo hijo, aunque el precio sea el sexo más apático imaginable. Quien ni se plantea pisar el campo es Juan (Alberto San Juan), el hermano de Alberto, periodista en horas bajas que, con 45 años, sale con Natalia (Irene Escolar), una joven entusiasta de 25 años en la que Juan ve una tabla de salvación. Por su parte la hermana de Luisa, Sara (Candela Peña), está acostumbrada a canalizar su ansiedad a través de los hombres, con quienes no acaba de encajar, hasta que aparece Paco (Jorge Bosch), un periodista deportivo que parece incluso dispuesto a llevarla al altar. O eso cree ella.

jueves, 29 de enero de 2015

AUTOMATA (2014)

Aunque el film tiene un inicio más que decente, apoyado por un diseño de producción bastante acertado a pesar de lo ajustado de su presupuesto, y un desarrollo de la acción medianamente interesante, la historia que se nos plantea en Autómata se va a pique poco antes de iniciarse la segunda mitad de la cinta.


¿SUEÑAN LOS ANDROIDES CON…? 

 CALIFICACIÓN: 1’5/5 




Por José Antonio Pérez.

España, 2014 - 110 minutos. - Director: Gabe Ibáñez – Intérpretes: Antonio Banderas, Brigitte Hjort Sørensen, Melanie Griffith, Dylan McDermott, Robert Foster, Tim McInnerny, David Ryal.
CIENCIA FICCIÓN.- Teniendo en cuenta que el cine español pocas veces se adentra en los terrenos de la ciencia ficción, siempre es de agradecer que una producción autóctona se atreva con el género, por mucho que las inevitables comparaciones del film con un clásico como es Blade Runner jueguen en su contra desde el principio. Y es que la sombra del film de Ridley Scott es demasiado alargada para Autómata, si bien su director y guionista Gabe Ibáñez introduce algunos cambios relativamente sustanciales con el fin de separarse del clásico de los ochenta y así concretar un universo propio.

De esta forma nos encontramos con un futuro no muy lejano, en el que nuestro planeta sufre una creciente desertización. Los humanos se ayudan de robots para combatirla, a pesar de lo cual la población acaba disminuyendo de forma alarmante. Una aseguradora es la encargada de controlar a estos robots y Jacq Vaucan (Antonio Banderas) es uno de sus agentes. En una inspección rutinaria se encuentra con un robot que todo apunta a que ha sido modificado, lo que hace que empiece a adquirir consciencia propia.

Aunque el film tiene un inicio más que decente, apoyado por un diseño de producción bastante acertado a pesar de lo ajustado de su presupuesto, y un desarrollo de la acción medianamente interesante, la historia que se nos plantea en Autómata se va a pique poco antes de iniciarse la segunda mitad de la cinta. Una vez presentados sus planteamientos y los personajes principales, la acción se aleja de esta ciudad repleta de anuncios continuos y con una persistente lluvia radioactiva (más comparaciones con Blade Runner). Llegados a ese punto el ritmo del film se atasca y la narración comienza una huida hacia delante, con algunas tramas (como la de la esposa) que no aportan nada, otras que terminan antes de empezar (como las protagonizadas por Griffith y McDermott) y soluciones argumentales poco acertadas, que llega hasta un final poco imaginativo y con escenas de acción mal rodadas.


Es encomiable el esfuerzo de sus responsables por hacer un film de ciencia ficción con ciertos matices de reflexión y crítica social, pero Autómata merecía un guión mejor trabajado que evitara los lugares comunes (esos malos de opereta…) y que supiera sacar partido a esta historia post-apocalíptica. Podría haberse quedado en un homenaje bastante decente, en una producción pequeña y consciente de sus limitaciones, pero que aportara una visión distinta de un mismo tema. Y lo intenta, pero no lo consigue.

miércoles, 28 de enero de 2015

SIEMPRE ALICE (STILL ALICE) -2014-

A pesar de sus muchos defectos, Siempre Alice es un film sencillo y bien narrado que, que en ningún momento tiene la pretensión de ser más de lo que es y que tiene en su actriz principal su principal valor. Julianne Moore da un recital interpretativo con el que se ha ganado merecidamente su nominación al Oscar (y no sería de extrañar que también la dorada estatuilla).


PERDIENDO RECUERDOS, PERDIENDO PALABRAS

CALIFICACIÓN: 2/5


Por José Antonio Pérez.

Estados Unidos, 2014 - 101 minutos. - Director: Richard Glatzer, Daniel Westmoreland – Intérpretes: Julianne Moore, Alec Baldwin, Kristen Stewart, Kate Bosworth, Hunter Parrish. DRAMA  La enfermedad de Alzheimer ha sido tratada en varias ocasiones en el cine. Películas como Iris o Amour han abordado el tema, narrando la incidencia de la enfermedad en la persona, pero centrándose principalmente en el impacto que supone para la familia y el duro paso de tener que enfrentarse al progresivo deterioro neuronal del ser querido. En el caso de Siempre Alice no nos vamos a encontrar con prácticamente nada que no hayamos visto en las películas ya mencionadas.

 Basada en la novela homónima de Lisa Genova, Siempre Alice narra la historia de la mujer del título, una profesora de lingüística a la que se le diagnostica una etapa inicial de la enfermedad de Alzheimer. Y es precisamente en la cuestión lingüística en la que este film centra en un principio su desarrollo, narrando cómo esta mujer va perdiendo poco a poco e irremediablemente una de las cosas que más le importa: la palabra. El discurso que lee en un momento dado del film (sin duda el más emotivo) es el mejor ejemplo de cómo se siente Alice al ir experimentando el avance de su enfermedad.

Sin embargo, aunque no llegan a perder de vista el tema lingüístico, sus directores y guionistas acaban por sucumbir un enfoque más convencional, mostrando los lugares más comunes del drama. La aceptación de la enfermedad, el marido que ha de abandonar su trabajo para cuidar de su mujer, los hijos que van viendo cómo van perdiendo a su madre… todo ello se ve reflejado en este film que en su desarrollo deja caer la posibilidad de un giro interesante (y polémico) que al final es solucionado de manera coherente aunque un tanto cobarde.

 A pesar de sus muchos defectos, Siempre Alice es un film sencillo y bien narrado que, que en ningún momento tiene la pretensión de ser más de lo que es y que tiene en su actriz principal su principal valor. Julianne Moore da un recital interpretativo con el que se ha ganado merecidamente su nominación al Oscar (y no sería de extrañar que también la dorada estatuilla), mostrando perfectamente los matices de su personaje en todo su proceso de deterioro. Tanto que a su lado el resto del reparto no sólo queda en un segundo y muy discreto lugar sino que en algunos casos (como el de la ‘crepusculita’ Kristen Stewart) quedan a la altura del betún.


Una profesora descubre que está sufriendo la etapa inicial de la enfermedad de Alzheimer.

martes, 27 de enero de 2015

BOYHOOD -2014-

Aprovechando que se trata de la muy probable ganadora de los Oscars 2014 y, sobre todo, que la cinta ha sido reestrenada para que los rezagados que todavía no la han visto puedan recuperarla antes de la gala hollywoodiense, recuperamos la reseña de "Boyhood" que publicamos en Octubre pasado.



UN COLOSAL ESFUERZO QUE NO SE PLASMA TOTALMENTE EN LA PANTALLA.

CALIFICACION: 3/5



Por Luis López.

Estados Unidos, 2013.- 165 minutos.- Director: Richard Linklater.- Intérpretes: Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Jordan Howard,Tamara Jolaine, Zoe Graham, Tyler Strother, Evie Thompson, Tess Allen, Megan Devine, Fernando Lara, Elijah Smith.- DRAMA COSTUMBRISTA.- Siempre he sido partidario de valorar no sólo los resultados sino también las intenciones de una persona o trabajo. Por ello considero que la osadía casi suicida de Linklater ya merece un efusivo y generalizado aplauso. Rodar durante 12 años (2002-2013) con el mismo equipo técnico y artístico, lograr el compromiso de todos ellos para reunirse una semana al año y conseguir que, más allá de contratos, el protagonista mantuviera el interés y la predisposición en etapas tan volubles del ser humano como la infancia, pubertad y adolescencia dan testimonio de una constancia y capacidad de trabajo al alcance de pocos en esta profesión. Sin olvidar la ingente y dolorosa labor de montaje a la hora de comprimir las horas y horas de metraje en las definitivas dos horas y media definitivas.

¿El resultado? Interesante pero, en mi opinión de un solo visionado, no magistral. Como la vida misma, la cinta presenta pasajes excepcionales junto a otros más flojos o aburridos. La infancia y pubertad parecen más auténticamente plasmadas que la adolescencia que presenta más tópicos y, mientras que echamos de menos más información sobre ciertos personajes y pasajes otros pueden resultar redundantes o poco apasionantes. Por ejemplo, la relación entre Hawke y sus hijos funciona muy bien en pantalla al igual que el segmento dedicado al padrastro del protagonista, en el que se alcanzan los mayores niveles de dramatismo. Sin embargo, el personaje de Arquette queda algo diluido hasta su notable monologo final y el propio protagonista parece perder interés conforme crece. Por ello, a pesar de la larga duración, nos queda la sensación de que nos faltan algunos datos o peripecias fundamentales, lo cual, probablemente, sea intencionado. Quizá en posteriores visionados estas sensaciones frustrantes se tornen en satisfactorias ya que es un film especialmente propenso a ser recibido o interpretado de manera cambiante según nuestro estado de ánimo o momento vital.

 Por otro lado, me gustaría añadir una reflexión de corte cinemático. El paso del tiempo en el cine es un tema que me apasiona. Las razones intangibles por las cuales en algunos films sentimos el paso del tiempo y en otros no cuando, en realidad, los instrumentos usados para conseguirlo no difieren demasiado de una obra a otra (maquillaje, ambientación, guión, interpretación…). Sin embargo, en unos films es creíble y hasta emocionante y en otros falso y casi ridículo. Boyhood es la primera película que yo recuerde que usa recursos totalmente diferentes: los niños se convierten en adultos y los adultos envejecen ante nuestros ojos gracias al plan de rodaje de 12 años. Sin embargo, lo hacen de manera tan frenética y “realista” que, al menos para mí, resulta menos creíble en el contexto cinemático. Es decir, estoy tan acostumbrado a que los actores envejezcan gracias al maquillaje que me resultó extrañísimo que lo hagan de manera tan natural.

A pesar de todo ello, recomiendo el film a todo aficionado interesado en un cine alejado del típico blockbuster mimético con el que tanto nos machaca Hollywood en las últimas décadas.

 El film nos cuenta la evolución vital de un niño anónimo -hasta ahora- al que vemos convertirse en un joven ante nuestros ojos: mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, bodas, diferentes colegios, primeros amores, también desilusiones, momentos maravillosos, de miedo y de una constante mezcla de desgarro y sorpresa. Un viaje íntimo y épico por la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo.

viernes, 23 de enero de 2015

ESTRENOS DEL 23 DE ENERO DE 2015

Tras dos semanas de estrenos "oscarizables” llega un fin de semana de transición para que los espectadores que quieran ver aquellos tengan un margen y los que pasen de los Oscars tengan opciones menos comerciales. Sólo un film americano con el que compiten 5 peliculas europeas (dos españolas, una alemana, una británica y una francesa. 



"CAMINO A LA ESCUELA" 

 Estreno exclusivo para la ciudad de Alicante en los cines Panoramis. 


La película cuenta con el patrocinio y apoyo de la UNESCO e UNICEF y llega a España con un programa pedagógico para escolares. Documental francés que narra la historia real y extraordinaria de cuatro niños, Jackson, Carlitos, Zahira y Samuel, que deben enfrentarse diariamente a numerosas dificultades y peligros para llegar a la escuela. Los niños viven en cuatro zonas muy alejadas entre sí, pero comparten las mismas ganas de aprender y saben perfectamente que sólo la educación les abrirá las puertas de un futuro mejor.

 "INTO THE WOODS" 

Llega a nuestras pantallas este musical entremezcla argumentos de distintos cuentos de los Hermanos Grimm (Cenicienta, Caperucita Roja, Rapunzel) intentando analizar las consecuencias de los actos y deseos de sus protagonistas. El gran éxito de Broadway con la música de Stephen Sondheim (Los miserables) ha gustado más a la crítica que al público. El experto en musicales que no me llegan a convencer Rob Marshall (Nine, Chicago) ha contado con un reparto de lujo: Meryl Streep, Emily Blunt, James Corden, Anna Kendrick, Chris Pine, Johnny Depp. El sello Disney estará presente para lo bueo y lo malo en este film que sólo tiene sentido verlo en pantalla grande. 

 "NO LLORES, VUELA" 


El nuevo film de la sobrina de Mario Vargas Llosa, Claudia, nos narra como un accidente marca y distancia a una madre (Jennifer Connelly) y a un hijo (Cillian Murphy). Ella llega a ser una famosa artista; él, un peculiar cetrero que vive marcado por una doble ausencia. Una joven periodista (Mélanie Laurent) propicia un encuentro entre ambos, que los lleva a plantearse la posibilidad de entender el sentido de la vida y del arte a pesar de las incertidumbres. Yo si sale mi Jennifer voy a verla sin duda pero los films anteriores de la directora (Madeinusa y La teta asustada) eran, para mi gusto, demasiado discursivos e ideológicos, prevaleciendo el mensaje sobre la narración cinematográfica. 


 "AUTOMATA" 


 No ha gustado ni a público ni a crítica y parece que el esfuerzo de producción y artístico no se ha saldado con éxito. Una pena porque era un proyecto esperanzador y diferente en el cine español. En un futuro no muy lejano, en el que la Tierra sufre una creciente desertización, Jacq Vaucan (Antonio Banderas), un agente de seguros de una compañía de robótica, investiga un caso aparentemente rutinario cuando descubre algo que podría tener consecuencias decisivas para el futuro de la humanidad. Banderas produce y protagoniza este thriller futurista, que especula sobre lo que ocurriría si la inteligencia artificial superase a la humana.

 "LA CONSPIRACION DEL SILENCIO" 


 El cine alemán sigue revisando su historia reciente y ahora se centra en cómo importantes instituciones alemanas y algunos miembros del gobierno estuvieron involucrados en una conspiración cuyo fin era encubrir, ya entrados en los años 50, los crímenes de los nazis en la Segunda Guerra Mundial. 

 “`71” 


Un thriller dramático de producción británica que nos narra cómo en 1971, tras un motín, un joven soldado británico se extravía en las peligrosas calles de Belfast.

jueves, 22 de enero de 2015

LA TEORÍA DEL TODO (THE THEORY OF EVERYTHING) -2014-

EL TIEMPO DESDE UNA SILLA DE RUEDAS 

CALIFICACIÓN: 3/5


Es en el plano actoral donde La teoría del todo gana enteros. Primero por esa estupenda labor de transformación de un Eddie Remayne que aborda el personaje de Hawking con la suficiente contención para que no resulte excesiva. Y sobre todo por una sorprendente Felicity Jones en el papel de Jane, una mujer que ha de lidiar con una situación que en muchas ocasiones la supera y consigue salir adelante a base de pundonor; papel que Jones nos muestra con tal sencillez y amplitud de matices que hacen que por momentos se convierta en la verdadera protagonista del film. 


Por José Antonio Pérez.


Reino Unido, 2014 – 123 min. - Director: James Marsh – Intérpretes: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Charlie Cox, David Thewlis, Emily Watson. DRAMA.-  Basada en la novela Hacia el infinito escrita por Jane Hawking, la que fuera la primera mujer del astrofísico británico Stephen Hawking, La teoría del todo se adentra en la vida privada de la pareja durante los algo más de 25 años que estuvieron casados, mostrándonos no sólo sus principales logros sino principalmente el deterioro sufrido por Hawking a causa de su enfermedad y la complicada relación de ambos. El director James Marsh (realizador de ese más que recomendable documental que es Man on wire), opta aquí por un tono más convencional y académico para trasladar a la gran pantalla este melodrama que busca acercarnos a la persona más que al astrofísico. De hecho, sus aportaciones científicas, aunque presentes en la trama, quedan prácticamente relegadas a un segundo plano.

Una corrección formal que viene dada por el hecho de tratarse de un biopic (con lo bueno y lo malo que eso conlleva, ya que debe ajustarse a la historia) pero que le permite retratar esa relación de manera sencilla, sin subrayados excesivos y cierto toque de elegancia que está apoyado en una buena labor de producción. Sin embargo, es en el plano actoral donde ‘La teoría del todo’ gana enteros. Primero por esa estupenda labor de transformación de un Eddie Remayne que aborda el personaje de Hawking con la suficiente contención para que no resulte excesiva. Y sobre todo por una sorprendente Felicity Jones en el papel de Jane, una mujer que ha de lidiar con una situación que en muchas ocasiones la supera y consigue salir adelante a base de pundonor; papel que Jones nos muestra con tal sencillez y amplitud de matices que hacen que por momentos se convierta en la verdadera protagonista del film.

 La teoría del todo no es quizá la mejor opción para dar a conocer al Hawking científico (para eso quizá mejor sería adentrarse en las páginas de su libro Una breve historia del tiempo), pero sí para hacerse una buena idea de la persona que se encuentra tras esa figura brillante pero enferma y anclada desde muy pronto a una silla de ruedas. Y sobre todo de la mujer que estuvo a su lado contra viento y marea desde mucho antes de que se convirtiera en el indiscutible genio que es hoy en día.

Narra la relación entre el célebre astrofísico Stephen Hawking y su primera mujer, Jane, en la época en que ambos lucharon contra la enfermedad degenerativa que postró al famoso científico en una silla de ruedas.


miércoles, 21 de enero de 2015

WHIPLASH -2014-


Adaptando su propio corto de igual título y también protagonizado por J.K. Simmons, Chazelle consigue un primer difícil objetivo: que el film no parezca un cortometraje alargado. Pero, obviamente, los méritos de este film nominado a 5 Oscars no se quedan ahí. Huyendo del buenrollismo que se ha cargado la producción indie (y el mundo general, diría yo) en el film aparecen dolorosas verdades. 


IDEAS QUE YA NO APARECEN EN EL CINE DE HOLLYWOOD. 

Calificación: 3,5/5 

Por Luis López.



Estados Unidos, 2014.- 103 minutos.- Director: Damien Chazelle.- Intérpretes: Miles Teller, J.K. Simmons, Melissa Benoist, Paul Reiser, Austin Stowell, Jayson Blair, Kavita Patil.- DRAMA MUSICAL.- Impecablemente montada, dirigida e interpretada, el “casi” debut de Chazelle tras la cámara se salda con un pequeño triunfo cinematográfico. Aunque es cierto que debutó en 2009 con una verdadera película independiente, se puede considerar que el film que nos ocupa es su verdadera entrada en el mundo del largo.

Adaptando su propio corto de igual título y también protagonizado por J.K. Simmons, que se alzó con el premio de Sundance en dicha categoría, Chazelle, apoyado en la producción por Jason Reitman, consigue un primer difícil objetivo: que el film no parezca un cortometraje alargado. No es poco, porque suele ser la norma habitual en este tipo de proyectos.

Pero, obviamente, los méritos de este film nominado a 5 Oscars no se quedan ahí. El trabajo del nominado Simmons es espectacular y no se queda a la zaga un joven Teller (que ya me encantó en The Spectacular now y Project X) que resulta muy creíble como este baterista obsesionado con la excelencia. Por cierto, no se pierdan estas interpretaciones en versión original, si pueden.

Pero lo más interesante del film es su visión del mundo. Huyendo del buenrollismo que se ha cargado la producción indie (y el mundo general, diría yo) en el film aparecen dolorosas verdades. A saber. Que los educadores también son personas y tienen sus propias miserias y debilidades. Que el éxito personal y profesional son difíciles de compaginar. Que para llegar a la cima, además del talento, es necesario estar dispuesto a todo (y a renunciar a mucho) para conseguirlo. Es decir, casi nunca se puede llegar a la cima sin dejar algunos cadáveres (a veces el de la propia alma) por el camino aunque el citado buenrollismo intente hacernos creer que todo es brillante y luminoso en el camino hacia el éxito.

 Y, sobre todo, que el que nadie le diga a nadie que está haciendo las cosas mal (o no lo suficientemente bien) y que los que tienen la obligación de educar o encaminar a los más jóvenes hagan dejación de funciones es la raíz de gran parte de lo que no funciona en nuestra sociedad.


El objetivo de Andrew Neiman, un joven y ambicioso baterista de jazz, es triunfar en el elitista Conservatorio de Música de la Costa Este en el que estudia. Marcado por el fracaso de la carrera literaria de su padre, Andrew alberga sueños de grandeza. Terence Fletcher, un profesor conocido tanto por su talento como por sus rigurosos métodos de enseñanza, dirige el mejor conjunto de jazz del Conservatorio. Cuando Fletcher elige a Andrew para formar parte del conjunto musical que dirige, cambia para siempre la vida del joven.

martes, 20 de enero de 2015

VENGANZA 3 (TAKEN 3)

POR FAVOR, LIAM...DEJA YA DE VENGARTE

CALIFICACIÓN: 1/5 

Este batiburrillo de tramas, de situaciones y de soluciones argumentales de las de ‘esto es así porque lo pone en el guión’ no lo salva ni el siempre competente Liam Neeson, que se pasa buena parte de la película con cara de indiferencia, como esperando que esta saga de venganzas se acabe de una vez para poder pasar a cosas mucho mejores. Y no es el único.


Por José Antonio Pérez.

Francia, 2014 - 109 minutos. - Director: Olivier Megaton – Intérpretes: Liam Neeson, Framke Janssen, Maggie Grace, Forest Whitaker, Dougray Scott. THRILLER DE ACCIÓN.- Venganza fue una más que agradable sorpresa que llegó a los cines hace siete años. Contundente y con un ritmo trepidante, nos mostraba una nueva faceta del actor Liam Neeson como héroe de acción maduro que lleva explotando desde entonces.



Escrita y producida por Luc Besson nos presentaba a Brian Mills, un hombre con un pasado violento y oscuro, capaz de hacer cualquier cosa por salvar a su hija de unos mafiosos que la habían secuestrado.

Teniendo en cuenta su bajo presupuesto y el merecido éxito que tuvo, la secuela no se hizo esperar. Sin embargo, fue un auténtico fiasco que dejó a los fans de la primera entrega con un palmo de narices. Rutinaria, confusa y aburrida ‘Venganza 2: Conexión Estambul’ no se sostenía ni con la presencia de Neeson. La culpa era de un guión que parecía escrito a la carrera, en base a un montón de clichés del cine de acción y que no soportaba ni el más ligero análisis preliminar. Con todo, a la película también le fue bien en taquilla por lo que era cuestión de tiempo que sus responsables se pusieran de nuevo manos a la obra.

 Y aquí estamos, con Brian Mills vengándose nuevamente en Venganza 3, aunque esta vez no porque secuestren a su hija sino porque asesinan a su mujer y quieren que cargue con la culpa. Lo malo es que Luc Besson sigue escribiendo guiones como quien se prepara un café por la mañana (sólo hay que ver ‘Lucy’ o ‘3 días para matar’ para comprobarlo) y que el director sigue siendo el incompetente Olivier Megaton (lo del apellido ‘transformer’ tiene su guasa) el responsable de la infumable segunda entrega, por lo que el resultado es un ejercicio desganado, monótono, de cámara nerviosa y montaje hecho a base de hachazos.

Este batiburrillo de tramas, de situaciones y de soluciones argumentales de las de ‘esto es así porque lo pone en el guión’ no lo salva ni el siempre competente Liam Neeson, que se pasa buena parte de la película con cara de indiferencia, como esperando que esta saga de venganzas se acabe de una vez para poder pasar a cosas mucho mejores. Y no es el único.

La vida del ex-agente especial Bryan Mills se ve inesperadamente truncada tras el brutal asesinato de su ex mujer. Tras ser acusado de su muerte, se ve obligado a huir de la implacable persecución de la CIA, el FBI y la policía. Una vez más, deberá usar sus “habilidades especiales” para hacer justicia, dar caza a los verdaderos asesinos y proteger lo único que le queda en la vida: su hija. 

lunes, 19 de enero de 2015

CORAZONES DE ACERO (FURY) -2014-

Aunque la narración resulta algo desbravada al principio y casi siempre deslavazada, el film va cogiendo cuerpo a lo largo de la proyección y los personajes, prototípicos pero eficaces, consiguen que te preocupes por sus cantados destinos. 


Por Luis López Belda.

ALIENTO CLÁSICO TAN IRREGULAR COMO POTENTE. 

CALIFICACIÓN: 2,5/5 


Estados Unidos, 2014. Director: David Ayer.- Intérpretes: Brad Pitt, Logan Lerman, Shia LaBeouf, Jon Bernthal, Michael Peña, Xavier Samuel, Scott Eastwood, Jonathan Bailey. BÉLICO.- He de reconocer que el cine bélico no es uno de mis favoritos pero acudía con interés a ver la propuesta digna de alabar del tándem Ayer-Pitt ya que, todavía más que el western, se trata de un género en vías de extinción. 

Y la película aguanta el tipo y no desmerece exageradamente si la comparamos con las cimas del género. Si bien es cierto que la narración resulta algo desbravada al principio y casi siempre deslavazada (algo inherente a las historias episódicas centradas en campañas militares), el film va cogiendo cuerpo a lo largo de la proyección y los personajes, prototípicos pero eficaces, consiguen que te preocupes por sus cantados destinos. 

Si a eso añadimos un par de excelentes secuencias (el descubrimiento por parte del joven recluta del verdadero significado de la guerra, el encuentro con las dos jóvenes alemanas) estamos ante un entretenimiento de calidad que no pasará a la historia, ni lo busca, pero sí asegura dos horas de cine al estilo clásico con ciertos apuntes de modernidad. 


Abril de 1945. Al mando del veterano sargento Wardaddy, una brigada de cinco soldados americanos a bordo de un tanque -el Fury- ha de luchar contra un ejército nazi al borde de la desesperación, pues los alemanes saben que su derrota estaba ya cantada por aquel entonces, pero quieren morir, matando.

viernes, 16 de enero de 2015

ESTRENOS 16 DE ENERO DE 2015

Se nota que estamos en el mejor momento del año para ir al cine. 3 pequeñas candidatas a los Oscars y 3 cintas de cine palomitero anuncian dos meses de películas atractivas. Si además nos gustan ya sería la leche, como en el chiste. La vida de Stephen Hawking, un baterista con un profesor demasiado estricto y una profesora a la que le detectan un incipiente Alzheimer forman la parte seria del menú. Neeson que no se cansa de vengarse y dos cintas de terror muy distintas componen los platos que buscan el mero entretenimiento. 


"LA TEORÍA DEL TODO" 


 Una de las candidatas a los Oscars (y ganadora de 2 Globos de Oro) llega a nuestras pantallas. Tiene varias cosas a su favor para agradar a la Academia como al público que busca “cine de calidad”, sea lo que sea eso: basada en hechos reales, producción British e historia de superación…Y los que no se superan, que les den, por cierto, parece inferirse de este tipo de narraciones. El protagonista (visto en Los miserables y en Mi semana con Marilyn) ha estado a las órdenes de la principal baza para tener verdaderas esperanzas en este film: su director. James Marsh nos ha regalado dos magníficos documentales: Proyecto Nim y, sobre todo, Man on wire y producciones interesantes como The King o Red Riding 1980. Narra la relación entre el célebre astrofísico Stephen Hawking y su primera mujer Jane, en la época en que ambos lucharon contra la enfermedad degenerativa que postró al genio en una silla de ruedas.

 "WHIPLASH" 



Y aquí encontramos un concepto de producción opuesto al film anterior. Dentro de los parámetros del cine indie americano y con muchas más posibilidades en los Independent Spirit Awards que en los Oscars, nos llega el segundo film de un director muy interesado por el universo musical ya que, tanto en su debut como en su próximo film y en el que nos ocupa, todos sus argumentos se centran en esta arte que tanto nos ayuda a sobrevivir a este mundo a veces tan frío. El origen de Whiplash es un corto del mismo título que ya protagonizaba J.K. Simmons, ganador del globo de Oro al mejor actor secundario. El objetivo de Andrew Neiman, un joven y ambicioso baterista de jazz, es triunfar en el elitista Conservatorio de Música de la Costa Este en el que estudia. Marcado por el fracaso de la carrera literaria de su padre, Andrew alberga sueños de grandeza. Terence Fletcher, un profesor conocido tanto por su talento como por sus rigurosos métodos de enseñanza, dirige el mejor conjunto de jazz del Conservatorio. Cuando Fletcher elige a Andrew para formar parte del conjunto musical que dirige, cambia para siempre la vida del joven. La pasión de Andrew por alcanzar la perfección se convierte en obsesión, al tiempo que su despiadado profesor lo lleva al límite de su capacidad y de su salud mental.

 "SIEMPRE ALICE" 

Y aquí tenemos un tercer tipo de peli de los Oscars, aunque se trate de un híbrido entre las dos anteriores. Cine indie pero donde lo más importante es la interpretación principal (en este caso, de la gran Julianne Moore, ganadora del Globo de Oro) ya que el guión y la dirección se intuye discreta. La pareja de directores ya presentó un film bienintencionado pero no brillante, Quinceañera. Además, también tenemos el drama de una terrible enfermedad. Yo a Julianne Moore la vería en cualquier película. Una profesora descubre que está sufriendo la etapa inicial de la enfermedad de Alzheimer.

"VENGANZA 3" 


La vida del ex-agente especial Bryan Mills se ve inesperadamente truncada tras el brutal asesinato de su ex mujer. Tras ser acusado de su muerte, se ve obligado a huir de la implacable persecución de la CIA, el FBI y la policía. Una vez más, deberá usar sus “habilidades especiales” para hacer justicia, dar caza a los verdaderos asesinos y proteger lo único que le queda en la vida: su hija. Para los que no quieran cine de prestigio sino palomitero, la primera opción es la tercera, y esperemos última, entrega de este justiciero. La primera era muy maja, la segunda muy aburrida y todo apunta por los comentarios de fans y crítica que esto es un fracaso absoluto. Si un entretenimiento aburre a las ovejas, malo.

 "BABADOOK" 


Y dos opciones más de cine de entretenimiento centradas en el terror. En primer lugar esta cinta australiana que ha funcionado muy bien entre público y crítica, obteniendo el Premio del Jurado en Sitges y el de mejor opera prima (sin distinción de géneros) del Círculo de Críticos de Nueva York. Seis años después de la violenta muerte de su marido, Amelia no se ha recuperado todavía, pero tiene que educar a Samuel, su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos. Cuando un inquietante libro de cuentos llamado “The Babadook” aparece en su casa, Samuel llega al convencimiento de que el Babadook es la criatura con la que ha estado soñando. Entonces sus alucinaciones se hacen incontrolables y su conducta, impredecible y violenta. Amelia, cada vez más asustada, se ve forzada a medicarle. Pero, de repente, empieza a sentir a su alrededor una presencia siniestra que la lleva a pensar que los temores de su hijo podrían ser reales.

“SOMOS LO QUE SOMOS” 


Remake de la película mexicana “Somos lo que hay” que fue dirigida por Jorge Michel Grau en 2010. Aquí ocupa su puesto un Jim Mickle que tiene otra peli anterior también en cartelera: “Frío en Julio”. Los Parker son una familia aparentemente estable. El patriarca, decidido a mantener intactas las tradiciones familiares, gobierna con mano de hierro. La tragedia golpea a los Parker cuando las hijas, Iris y Rose, se ven obligados a asumir responsabilidades que van más allá de las de una familia típica. Su tarea más importante, a partir de ahora, será la de poner la carne en la mesa, pero no el tipo de carne que puede encontrarse en el supermercado local. Las autoridades locales empiezan a descubrir pistas que les acercan al secreto que los Parker han mantenido oculto durante años.

jueves, 15 de enero de 2015

MUSARAÑAS (2014)

RELIGIÓN, FAMILIA Y SANGRE.

CALIFICACIÓN: 2/5 

Donde principalmente falla Musarañas es en un guión que hubiera merecido claramente una reescritura. Habida cuenta de determinadas decisiones que toma a la hora de trasladar esta historia, no le habría venido nada mal eliminar o cambiar algunas situaciones, o mejorar algunos personajes.


Por José Antonio Pérez. 

España, 2014 - 91 minutos. - Director: Juanfer Andrés, Esteban Roel – Intérpretes: Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Hugo Silva, Luis Tosar, Carolina Bang, Gracia Olayo, Asier Etxeandía. THRILLER DRAMATICO-TERRORIFICO.- Con ciertos ecos de Misery (Rob Reiner, 1990) e incluso  de El seductor (Don Siegel, 1971) se presenta Musarañas, el debut en el largo de los hasta el momento cortometrajistas Juanfer Andrés y Esteban Roel.


Producida por Alex de la Iglesia, la película transcurre en la España de los años 50 y nos presenta a dos hermanas que viven solas tras la desaparición de su padre. La mayor (Macarena Gómez) es una mujer neurótica, obsesiva, agorafóbica y muy religiosa, que pasa las horas entre sus labores de costura. La pequeña (Nadia de Santiago) es el lado opuesto a su hermana y supone su único contacto con el exterior. Cuando un vecino (Hugo Silva) se daña al caer por las escaleras y llama a su puerta para pedir ayuda la vida de ambas cambia radicalmente.

Al centrar toda su trama prácticamente en un escenario, sus autores desaprovechan las posibilidades sociológicas y políticas inherentes a la época en la que transcurre la acción, aunque de esta forma potencian la sensación de ambiente cerrado, de claustrofobia física y mental, potenciada por la religiosidad imperante. Sensación de un clima tenso y malsano que cambia en el tramo final dejando paso a un tono más grotesco y sangriento que casa poco con lo visto hasta ese momento.

Se nota bastante que es el debut en el largo de ambos directores, ya que toman los riesgos justos a la hora de trasladar esta historia y en ocasiones no la potencian como deberían. La historia está resuelta de forma correcta, pero no con la brillantez necesaria para mostrar adecuadamente esa atmósfera gris y opresiva. Eso se nota, por poner un ejemplo, en las distintas apariciones del padre (Luis Tosar), que hubieran merecido una mejor planificación para poder funcionar mejor.

Sin embargo, donde principalmente falla Musarañas es en un guión que hubiera merecido claramente una reescritura. Habida cuenta de determinadas decisiones que toma a la hora de trasladar esta historia, no le habría venido nada mal eliminar o cambiar algunas situaciones, o mejorar algunos personajes como en el caso del de Hugo Silva, que está bastante desdibujado. Decisiones que hacen chirriar el relato en algunos momentos y que, sobre todo, desembocan en un final poco acertado en la forma y mal rematado en el fondo.



A pesar de sus defectos, la película se beneficia del buen hacer de su pareja protagonista, principalmente del personaje encarnado por Macarena Gómez, actriz que con su presencia consigue levantar por sí sola este film que sobre el papel podría haber sido una película bastante mejor de lo que es pero que, por la poca pericia de sus creadores, se queda en un producto entretenido y poco más.

miércoles, 14 de enero de 2015

BIRDMAN O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA (BIRDMAN OR THE UNEXPECTED VIRTUE OF IGNORANCE) -2014-

Un innovador que no se escapa del todo del manierismo y que tiene grandes problemas para acabar en el momento justo sus películas. Aquí se plantea el reto de rodar (casi) todo su nuevo film en un falso plano secuencia que dinamita las reglas sagradas de este recurso. Usando la tecnología digital que permite disimular los cortes, el mejicano no intenta crear continuidad sino unir diferentes momentos temporales para dar una coherencia interna a la narración 


OTRO CINE ES POSIBLE…
AUNQUE NO SEPAMOS ACABAR NUESTRAS HISTORIAS A TIEMPO. 

 Calificación: 4/5 


Estados Unidos, 2014.- 118 minutos.- Director: Alejandro González Iñárritu.- Intérpretes: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Zach Galifianakis, Naomi Watts, Andrea Riseborough, Amy Ryan.- TRAGICOMEDIA.- Un verdadero tour de forcé y una lección de narrativa cinematográfica, tanto en referencia a sus límites como a sus posibilidades expansivas. 

Lo primero que aprende un estudiante de cine, al menos fue mi caso, sobre el plano secuencia es que su objetivo es trasmitir una sensación de inmediatez, de verismo de no manipulación del tiempo cinematográfico. Otra cosa que debe interiorizar cualquier aspirante a artista es que debe conocer, dominar y respetar las normas de la narrativa y estética de su disciplina. Una vez que se convierte en un experto, está capacitado para romper esas reglas y abrir nuevos caminos en dicha expresión artística. 

A grandes rasgos y con todas las combinaciones y gradaciones posibles, los directores de cine se dividen en dos grandes grupos: manieristas e innovadores. Los primeros repiten como mayor o menor éxito fórmulas de comprobado éxito que componen el standard hollywoodienses. Algunos consiguen películas maravillosas siguiendo este camino que nos hacen disfrutar como nadie. Los segundos son los que se arriesgan e intentan abrir nuevos caminos. La mayor de las veces nos fustigan con ladrillos infumables pero en determinadas ocasiones producen obras imperecederas, memorables o, al menos, que aportan un par de ideas fascinantes que el mainstream procesa para hacer avanzar el standard que luego será nuevamente imitado por los manieristas. El espectador es libre de elegir: 

1) El bar de confianza previsible y seguro o, mejor aún, el MCDonalds donde las hamburguesas saben igual en cualquier lugar del mundo (con ligeras variaciones, gamas y potenciadas por el marketing para que parezcan verdaderas innovaciones) 

 2) Ese nuevo restaurante fusión de sabores que puede ser el paraíso o una engañifa. 

 Pretender que el uno te ofrezca las virtudes del otro habla de la ignorancia del que elige, no de las carencias del elegido. 

¿Y dónde queda enclavado el cine de Iñarritu? Pues, un innovador que no se escapa del todo del manierismo y que tiene grandes problemas para acabar en el momento justo sus películas. Aquí se plantea el reto de rodar (casi) todo su nuevo film en un falso plano secuencia que dinamita las reglas sagradas de este recurso. Usando la tecnología digital que permite disimular los cortes, el mejicano no intenta crear continuidad sino unir diferentes momentos temporales para dar una coherencia interna a la narración con evidentes ecos (ahí es donde no se libera del manierismo) del cine de Altman, especialmente Vidas Cruzadas, vinculado de manera más directa todavía que el film que nos ocupa a la narrativa del gran Raymond Carver. 


El film tiene una fuerte carga paródica y sardónica que no deja títere con cabeza: 

 1) El blockbuster de superhéroes, olvidando que, como todo género dominante en una época, está dando cabida también a grandes películas. Tal y como ocurrió con el western: entre miles de pelis de vaqueros –aunque sólo fuera por estadística y por la perspicacia de algunos directores que vieron la posibilidad de realizar obras personales dentro de esas coordenadas- se parieron decenas de obras maestras. 

2) El público que sólo quiere acción sin sentido. 

 3) A una sociedad donde una estupidez es más seguida por Internet que cualquier acto humano digno de aplauso. 

 4) Las celebridades del cine que no son lo mismo que actores. 

 5) Los críticos que atacan el arte para paliar sus frustraciones. 

 6) Los mediocres aspirantes a artistas que no aceptan las justas críticas. 

 Como siempre en el cine de este director, no se llega a alcanzar la excelencia porque sus películas contienen demasiados clímax y posibles finales como para que la sensación de agotamiento no haga presencia. Una lástima pero el esfuerzo y el atrevimiento merece igualmente el aplauso.

Después de hacerse famoso interpretando a un célebre superhéroe, un actor trata de darle un nuevo rumbo a su vida, recuperando a su familia y preparándose para el estreno de una obra teatral en Broadway basada en los relatos de Raymond Carver.

martes, 13 de enero de 2015

EL HOBBIT. LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS -The Hobbit: The Battle of the Five Armies- (2014)

El problema de fondo es que todo El Hobbit sufre de un mal de exceso y que la historia que nos cuenta tampoco daba para tanto. Una vez acabado nos damos cuenta de que apenas hemos llegado a conocer medianamente a algunos de sus personajes, que otros simplemente pasaban por allí (véase por ejemplo la mayoría de los enanos) y la mayoría de las tramas que se inventan para unir las dos trilogías apenas añaden nada nuevo.


Por José Antonio Pérez.

TODO ESTO...¿PARA ESTO?

CALIFICACIÓN: 2/5


Estados Unidos, 2014 - 144 min. - Director: Peter Jackson – Intérpretes: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Luke Evans, Orlando Bloom, Aidan Turner, Evangeline Lilly, Lee Pace, James Nesbit, Cate Blanchett, Hugo Weaving, Billy Connolly, Christopher Lee, Stephen Fry, Ian Holm, Sylvester McCoy. AVENUTRAS EPICO-FANTASTICAS.- Pues bien, ya se ha acabado el viaje. Una vez presentados los personajes, encontrado el anillo, muerto el dragón, reconquistado el reino de los enanos y ganada la batalla, ya no queda nada más de Tolkien que Peter Jackson pueda trasladar a la gran pantalla, a no ser que los herederos del escritor británico les dé por vender los derechos de El Silmarillion, cosa bastante improbable a tenor de la poca gracia que les han hecho las adaptaciones. 

Tras las casi ocho horas de metraje que se ha utilizado para trasladar las apenas trescientas páginas del relato original, la sensación que queda es que el empeño de Jackson en conectar más si cabe esta trilogía con la de El señor de los anillos -para darle el gusto a los fans (y sacarles el dinero de paso)- se ha saldado con una sobresaturación de personajes y de situaciones que en vez de sumar más bien le han restado profundidad al resultado final. 

A pesar de que Jackson es un director que sabe muy bien qué hacer con la cámara, lo que hace que los tres films transcurran con bastante fluidez, tiene tendencia a alargar demasiado las escenas de acción. Eso en realidad sería un problema menor si el guión que tiene entre sus manos dedicara el tiempo suficiente (y por tiempo no será) a profundizar no sólo en los personajes sino en los temas que propone Tolkien y que, al fin y al cabo, en cierta forma también estaban en El señor de los anillos. 

Sin embargo, el problema de fondo es que todo El Hobbit sufre de un mal de exceso y que la historia que nos cuenta tampoco daba para tanto. Una vez acabado nos damos cuenta de que apenas hemos llegado a conocer medianamente a algunos de sus personajes, que otros simplemente pasaban por allí (véase por ejemplo la mayoría de los enanos) y la mayoría de las tramas que se inventan para unir las dos trilogías apenas añaden nada nuevo. 


Todo esto se hace patente en La batalla de los cinco ejércitos, film que sirve como colofón de El Hobbit y en el que se utiliza buena parte de las dos horas y media de metraje para trasladar la batalla del título. Todas las tramas desplegadas acaban desembocando (algunas de forma bastante torpe) en ese momento supuestamente épico que empieza a buen ritmo pero que poco a poco acaba perdiendo fuelle a fuerza de soportar una serie de luchas y acrobacias que parece que nunca van a tener fin. 

Una vez terminado todo, con un epílogo que curiosamente resulta demasiado escueto, la sensación que queda es de cierta decepción. De que todo esto se podría haber contado mejor con mucho menos y de que a pesar de todo el despliegue de medios, El Hobbit entretiene… pero ni enamora ni deja el más mínimo poso. Y es una pena.

lunes, 12 de enero de 2015

THE IMITATION GAME:DESCIFRANDO ENIGMA (2014)

LLEVADEROS PROBLEMAS DE INDEFINICIÓN 

Un film notable que confirma el talento de Morten Tyldum, autor de la atrapante Headhunters. Quizá el principal defecto del film es su indefinición sobre lo que quiere contar: nunca llegamos a saber si lo que le interesa al film es el proceso de descodificación de Enigma, la inhumanidad de la geopolítica o la condición homosexual del protagonista. 


 Calificación: 3/5 

Reino Unido, 2014.-  114 minutos.- Director: Morten Tyldum.- Intérpretes: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Mark Strong, Charles Dance, Matthew Goode, Matthew Beard.- DRAMA DE INTRIGA.- Un film notable que confirma el talento de Morten Tyldum, autor de la atrapante Headhunters. Bien interpretada por todo el reparto (aunque Cumberbatch ha estado mejor otras veces y Knightley mucho más magnética), presenta un climax memorable en su tensión que nos conduce a una secuencia atrevida, sobre el sacrificio de unos por el bien mayor, que nos recuerda a acontecimientos históricos de nuestro siglo XXI.

Quizá el principal defecto del film es su indefinición sobre lo que quiere contar: nunca llegamos a saber si lo que le interesa al film es el proceso de descodificación de Enigma, la inhumanidad de la geopolítica o la condición homosexual del protagonista.

También se debe destacar, como significativo de los modelos sociales de nuestro tiempo, la insistencia en mostrar al protagonista como un genio científico pero con una endémica incapacidad para la ironía y el doble sentido lingüístico, como si lo primero fuera más meritorio que lo segundo. 

Finalmente se ha de señalar que algunas metáforas son demasiado obvias y que, mientras la narración ambientada en los años 40 es impecable, la de los años 50 es confusa y carente de la necesaria fuerza expresiva.


Se trata de una de las posibles candidatas a los Oscars que acumula 5 nominaciones a los Globos de Oro. Biopic sobre el matemático británico Alan Turing, famoso por haber descifrado los códigos secretos nazis contenidos en la máquina Enigma, lo cual determinó el devenir de la II Guerra Mundial (1939-1945) en favor de los Aliados. Lejos de ser admirado como un héroe, Turing fue acusado y juzgado por su condición de homosexual en 1952.

viernes, 9 de enero de 2015

ESTRENOS DE LA PRIMERA SEMANA DE ENERO DE 2015

Los primeros estrenos del 2015 nos traen un menú muy sugestivo que anuncia que estamos en temporada alta de premios y buen cine comercial. Una cinta bélica con Brad Pitt, la vuelta de Iñarritu “resucitando” a Michael Keaton, un remake con Mark Whalberg de una de mis pelis malditas favoritas, una intriga ambientada en la segunda guerra mundial, cine familiar y una comedia gamberra son los 6 platos para abrir boca. 



 "CORAZONES DE ACERO" 


Las películas de David Ayer me han ido gustando cada vez menos. Empezó con la muy personal y diferente Harsh Times, siguió con la más convencional pero potente Dueños de la calle, siguió con la molesta visualmente hablando Sin tregua y llegó al cine más anticuadamente comercial en Sabotaje con Arnold Schwarzenegger. Tibias críticas para un film bélico (para mi gusto, salvo excepciones, sólo disfrutables en pantalla grande) al servicio de Brad Pitt, acompañado por los jóvenes Logan Lerman (Las ventajas de ser un marginado) y Shia LaBeouf (Nymphomaniac).  Abril de 1945. Al mando del veterano sargento Wardaddy, una brigada de cinco soldados americanos a bordo de un tanque -el Fury- ha de luchar contra un ejército nazi al borde de la desesperación, pues los alemanes saben que su derrota estaba ya cantada por aquel entonces.

"BIRDMAN O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA" 


Vuelve por la puerta grande el mejicano Iñarritu (Amores perros, Babel, 21 gramos) tras la decepcionante Biutiful. Parabienes de la crítica (7 nominaciones a los Globos de Oro), reparto de lujo (Emma Stone, Edward Norton, Zach Galifianakis, Naomi Watts) y recuperación de un actor siempre infrautilizado, Michael Keaton. Después de hacerse famoso interpretando a un célebre superhéroe, un actor trata de darle un nuevo rumbo a su vida, recuperando a su familia y preparándose para el estreno de una obra teatral en Broadway.


"EL JUGADOR" (Valoración: 2,5/5) 


El director de El origen del planeta de los simios nos presenta su nuevo film, producido por el protagonista, Mark Whalberg. Se trata de un remake de una de mis pelis “raras” favoritas, de título homónimo dirigida por Karel Reisz en 1974 y protagonizada por el infravalorado James Caan. Aquel es uno de los films más demoledores del Hollywood de los 70, que ya es decir. El resultado es un extraño hibrido entre comercialidad y rigurosidad. Los personajes parecen estar suspendidos en un extraño limbo entre los años 70 y nuestro tiempo. La original era cine existencialista, una visión de la vida inasible, inconcebible para la mayoría de las personas de hoy en día.  Un profesor universitario, adicto al juego (esta afirmación confirma que ni la propia distribuidora entiende la esencia de este guión) le debe a la mafia 40.000 dólares. Para ayudarle a salir a flote, su madre decide darle algún dinero que él trata de multiplicar rápidamente en Las Vegas, pero la suerte no le acompaña, por lo que su futuro estará en manos de la mafia. 

 "THE IMITATION GAME" (Valoración: 3/5) 


Una de las posibles candidatas a los Oscars que acumula 5 nominaciones a los Globos de Oro. Ya he podido verla y se trata de un film notable que confirma el talento de Morten Tyldum (Headhunters). Bien interpretada por todo el reparto (aunque Cumberbatch ha estado mejor otras veces), presenta un climax memorable en su tensión que nos conduce a una secuencia atrevida, sobre el sacrificio de unos por el bien mayor, que nos recuerda a acontecimientos históricos de nuestro siglo XXI. Quizá el principal defecto del film es su indefinición sobre lo que quiere contar: nunca llegamos a saber si lo que le interesa al film es el proceso de descodificación de Enigma, la o la condición homosexual del protagonista. Biopic sobre el matemático británico Alan Turing, famoso por haber descifrado los códigos secretos nazis contenidos en la máquina Enigma, lo cual determinó el devenir de la II Guerra Mundial (1939-1945) en favor de los Aliados. Lejos de ser admirado como un héroe, Turing fue acusado y juzgado por su condición de homosexual en 1952.

"PADDINGTON” 


Nicole Kidman, Julie Walters, Jim Broadbent encabezan el reparto de esta comedia de aventuras para toda la familia que, extrañamente, se estrenó el 6 de Enero perdiendo todo el potencial público navideño. Paddington es un oso que ha crecido en lo más profundo de la selva peruana con su tía Lucy, que le ha inculcado el deseo de vivir en Londres. Cuando un terremoto destruye su hogar, Lucy esconde a su sobrino en un barco con destino a Inglaterra para que encuentre una vida mejor. Cuando el osito llega a la estación londinense de Paddington, se da cuenta de que nada tiene que ver con lo que se había imaginado, hasta que conoce a los Brown, una bondadosa familia británica que lo acogen en su casa. Sin embargo, poco después, una siniestra y atractiva taxidermista se fija en él, lo que supone una seria amenaza para su vida.

"CÓMO ACABAR SIN TU JEFE”


Secuela de la divertida Cómo acabar con tu jefe (2011) en la que no repite el director pero sí el reparto. Humor primario pero muy eficaz que no engaña a nadie sobre sus métodos y objetivos. Cegados por la ambición, Nick, Dale y Kurt deciden crear su propio negocio y ser los jefes, pero un avispado inversor echa a perder sus planes. Vencidos, desesperados y sin recursos legales, los tres aspirantes a empresarios traman un plan para secuestrar al hijo del inversor, pedir un rescate y recuperar el control de su empresa.