viernes, 22 de febrero de 2013

HITCHCOCK (2012)

LA OBSESION DEL PROCESO CREATIVO 

CALIFICACION: 3/5 

 Estados Unidos, 2012.- 98 minutos.- Director: Sacha Gervasi.- Intérpretes: Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson, James D'Arcy, Jessica Biel, Toni Collette, Danny Huston.- DRAMA BIOGRAFICO.- El director del magnífico documental Anvil ha demostrado valentía al realizar esta especie de biopic sobre el mago de suspense, proyecto lleno de riesgos y condenado a la incomprensión de la mayoría. Crear, dirigir es tomar decisiones. La primera fue la del autor del libro al centrarse en un período muy concreto de la vida del director de Vértigo. La segunda fue dar preponderancia a las relaciones con su mujer y con sus actrices que a la faceta de director. La tercera es el tono cambiante del film, a veces lúgubre, otras casi cómico y casi siempre desconcertante.

Los que busquen una descripción exhaustiva del proceso de rodaje de Psicosis saldrán totalmente decepcionados. A la película no le interesa describir técnicamente cómo se rodaron las famosas escenas de la ducha o la caída por las escaleras. Eso es materia de los extras del DVD de la propia Psicosis. El interés para los cinéfilos se encuentra en la detallada descripción del dificultoso proceso de producir una cinta en Hollywood (buscar una buena idea, crear expectación respecto al proyecto, eliminar del mercado toda la información respecto a la historia que se quiere contar, reunir el dinero para la producción, conseguir una buena exhibición, conseguir el sello del censor, sobreponerse a las circunstancias personales para evitar los retrasos en el rodaje y la injerencia de los estudios en el mismo, remontar la película en la sala de edición para dar vida a un ser inane gracias a la música y a ajustar la duración de los planos, preparar el estreno y despertar el interés del público usando las más agresivas técnicas de marketing para contrarrestar la falta de confianza de los exhibidores…) Toda esta parte debería ser de visión imprescindible para todos aquellos futuros creadores audiovisuales que creen que hacer cine se reduce a escribir un guión y filmarlo.

Los mitómanos y sensacionalistas tampoco saldrán muy satisfechos. Aunque hay referencias a las diversas obsesiones psicológicas de Hitch, no son el centro de la trama ni resultan especialmente interesantes, de manera buscada y consciente.

Otro elemento que hará que la cinta decepcione, en este caso, a las nuevas generaciones es que Gervasi demuestra haber estudiado la época y el contexto social que nos narra. Unas formas y costumbres incómodas para la cosmovisión dominante pero que eran moneda corriente en aquel tiempo. Un director que no cree en la introspección actoral y que desprecie toda tentación de psicologismo, un hombre que espía a mujeres cuando se desnudan, que observa con deseo a desconocidas, que le echa los trastos a otras delante de su mujer o que pide comprensión y apoyo cuando ya está recibiendo mucho más del que él da. Otro hombre que hace creer que desea a una mujer cuando su objetivo es acercarse al famoso marido de ésta…en definitiva un tiempo en el que el género masculino era preponderante en la sociedad. Gervasi refleja ese tiempo y en el contextualiza a Hitchcock sin juzgarlo.

 Gervasi también demuestra haber visto mucho cine y conocer la importancia como figura pública y televisiva del director inglés. Algunos de los iconos universales que lo representan son utilizados en el film, pero nunca como mención u homenaje, sino con valor narrativo. El tono de misterio que rodeaba al personaje está muy bien descrito y quizá sólo chirrie los encuentros fantasmagóricos con Ed Gein, el asesino de Wisconsin que inspiró el personaje de Norman Bates.

 Por ultimo y quizá más destacable es la insuperable manera en la que el film contextualiza el fenómeno Psicosis en sus adecuadas coordenadas espacio-temporales haciendo entender al público del siglo XXI lo que tenía , que era mucho, de arriesgado y novedoso el film en 1960, un momento en el que los géneros menores eran muy menores y despreciados y en el que el público era muy, muy ingenuo. La secuencia en la que Hitchcock observa la reacción del público del preestreno ante la escena de la ducha es antológica. Espero que los jóvenes descubran hasta que punto Psicosis fue determinante para que ahora los géneros mayores y menores hayan intercambiado su valoración entre el público. Algo parecido ocurre en la valoración social actual que se tiene de los otros géneros: el masculino y el femenino. Pero esa es otra historia.

En la cima de su carrera como director, Alfred Hitchcock decide filmar una película de terror aparentemente de baja categoría. Ningún estudio apoya el proyecto, así que Hitchcock decide financiarlo él mismo y rodarla con un equipo barato de TV. El resultado fue un fenómeno internacional y una de las películas más famosas e influyentes de la historia.

LA JUNGLA: UN BUEN DIA PARA MORIR (LA JUNGLA DE CRISTAL 5 – A GOOD DAY TO DIE HARD. DIE HARD 5 (DIE HARD V)- (2013)

MANCHANDO LA MEMORIA DE JOHN McCLANE

CALIFICACION: 1/5



Estados Unidos, 2012.- 97 minutos.- Director: John Moore.- Intérpretes: Bruce Willis, Jai Courtney, Sebastian Koch, Mary Elizabeth Winstead, Julia Snigir.- ACCION.- Un verdadero y absoluto desastre. La peor de las cinco entregas de la saga (y mira que la segunda ya era lamentable) y un relativo fracaso en taquilla, ya que en la semana de su estreno (a pesar del marketing y de lo que vende sin necesidad de publicidad la marca Jungla de cristal) no ha conseguido desbancar a Mamá del número 1 en la taquilla española.

Dos son las palabras que definen la película: desgana y rutina. Da la impresión de que ni al incompetente director John Moore, ni al guionista, ni a los actores, ni a nadie le importa lo más mínimo la película ni mantener un cierto nivel que implique respeto a una de las sagas más divertidas y emblemáticas del cine de acción de los últimos 30 años.

El film mancha el recuerdo de la franquicia y prescinde del principal signo de identidad de la saga: la socarronería y desparpajo del personaje de Bruce Willis, al que aquí, al pobre, le hacen decir unas cosas que da grima oírlas.

EL LADO BUENO DE LAS COSAS –SILVER LININGS PLAYBOOK- (2012)

FELIZ DESCONCIERTO 

CALIFICACION: 3,5/5 

Estados Unidos, 2012.- 120 minutos.- Director: David O. Russell.- Intérpretes: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver, Chris Tucker, Julia Stiles.- TRAGICOMEDIA.- Reafirma las capacidades de David O. Russell (Flirteando con el desastre, Spanking the monkey, Tres reyes, Extrañas coincidencias, The fighter) tanto para la escritura de guiones como para la dirección de actores (todo el reparto está magnífico) y su trabajo tras la cámara. Aun prefiriendo cuando se basa en un guión propio que, como en este caso, cuando adapta la historia de otro, se debe señalar que estamos ante una de las comedias románticas con mejor ritmo, diálogos y soluciones dramáticas de los últimos años. Algunas secuencias como la de la conversación de los protagonistas en el diner que acaba a las puertas de un cine donde se está proyectando un maratón de Halloween o la del concurso de baile ya merecen, por méritos propios entran en la antología del género.

 Tras pasar ocho meses en una institución mental por agredir al amante de su mujer, vuelve con lo puesto a vivir en casa de sus padres. Determinado a tener una actitud positiva y recuperar a su ex-mujer, el mundo de Pat se pone del revés cuando conoce a Tiffany, una chica con ciertos problemas y no muy buena fama en el barrio. A pesar de su mutua desconfianza inicial, entre ellos pronto se desarrollará un vínculo muy especial que les ayudará a encontrar en sus vidas el lado bueno de las cosas.

 El libreto de O´Russell acierta a la hora de presentar algunas de las claves de la historia in media res, aportando la información que nos falta a posteriori, obteniendo eficaces resultados narrativos. También, en menor medida, es un film sobre “cómo vive la gente anónima corriente en Estados Unidos” algo casi desaparecido en el Hollywood actual. Pero Russell no se limita a un costumbrismo recurrente sino que nos acerca a ese tipo de personas que no entendemos y que, incluso, nos resultan molestas en la convivencia: ese vecino que nos despierta a las 3 de la mañana montando un escándalo en su casa, ese hombre maduro que se mete en peleas provocando vergüenza ajena o esa chica insolente y promiscua.

Russell siente un infinito cariño y compresión  por sus criaturas y de forma sutil y nada dogmática reflexiona sobre una sociedad dominada y controlada por los profesionales de la salud mental y sobre lo que esa sociedad, desconcertada tanto o más que los personajes y el propio tono del film, considera trastorno mental y lo que no. Y por supuesto, la comunidad y, específicamente, la familia vuelven a ser los temas centrales del cine del director.

Sin embargo, algunos elementos chirrían bastante y confían demasiado en la suspensión de la incredulidad del espectador (¿una carta personal escrita con el ordenador?) o no confían en la inteligencia del espectador como la insistencia a la hora de dejarnos claro el descubrimiento que hace el personaje de Bradley Cooper sobre esa carta.

Por el contrario, no estoy de acuerdo respecto a las críticas respecto al final. En el monólogo de Cooper al principio de la película sobre la necesidad de encontrar finales felices en el arte, Russell ya está marcando su filosofía e intenciones en este su film más comercial hasta la fecha. Una obra que marca nuevas tendencias para la segunda década del siglo XXI y que, con el paso del tiempo, nuestra valoración de la misma cambiará. A mejor o peor es algo que ahora mismo desconozco completamente.

sábado, 16 de febrero de 2013

GANGSTER SQUAD (2013)

MAFIOSOS PARA LOS NATIVOS DIGITALES 

CALIFICACION: 2/5 



Estados Unidos, 2013.- 113 minutos.- Director: Ruben Fleischer.- Intérpretes: Josh Brolin, Ryan Gosling, Nick Nolte, Emma Stone, Sean Penn, Robert Patrick, Michael Peña, Giovanni Ribisi.- DRAMA.- Es muy divertida, está dotada de un ritmo envidiable y presenta un diseño de producción notable con una ambientación muy resultona. Además está lleno de guapos y algún buen actor y tiene menos escenas de acción de lo que me temía, aunque siguen siendo aburridas. Muchos directores creen que basta con incluir escenas de acción para divertir. Y se olvidan de que tienen que ser BUENAS ESCENAS DE ACCION. En este film, algunas lo son, otras no.

Una serie de artículos periodísticos dan cuenta de la labor de un equipo especial de policías cuya misión es atrapar a Meyer Harris “Mickey” Cohen, un poderoso gánster judío de los años 40.


LA TRAMA –BROKEN CITY- (2013)

SABOR A CINE DE GÉNERO

CALIFICACION: 2/5



Estados Unidos, 2013.- 109 minutos.- Director: Allen Hughes.- Intérpretes: Mark Wahlberg, Russell Crowe, Catherine Zeta-Jones, Kyle Chandler, Justin Chambers, Jeffrey Wright, James Ransone, Natalie Martinez, Alona Tal, Barry Pepper, Griffin Dunne.- THRILLER DRAMATICO.- No es nada del otro mundo y su guión va haciendo aguas conforme avanza la proyección pero no merece las hostiles críticas que ha recibido en su país. Cumple el expediente del entretenimiento, apunta interesantes reflexiones sobre la corrupción política y urbanística, presenta un empaque visual muy acorde con la negrura de la historia y en el proceso de investigación sobre Zeta-Jones que ejecuta Whalberg presenta un tono con ecos del mejor cine conspirativo. Además nos regala uno de las réplicas más perspicaces de los últimos tiempos: -Creo en el amor y en la fidelidad. -¿Es usted estúpido o católico? –Ambas cosas.


viernes, 15 de febrero de 2013

LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO –THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER- (2012)

AQUELLAS ANECDOTAS QUE UNA VEZ FUERON NUESTRA VIDA REAL 

CALIFICACION: 3,5/5 


Estados Unidos, 2012.- 103 minutos.- Director: Stephen Chbosky. Interpretes: Logan Lerman, Emma Watson, Ezra Miller, Mae Whitman, Kate Walsh, Dylan McDermott, Melanie Lynskey, Nina Dobrev, Johnny Simmons, Joan Cusack, Paul Rudd.- DRAMA.- Aunque usa los tópicos, las constantes, los ambientes y los rituales propios de la comedia juvenil, fijada desde finales de los 70 el resultado es totalmente diferente. En realidad, todos esos elementos son un medio y no un fin en sí mismo, logrando, como resultado final, una de las cintas más sensibles, emotivas y verosímiles sobre lo que significa ser un adolescente. Un cruce perfecto entre lo mejor del cine de adolescentes no desmadrados de los 80 (El club de los cinco, Una maravilla con clase, La chica de rosa, Un gran amor…) y las cargas de profundidad del cine indie. No es tan divertida como aquéllas pero a cambio elimina todo lo que tenían de chorra.

Charlie un joven tímido y marginado, escribe una serie de cartas a una persona sin identificar en las que aborda asuntos como la amistad, los conflictos familiares, las primeras citas, el sexo o las drogas. El protagonista tendrá que afrontar el primer amor, el suicidio de su primer amigo y su propia enfermedad mental. Al mismo tiempo, lucha por encontrar un grupo de personas con las que pueda encajar y sentirse a gusto.

La película está basada en la novela escrita por el propio director, publicada en 1999 y ambientada en los primeros años 90. Como consecuencia lógica, los elementos ambientales, el atrezzo, la cultura popular (cintas de casete, máquinas de escribir, artistas musicales de los 80, The rocky horror Picture show) en la que se desenvuelven los protagonistas de la historia será más familiar para aquellos que tienen de 30- 35 años para arriba que para los adolescentes. Sin embargo, y cómo puede comprobar al estar rodeado en la sala de interesados adolescentes fans de Harry Potter atraídos por la presencia de Emma Harmione Watson, el film conecta con lo que tiene de universal tener 16 años. Da igual que le grabes una cinta a la chica que te gusta que qué le pases tu playlist de canciones a su Ipod: el primer amor, el miedo al rechazo, la angustia al no ser aceptado por el grupo, la no aceptación de uno mismo siguen siendo los mismos. Esa conexión es un gran mérito del novelista, guionista y director, ya que pocas veces el mundo exterior ha cambiado tanto como de los 90 hasta hoy en día.

Pero el gran aplauso que merece Chbosky radica en que no cae en la comprensible tentación de hacer una película literaria y poco cinematográfica. Con cierta experiencia audiovisual anterior (entre otras la serie Jericó), realiza una obra netamente cinematográfica, bella, emotiva, sensible y con un ritmo más que aceptable. Además, el film te gana desde el principio consiguiendo esa inasible sensación que, en ocasiones, tenemos en una sala de cine. Ya no estamos viendo una película. Estamos compartiendo la vida de unos seres humanos que nos gustaría conocer, aunque eso suponga una excesiva idealización como la que encontramos en el personaje de Watson, magnética y cada vez mejor actriz.

Esa pericia narrativa alcanza su cima en un desenlace que nos desvela el mayor secreto de la vida del protagonista de manera absolutamente visual y atreviéndose a mantener un suspense emocional mucho más allá de lo que se hubiera permitido otro director con más miedo al riesgo.  La merecida ovación aumenta con una escena final, anunciada en el arranque y en una escena previa que nos recuerda lo importante que eran las pequeñas cosas en nuestra adolescencia y la irrepetible sensación de escuchar una gran canción, una de las canciones de tu vida por vez primera.

Finalmente, indicar que el título español puede dar lugar a confusión. Un “wallflower” no es exactamente un marginado, palabra que se podría traducir por “nerd”. Tampoco es un empollón (“geek”). Más bien se trata de un introvertido, un joven intenso o con preocupaciones existenciales; atraído por el conocimiento de la mayor cantidad posible de creación artística (cine, literatura, teatro, arte). Por ello, no ha de ser necesariamente poco atractivo, sin vida sexual o asocial. Simplemente considera a muchos de sus iguales incultos y poco interesantes y prefiere buscar almas gemelas con las que hablar de algo más que de sexo o deportes.

EL VUELO –FLIGHT- (2012)

INTENTO DE EXISTENCIALISMO HOLLYWOODIENSE 

CALIFICACION: 2,5/5


Estados Unidos, 2012.- 138 minutos.- Director: Robert Zemeckis.- Intérpretes: Denzel Washington, Kelly Reilly, Don Cheadle, Bruce Greenwood, John Goodman, James Badge Dale, Melissa Leo, Nadine Velázquez.- DRAMA.- Desde que Truffaut, Godard y toda la nouvelle vague dieron un golpe de estado cinematográfico contra los veteranos directores franceses como Cluzot, todo cambió. Gracias a esta nueva ola, el cine yanqui se renovó y produjo mucha de mis películas favoritas englobadas en el nuevo hollywood. Pero también todo lo que sonaba a antiguo, a director veterano anquilosado era destruido por la crítica y muchas veces por el influenciable público. Así maravillas como El día de los tramposos de Mackieewicz, La vida privada de Sherlock Holmes de Wilder o La carta del Kremlin de Huston, por citar sólo algunas fueron ninguneadas en favor de experimentos y películas ad hoc, hoy en día insoportables incluso para mí, que veo a un hippy en pantalla y me corro. Por otro lado, también aparecieron integristas de lo clásico, del cine que se hacía cuando ellos eran jóvenes (Por ejemplo, en España, Garcí y su grupito de carcas en el programa Qué grande es el cine) que eran incapaces de valorar en su justa medida obras como Easy rider o Harold and Maude. Luego también encontramos la división entre los que ven la obra cinematográfica como una experiencia exclusivamente estética o visual o los que sólo valoran su subtexto, las cargas de profundidad crítica contra el sistema, contra el comportamiento humano, independientemente de que el film sea desaliñado o cutre.

Y estas tendencias siguen vigentes hoy en día. Algunos han puesto a caer de un burro a la nueva obra de Zemeckis por antigua, aburrida, poco creíble e hipócrita. Otros la han sobrevalorado por su aliento clásico y por lo insólito de dar el protagonismo a un personaje como el Washington en un film del conservador siglo XXI.

Intentaré encontrar un justo medio a la hora de valorar este film. En mi opinión, el film presenta una de las mejores secuencias iniciales de los últimos años, un primer tercio impecable y con un sabor a experiencia vital muy recomendable, y una narración posterior que puede dar la impresión al espectador de multisala de que no pasa nada y, por tanto, de aburrimiento cuando, en realidad, está describiendo perfectamente lo que es una adicción.

También, es cierto, que encontramos un personaje femenino que debería ser más importante en la historia (o menos) pero que tal y como está desarrollado se queda cojo, un secundario presentado de manera horripilante tópica y recién salido de una peli de los 90 (El gran Lebowski, Boggie nights) y una desastrosa escena en la que recién escapado de un borrador de guión, aparece un personaje que suelta 5 o 6 frases que de tan ingeniosas nadie diría, da media vuelta y no vuelve a aparecer. Esa terrible sensación de que sus palabras las ha escrito un guionista que acaba de ver algunas pelis anticuadas perjudica a una escena con loables intenciones pero catastróficos resultados. Me consta que algunos jóvenes espectadores mandaron a tomar viento a la película en ese momento y les dejo de interesar para siempre.

Por último, el gran momento existencialista del personaje (porque ese es el gran tema de la cinta, los seres humanos que son lo que son, independientemente de los estímulos externos), cuando se reafirma a lo bestia en su adicción, proviene de un hecho tan improbable que pierde gran parte de su fuerza dramática.

El desenlace es una magnífica reivindicación de la honestidad personal por encima de un sistema político-judicial que pone una alfombra roja a los delincuentes para que salgan indemnes de sus acciones siempre que haya un cabeza de turco al que cargarle el mochuelo. Sin embargo, el epílogo contradice la valentía existencialista anterior.

Tras un aterrizaje de emergencia en medio del campo gracias al cual salvan la vida un centenar de pasajeros, el comandante Whip Whitaker, que pilotaba el avión, es considerado un héroe nacional. Sin embargo, cuando se pone en marcha la investigación para determinar las causas de la avería, se averigua que el capitán tenía exceso de alcohol en la sangre y que puede ir a la cárcel si se demuestra que pilotó el avión en estado de embriaguez.

LINCOLN (2012)

SE REENCARNA EN DANIEL DAY-LEWIS

CALIFICACION: 3/5


 

Estados Unidos, 2012.- 149 minutos.- Director: Steven Spielberg.- Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones, David Strathairn, Joseph Gordon-Levitt, James Spader, Lee Pace, Gulliver McGrath, Hal Holbrook, Michael Stuhlbarg, Jared Harris, David Costabile, Jackie Earle Haley, Joseph Cross, John Hawkes, Tim Blake Nelson.- DRAMA.- Con el paso de los años, lo que más se recordará de este film será la prodigiosa interpretación de Daniel Day-Lewis, un actor que dosifica enormemente sus apariciones (en la última década ha protagonizado 5 películas incluyendo ésta) pero que siempre las borda. Eso sí, viene acompañado de un gran reparto que raya todo él a gran altura.

 En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone la instauración de una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo esto presenta un gran dilema: si la paz llega antes de que se acepte la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, cientos de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida.

Es interesante como Spielberg no ha planteado el film como una hagiografía (vida de santos) ni ha caído en la tentación de contar toda su vida, con los problemas de ambientación y maquillaje (¡Ay, J.Edgar! aún tengo pesadillas con esas máscaras de látex parlantes) que ello conlleva. Spielberg se muestra más maduro que en otras obras serias de su carrera (“Amistad”) ya que elige un libro serio y riguroso que ilustra sobre los claroscuros de la abolición de la esclavitud.

La defensa del pragmatismo que se hace en el film (“de nada sirve saber donde está el norte, sino somos capaces de esquivar los peligros que nos acechan antes de alcanzarlo”) entra de lleno en la ambigüedad. ¿Sabiduría, posibilismo, conformismo, servilismo? ¿Qué opción defiende Spielberg? No queda claro. Si bien conecta en rigurosidad con la muy superior Munich, no le llega a esta ni a la altura de los zapatos en cuestión de espectáculo lúdico.

El film es farragoso por momentos y la primera media hora es dura para todo aquel no familiarizado en la política americana, sus procedimientos y su historia. Muchos se sorprenderán al descubrir que en aquel tiempo el partido demócrata estaba a favor de la esclavitud, ahora que su líder es un afroamericano).

Poco a poco el film se va centrando en los personajes y en el conflicto y nos va ganando poco a poco sin llegar a entusiasmar salvo en momentos concretos gracias al trabajo de Day-Lewis, Field, Lee Jones o Spader y al buen hacer de Spielberg que aquí opta por una dirección invisible. Recomendable pero sin pasarse.

domingo, 10 de febrero de 2013

MOVIE 43 (2012)

SANA PROVOCACION

CALIFICACION: 1,5/5



 Estados Unidos, 2012.- 90 minutos.- Director: James Gunn, Peter Farrelly, Griffin Dunne, Elizabeth Banks, Brett Ratner, Bob Odenkirk, Steven Brill, Steve Carr, Rusty Cundieff, James Duffy, Patrik Forsberg.- Intérpretes: Naomi Watts, Hugh Jackman, Kristen Bell, Halle Berry, Chloë Grace Moretz, Kate Winslet, Gerard Butler, Emma Stone, Johnny Knoxville, Uma Thurman, Elizabeth Banks, Stephen Merchant, Richard Gere, Kate Bosworth, Christopher Mintz-Plasse, Liev Schreiber, Seann William Scott, Josh Duhamel, Anna Faris, Tony Shalhoub, Jason Sudeikis.- COMEDIA DE EPISODIOS.- Debe ser defendida por lo que significa su propia existencia, más que por sus resultados finales. En un país y una industria cada vez más mojigata, no debe haber sido nada fácil levantar este proyecto y, mucho menos, convencer a todas estas estrellas para dedicar dos días de su preciado tiempo a filmar uno de los sketches que conforman esta crítica a la hipocresía americana respecto al sexo y a diversas costumbres yanquis que resultan más que risibles.

Los protagonistas son dos hermanos que buscan en internet la mítica "Movie 43", prohibida en casi todo el mundo.

Muchos espectadores y críticos la rechazan por su esencia: una película que se erige sobre el mal gusto. No debe juzgarse si estamos ante un film vulgar y desagradable. Es justamente eso lo que quiere ser. Lo que hay que valorar es sí consigue sus objetivos de entretener, hacer reír y poner en tela de juicio el modus vivendi americano, como ya hiciera Made in Usa de John Landis y Zucker-Abrahams-Zucker en 1977 con un zapping de televisión aquí sustituido por la navegación por Internet. Lo consigue a medias. Carcajadas no hay, risas pocas y sí mucho estupor, incomodidad y vergüenza ajena. En cuanto a la sátira es irregular. Algunos aspectos quedan claramente ridiculizados, otros no funcionan a nivel desmitificador.

 Otro aspecto a valorar es el deseo de Peter Farelly de levantar una película de episodios, frecuentes en décadas pasadas en el cine europeo, pero casi inéditas en Hollywood. La sucesión de episodios ahuyenta el aburrimiento ya que la escasa brevedad de los episodios casi nunca permite el bostezo.

EL ÚLTIMO DESAFIO –THE LAST STAND- (2013)

ESPERAMOS QUE EFECTIVAMENTE SEA EL ULTIMO 

CALIFICACION: 1/5 

Estados Unidos, 2012.- 107 minutos.- Director: Kim Ji-woon.- Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Eduardo Noriega, Forest Whitaker, Johnny Knoxville, Luis Guzman, Harry Dean Stanton, Peter Stormare, Zach Gilford, Jaimie Alexander, Rodrigo Santoro, Génesis Rodriguez.- ACCION.- ¿Qué es lo único que no se le puede perdonar a una action movie? Se le puede perdonar que sea absurda, que los personajes y el guión sean ridículos, que los actores estén mal o, incluso, que no esté perfectamente rodada, montada y producida. Lo que es imperdonable es que sea extremadamente aburrida e inaceptablemente previsible. Ambas cosas definen el retorno del gobernador de California a las pantallas en un papel protagonista. Un narcotraficante escapa de la justicia y huye en dirección a México. En su camino hacia la libertad sólo se interpondrá un policía de un pequeño pueblo fronterizo.

Ya la secuencia de apertura adelanta lo peor y la sucesión de tópicos, de lugares comunes no es compensada por un buen ritmo o algún giro de guión que nos despierte del letargo. Scharzee, a diferencia de otros action men de su generación ha involucionado y actúa peor que nunca, que ya es decir. Mucho debería aprender de Mel Gibson, magnífico en la notable Vacaciones en el infierno. Ambas han sido un fracaso en taquilla -las nuevas generaciones no saben quienes son estos, para ellos, ancianos- pero los resultados artísticos son opuestos.

Cuando el que fuera El último gran héroe decide que dos hechos de la trama están interconectados porque lo dice el guión te entran ganas de insultar al autor de esta bazofia. Cuando la sorpresa que explica porqué la huida se realizará precisamente por ese pueblo se desvela de manera anticipada y nada emocionante te quieres ir de la sala.

Algo que todo espectador sensato debería hacer mucho antes justo cuando, ATENCION SPOILER, le vuelan la cabeza a Harry Dean Stanton a los 2 minutos de aparecer en pantalla. Hay que ser muy negado para contar con este gran y amuleto actor y quitarlo del mapa al momento. Sin embargo, tenemos que soportar a Knoxville más de un minuto, al Hércules austriaco toda la película y a nuestro Eduardo Noriega de improbable narcotraficante sudamericano. Un desastre.

BESTIAS DEL SUR SALVAJE -BEASTS OF THE SOUTHERN WILD- (2012)

NADA QUE VER CON HOLLYWOOD NI CON EL CINE INDIE 

CALIFICACION: 3,5/5 





Estados Unidos, 2012.- 91 minutos.- Director: Benh Zeitlin.- Intérpretes: Quvenzhané Wallis, Dwight Henry.- DRAMA.- Una película isla (nunca mejor dicho) dentro del contexto del cine estadounidense que llega a nuestras pantallas. Por supuesto, está en las antípodas de lo que ofrece el Hollywood más comercial pero tampoco tiene nada que ver con la esfera independiente al que pertenece. Si este suele hablar de las cuitas existenciales y generacionales de jóvenes de clase media-alta de núcleos urbanos o de las miserias morales de la América profunda, Zeitlin adapta la obra de teatro de Lucy Alibar para mostrar realidades que no conocen la mayoría de los estadounidenses y que, de conocerlas, las relacionan con el tercer mundo.


sábado, 9 de febrero de 2013

JACK REACHER –JACK REACHER, ONE SHOT- (2012)

MALA A LA ANTIGUA USANZA

 CALIFICACION: 1/5 





Estados Unidos, 2012.- 130 minutos.- Director: Christopher McQuarrie.- Intérpretes: Tom Cruise, Rosamund Pike, Richard Jenkins, Werner Herzog, Robert Duvall.- THRILLER.- Reconozco que no estaba preparado para encontrarme lo que me encontré. Desde aquí felicito al departamento de marketing por vender tan bien esta película. Lo que parecía un divertimento de acción puro y duro se convierte en una trama de intriga que es mala de muchas maneras, pero todas a la antigua usanza. En pleno 2013 estoy más que preparado para asistir a un desastre cinematográfico de los de hoy en día (montaje desquiciado, tramas absurdas sin ninguna lógica, personajes incoherentes) pero no esperaba encontrarme con una mala película de los 80-90 estrenada 20-30 años después. Aquí que aclarar que este film vive en el peor pasado cinematográfico posible a nivel de dirección, guión y dirección de actores, ya que en el apartado técnico es notable. Como muestra, el botón de la magnífica fotografía del veterano Caleb Deschanel, padre de Zooey.


 Jack Reacher, un antiguo policía militar que vive semiescondido como un vagabundo y que trabaja por su cuenta, decide investigar el caso de un francotirador que ha sido acusado de matar, por puro azar, a cinco personas en un tiroteo. Al ser interrogado, el francotirador se declara inocente y, además, exige la presencia de Jack Reacher.

El guión demuestra que McQuarrie tuvo una gran idea, Sospechosos habituales, que le valió un merecido Oscar y ahí se acabó su inspiración. Ni como guionista (Valkiria, El turista) ni como director-guionista (Secuestro infernal ni la que nos ocupa) ha brillado a la misma altura.


viernes, 8 de febrero de 2013

PELICULAS OLVIDADAS (15): "GALLOS DE PELEA" de Monte Hellman (1974)

Gallos de pelea


LA NOCHE MAS OSCURA (ZERO DARK THIRTY) -2012-





LA OBSESION DE UN PAIS, DE UNA GENERACION. 


CALIFICACION: 3,5/5 

Estados Unidos, 2012.- 157 minutos.- Directora: Kathryn Bigelow.- Intérpretes: Jessica Chastain, Joel Edgerton, Taylor Kinney, Kyle Chandler, Jennifer Ehle. Mark Strong, James Gandolfini.- THRILLER DRAMATICO.- Ha conseguido menos reconocimiento que la anterior y sobrevalorada obra de la directora, En tierra hostil, por la que se convirtió en la primera mujer en ganar el Oscar a la mejor dirección. Pero, aunque en esta ocasión su labor no ha sido ni nominada, con Zero Dark Thirty nos entrega una obra mucho más sólida y compacta con una trama bastante más sustanciosa.

Thriller sobre la operación militar que acabó con la vida de Osama Bin Laden, líder de Al Quaeda. El título original, Zero Dark Thirty hace referencia a la hora: las 00:30 de la madrugada del 1 de mayo de 2011, momento en que el comando SEAL de los marines penetró en la residencia de Bin Laden en Pakistán para eliminar al hombre más buscado de la historia. 5 nominaciones a los Oscars.