jueves, 27 de diciembre de 2012

RESUMEN CINEMATOGRAFICO DEL 2012 (II): OTROS TITULOS INTERESANTES

 No están entre las mejores del año pero si merecen ser rescatadas entre el maremágnum de cintas que se estrenaron a lo largo del año.

THE DARK KNIGHT RISES 
Estados Unidos, 2012. Director: Christopher Nolan.- Intérpretes: Christian Bale, Tom Hardy, Anne Hathaway, Michael Caine, Gary Oldman, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Morgan Freeman, Matthew Modine.- COMIC.- Persiste en las formas narrativas de la anterior entrega. Es decir, Nolan consigue crear un ritmo casi histérico sin abusar de la acción. Es marca de la casa y, sin duda, meritorio. Inconvenientes: 1) Pierde la capacidad de memorabilidad y excepcionalidad. Como cada escena parece la más importante de la peli, al final ninguna lo parece realmente. 2) Las escenas verdaderamente intimistas no funcionan, pues están atrapadas en un maremagnum de diálogos 3) Las sorpresas te la sudan. ¡Ah, vale! que el malo en la sombra es éste… Pues como podía ser cualquier otro. 4) No hay tiempo para la reflexión sobre las sugerencias de una escena, no puedes digerirlas porque empieza otra. Las transiciones, los encadenados, la elaboración de la escena parecen producirle sarpullidos a Nolan. En definitiva, desconfío de una cinta en la que no tengo claro cuando puedo salir de la sala para ir a mear. Por otro lado, algunos diálogos son de vergüenza ajena y no serían admisibles por el público natural del film en cualquier film de otro género. Un ejemplo que podría estar perfectamente en una telenovela mejicana: cuando Cat woman le pregunta a un rico corrupto por una cierta tabula rasa y éste nos explica a nosotros lo que es pues su interlocutora sabe de sobra a qué se refiere. Finalmente dos cosas: sigo pensando que los films que adaptan comics, videojuegos, libros, etc que cuentan con un público taliban que no permite ni un solo cambio en la traslación al cine, tienen nula libertad artística. Segundo, poner en boca del malo de la peli, verdades como puños sobre nuestro sistema de vida, es más conservador y ayuda más al pensamiento único que una peli de corte conservador.






 EL FRAUDE 

Estados Unidos.- Director: Nicholas Jarecki.- Intérpretes: Richard Gere, Brit Marling, Tim Roth, Susan Sarandon, Laetitia Casta.- DRAMA.- Aunque no llega a sacar provecho de todas los sugerentes temas y líneas argumentales que abre, estamos ante un ilusionante debut en el cine de ficción de Jarecki que anteriormente sólo había firmado un documental. Estamos, por encima de todo, ante la peripecia vital de un protagonista al que acompañamos durante un breve pero intensísimo período de tiempo en el que su estructurada y satisfactoria vida se viene abajo para siempre. El mayor mérito del film es conseguir hacernos vivir, en primera persona, ese descenso a los infiernos y sentir, entre otros, la falta de sueño del protagonista, su dolor físico y su sensación de acorralamiento, engullido por sus propios errores. Podría parecer que el film da demasiadas vueltas sobre sí mismo pero ese es, en realidad, el objetivo. La estructura es poco habitual y en ella la trama no avanza sólo de forma lineal sino también en círculos concéntricos, como capas de una cebolla, siendo cada una de ellas la colisión de los personajes con el drama de Gere. Eso permite al guión reflexionar sobre los causantes de la crisis económica, los ideales corruptos de toda una sociedad, el desengaño ante el sistema judicial, la ética del trabajo, la hipocresía que rige la forma de vida americana y la utilización a capricho de los más débiles. Pero, sin embargo, los apuntes más destacados se encuentran en la familia del protagonista. Por un lado, su hija que representa, consciente o inconscientemente, la acotación gozosa de los ideales neo-con y que sólo está preocupada por la legalidad no por la moralidad de los actos de su padre. Por último, el personaje de Sarandon que parece residual pero que acaba teniendo gran importancia en la trama, representando la lucidez de saber aprovechar una oportunidad cuando te la ponen delante. Sin lugar a dudas el gran acierto del film es, por un lado, la oposición entre el principio y el desenlace. Primero somos ingenuos y escuchamos lo que tiene que decir sobre la crisis un reputado triunfador. En el desenlace, una vez que hemos sido testigos privilegiados de lo que se nos suele ocultar, ni al director ni a nosotros nos interesa más su mierda verborreica. Por tanto, fundido a negro y créditos finales. Gran desenlace. Por otro lado, podría parecer que el protagonista acaba triunfando según los cánones resultadistas y amorales que nos rodean. El silencio entre padre e hija y la dura conversación entre esposo y esposa lo desmienten. Mucho se hablado en Estados Unidos sobre la interpretación de Gere, nominado a los Globos de Oro. Siempre he dicho que me parece uno de los grandes animales cinematográficos de la actualidad, capaz de llenar la pantalla de cine sólo con su presencia. Además, por lo general, me apetece ver sus películas cuando se estrenan y eso es lo que le pido al cine actual. Que me gusten ya es la leche. Finalmente, ha evitado las secuelas y los blockbusters infantilistas para levantar una filmografía centrada en el cine adulto, mejor o peor. Lo admiro. De ahí a decir que es un buen actor, hay un largo trecho. Simplemente es consciente de sus limitaciones y sabe lidiar con ellas. Pero sigue parpadeando en los momentos más dramáticos como ya hacía hace 30 años. Marca de la casa 

FRANKENWEENIE
 Estados Unidos.- Director: Tim Burton.- Película de animación.- FANTASTICO.- Gustará a los fans de Burton y es un bello homenaje a la historia del terror cinematográfico que aquí es glorificado gracias a un bello blanco y negro y una narración que siempre fluye sin problemas pero que se vuelve previsible y carente de emoción en su segunda mitad, algo habitual, por otra parte en la filmografía de Burton: magníficas presentaciones, correctos nudos narrativos, decepcionantes desenlaces. Por otro lado, la obsesión por ser y conectar con el más rarito de la clase, con el más friki molesta por evidente. Ese discriminación positiva, tan necesaria en otros casos, aquí es algo ridícula. Pero aparte de ello, a nivel visual y estético la obra es indiscutible.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE (THE HUNGRY GAMES) 
Estados Unidos.- Director: Gary Ross.- Intérpretes: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Donald Sutherland, Toby Jones, Lenny Kravitz, Wes Bentley.- DRAMA FUTURISTA.- Soy un bicho raro. Todavía espero que una película intente contarte unos conflictos, me presente unos personajes y, sobre todo, me trasmita unas ideas y unas opiniones sobre nuestro mundo y la condición humana. Y Los juegos del hambre intenta hacer todo ello, algunas veces con acierto, muchas de manera fallida. Por ello, me resulta un film a defender (como ha hecho la mayoría de la crítica americana) a pesar de que el film presente no pocos defectos, se parezca demasiado a la sugerente pero discutible Battle Royale y Gary Ross (Pleasantville y Seabiscuit) no sea el director más adecuado para dirigir escenas de acción. A lo mejor soy el único pero detecto unas intenciones y un espiritu critico muy interesante en la base novelesca del film. Por un lado, el autoritarismo, la división del territorio según su producción, la trasformación de adolescentes entregados como carne de cañón en aparentes estrellas mediáticas con la aquiescencia de éstos, la dictadura de la juventud, la obligación social de caer bien para poder triunfar en el mundo de lo políticamente correcto auque éste incluya un espectáculo basado en el asesinato. Pero, sobre todo, la demolición, la voladura destructiva del gran mito de la sociedad de consumo: el amor romántico como fuerza invencible que no se puede manipular ni usar en beneficio propio. No lo había visto en ningún blockbuster hollywoodiense (ni en la subversiva década de los 70) y me pareció alucinante. He visto pocas referencias a este tema y no sé si es que no se ve o no se quiere ver. ¿Qué las escenas de acción están rodadas como el culo? Sí. ¿Qué se hace innecesariamente larga? También ¿Qué tiene una estructura y unos personajes deslavazados y erráticos? Valen ¿Y qué blockbuster actual no los tiene?

MAGIC MIKE 
Estados Unidos.- Director: Steven Soderbergh.- Intérpretes: Channing Tatum, Alex Pettyfer, Matthew McConaughey, Olivia Munn.- COMEDIA DRAMATICA.- Depara bastante más de lo que anunciaba su publicidad y vuelve a demostrar la inquietud de Soderbergh por no repetirse e intentar construir una filmografía lo más heterogénea posible. Un riesgo que no siempre acaba en buen puerto. Pocas veces encontramos en el cine actual un abismo tan grande entre lo superficial y lo profundo. Podría parecer, como sugiere un trailer tan falaz como eficiente, que estamos ante una comedia intrascendente realizada para el lucimiento de sus guapos actores y disfrute de un determinado y lúbrico público femenino. Nada más lejos de la realidad. Las luces del club de striptease se erigen en fachada de una desoladora peripecia de tono existencialista que ilumina tristes realidades tan cercanas como la precariedad laboral, la falta de profesionalidad, la improvisación, la irresponsabilidad, la decadencia moral y el dinero fácil como sueño de toda una sociedad. Es posible que, con la perspectiva de los años, la película crezca y se convierta en la radiografía in situ de un tiempo, nuestro tiempo. Por el momento, la valoraremos como una cinta irregular, con altibajos y que presenta en su obstinación por tratar todos esos temas de manera indirecta y oblicua –nunca evidente-, sus mejores y, al mismo tiempo, peores cartas. Para terminar no puedo dejar de volver a su trailer, ejemplo de marketing efectivo pero engañoso, ya que oculta totalmente el tono trágico de la historia, potenciando su parte lúdica usando, incluso, una canción de Rhianna que no suena nunca en el film. En Estados Unidos ha conseguido que el film haya sido tremendamente taquillero. En España no han repetido la jugada.


LA PESCA DEL SALMON EN YEMEN 
Gran Bretaña.- Director: Lasse Hallström.- Intérpretes: Ewan McGregor, Emily Blunt, Kristin Scott Thomas, Rachael Stirling, Amr Waked.- TRAGICOMEDIA ROMANTICA.- Como cuando estrenaron, por ejemplo Tomates verdes fritos o El club de los poetas muertos, una película con semejante título hay que ir a verla aunque sólo sea para descubrir por uno mismo, de qué demonios se trata. La cinta empieza como una suerte de actualizada (la influencia de In the loop es palpable en el personaje de una siempre estupenda Scott-Thomas) comedia de la productora británica de la Ealing, aquélla que en los años 50 y 60 se caracterizó por un humor inteligente y sardónico que ridiculizaba la estupidez humana y especialmente los juegos de intereses que rigen la sociedad occidental. En este caso se hace merecida sangre de la clase política y sus bastardos intereses. Aunque esta línea argumental no se abandona nunca, pronto los dramas personales de los personajes toman preponderancia y paralelamente la película decae en su interés. Cuando se ahonda en el análisis de las relaciones entre Oriente y Occidente la película vuelve a remontar el vuelo hasta llegar a un desenlace en el que todos los temas confluyen, poniendo el acento en cómo la clase política no tiene reparos en manipular las vidas de los seres humanos en su propio interés. Quizá sean demasiados temas para una sola película, pero tanto el guionista como el director consiguen que casi nunca chirríe esa mezcla aunque si bien es cierto que los terroristas islamistas son demasiado de manual y poco creíbles, lo que demuestra que Hallstrom no es un director muy capacitado para la acción.

MILLENIUM: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES 
Estados Unidos.- Director: David Fincher.- Intérpretes: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Robin Wright Penn, Steven Berkoff, Yorick van Wageningen, Goran Visnjic.- ACCION.- Si obviamos que la única razón de ser de este remake de un film conocido por una amplia mayoría en Europa y otras zonas del mundo es acercar esta poderosa historia a un público americano demasiado perezoso para ver películas subtituladas (Así se estrenan los escasos films en lengua no inglesa que llegan a las pantallas estadounidenses), hay que señalar que estamos ante la mejor revisitación posible. Y ello se debe a la maestría de Fincher (Seven, Zodiac, La red social) que logra acercarse a la esencia y, sobre todo, a la atmósfera del film original. Efectivamente rodar y ambientar la narración en la Suecia de la novela era una acertada y, a la vez, arriesgada opción. Todos los cinéfilos, también los españoles, hemos sufrido cintas y cintas ambientadas fuera de Estados Unidos repletas de errores y que destilan falsedad por los cuatro costados. Aquí se han preocupado de que, al menos, no se note demasiado que los responsables del film son foráneos. Sin duda, el mayor acierto de Fincher es dotar al film de un excelente ritmo y un vigoroso sentido de la narración que hace que nos acerquemos a la intriga casi como fuera material de primera mano.

MI SEMANA CON MARILYN 
Gran Bretaña.- Director: Simon Curtis.- Intérpretes: Michelle Williams, Eddie Redmayne, Kenneth Branagh, Emma Watson, Judi Dench, Dominic Cooper, Derek Jacobi, Julia Ormond, Toby Jones, Dougray Scott.- DRAMA.- No estamos, ni mucho menos, ante una gran película, pero sí podemos saludar a este film como un placentero viaje cinéfilo a un breve instante en la vida de dos personas: un chaval anónimo que esta descubriendo la vida y una de las grandes estrellas de la historia del cine. Dos seres humanos que contra todo pronóstico y lógica –entorno social y generación a la que pertenecen, continente en el que viven- no sólo llegan a conocerse, sino que, además, -y lo más importante- consiguen intimar, no ya a nivel físico, sino, sobre todo, emocionalmente. Un extraño milagro que raras veces se da pero que, cuando ocurre se convierte en huella imborrable. Estamos ante una película basada fundamentalmente en el trabajo actoral (excelente todo el reparto, destacando una Michelle Williams que consigue resucitar a Marilyn para la gran pantalla cuando su físico es casi opuesto al del mito sexual) y en un guión que consigue hacer creíble e inteligible cada una de las psicologías enfrentadas. Sin embargo, la dirección del debutante y televisivo Curtis no está a la altura. Pero podemos decir que si no aporta brillantez al resultado final, tampoco lo perjudica, ya que, al menos, sabe insuflar un adecuado ritmo a la narración, que nos devuelve el placer de ver un film sin necesidad de vivirlo en primera persona.

 PROJECT X
 Estados Unidos.- Director: Nima Nourizadeh.- Intérpretes: Thomas Mann, Oliver Cooper, Jonathan Daniel Brown, Kirby Bliss Blanton.- COMEDIA SALVAJE.- Una cinta discutible, tanto moral como cinematográficamente, pero, sin duda, mucho más sugerente a nivel estético, narrativo y evolucionativo que la mayoría de los films procedentes de las majors hollywoodienses. Si desde estas líneas he criticado aquellos juicios sobre el arte cinematográfico basados en criterios morales o religiosos, no haré yo ahora lo mismo. Concibo el arte como una expresión humana libérrima, sin otras limitaciones que el hecho de que todos los participantes estén de acuerdo con lo que hacen y no se incumplan las leyes vigentes en ese momento (aunque algunas sean más que cuestionables). Sin embargo, debo resaltar que la moraleja del film es cuestionable y puede molestar a más de un espectador. En un contexto de producción en el que se pueden mostrar grandes dosis de violencia (Saw) pero ni una sola teta o culo, se agradece el desparpajo sexual tanto físico como verbal que insufla el debutante Nima Nourizadeh a sus imágenes. Ayudado por el hecho de que repartió pequeñas cámaras a los participantes de esta macrofiesta que en la ficción dura una noche pero que necesitó de más de 20 para su realización, Nourizadeh da autenticidad a un megabotellón, rave o como se quiera llamar que alcanza cotas épicas, en una época en la que lo sublime y lo absurdo e inútil se confunden con demasiada facilidad. Por otro lado, la presencia de actores desconocidos (el actor que interpreta el personaje de Costa es media película) da autenticidad a una narración que consigue a través de un magnífico montaje trasmitir la sensación de realidad documental sin que por ello, la calidad visual apeste y logrando que ver a otros divertirse, sea entretenido también para el público. Señalar, por último, que acudí a verla, por voluntad propia, rodeado de su público natural (adolescentes y jóvenes) en una sesión de madrugada de un viernes noche y comprobé como su narrativa y estética conectaban con el auditorio. Había un silencio y un respeto a la proyección casi litúrgico. Ello me reafirma que estamos ante un film que mira hacia delante, hacia el futuro del cine en contraposición (por poner un ejemplo actualmente en cartel) “Miel de naranjas” que es más antigua que el VHS. ¿Qué no nos gusta lo que vemos en la lontananza del porvenir?. Es posible. A mi me pasa con El caballero oscuro y Origen y soy un bicho muy raro por ello. ¡Qué se le va a hacer!

SALVAJES
 Estados Unidos. Director: Oliver Stone.- Intérpretes: Taylor Kitsch, Blake Lively, John Travolta, Salma Hayek, Aaron Johnson, Emile Hirsch, Benicio Del Toro, Joel David Moore, Trevor Donovan, Mía Maestro, Demián Bichir.- DRAMA DE ACCION.- Junto a la secuela de Wall Street, estrenada hace dos años, representa una parcial recuperación de Stone tras años perdido en películas lamentables (World Trade Center) o proyectos documentales minoritarios. Además, y a diferencia de la mencionada secuela, aquí el director de JFK vuelve a su cine más visceral y airado, tanto a nivel narrativo como estético. En consecuencia, Stone nos regala, de nuevo, lo mejor y lo peor de su estilo cinematográfico. El film comienza con una presentación de personajes y ambientes modélica por la claridad de la exposición y por la belleza y el empaque visual insuperable que nos recuerda a las grandes producciones de estudio de décadas pasadas donde se aunaba a la perfección calidad y comercialidad. Stone demuestra que la fealdad visual no es la única manera de filmar la delincuencia. Además, esta preciosista fotografía no es caprichosa sino que forma parte de la narración, ya que refleja la falsa placidez en la que pretende vivir el personaje de Johnson, un budista que se dedica al tráfico ilegal de drogas, metáfora perfecta de nuestros tiempos moñas. Cuando estalla el conflicto con el cartel mexicano entramos en los territorios de violencia y desolación paisajística propios del autor y evidentes en obras como Asesinos natos. La película cobra entonces una fuerza inusitada y un pulso narrativo impecable al que ayudan notablemente las sobresalientes actuaciones de Hayek y Del Toro. La verdadera y lúcida inquietud de los artífices intelectuales salta a la vista: no hay pueblos más salvajes que otros sino pueblos más sometidos que otros a injusticias, brutalidad y violencia. Cualquiera puede llegar a ser un “salvaje” llevado al límite. La traición, los dobles juegos, la corrupción más extrema y la violencia más descarnada (todas ellas marca de la casa) campan a sus anchas en una parte central muy efectiva. Sin embargo, como ocurre en parte de su filmografía. Stone no sabe acabar a tiempo sus historias y empieza a dar vueltas y más vueltas a una trama que requería un desenlace más concreto. Aún así, una cinta nada prescindible y totalmente recomendable para los amantes del buen cine comercial hollywoodiense.

VACACIONES EN EL INFIERNO 
Estados Unidos.- Director: Adrian Grunberg.- Intérpretes: Mel Gibson, Kevin Hernández, Daniel Giménez Cacho, Jesús Ochoa, Dolores Heredia.- THRILLER DRAMATICO.- Gibson defiende unos presupuestos ideológicos deleznables y, seguramente, su compañía no debe ser muy agradable, pero todo ello no es óbice para reconocerle su talento como actor y, sobre todo, como director así como su olfato para reconocer proyectos interesantes como éste que produce y al frente del cual ha elegido como director a su asistente en sus aventuras detrás de la cámara. Estamos en las antípodas de lo política (y aburridamente) correcto. Un drama de acción sucio, violento, desagradable, grosero y…rabiosamente divertido. También es un film muy bien escrito, ambientado, rodado e interpretado. Es decir, todo lo que se daba por supuesto en el cine de otras épocas y que ahora es difícil de encontrar. Si a eso añadimos un ritmo vigoroso pero no confuso, unos diálogos tan eficaces como bien construidos y unos personajes identificables que destilan verdad gracias al guión y, sobre todo, a unas eficaces interpretaciones, el aficionado al buen cine comercial está de enhorabuena. Si a todo ello añadimos un acertado tono de fábula crítica social en su primera parte, mejor que mejor. Lástima que en el último tercio se les va la mano en el tremendismo y en la exageración, lo que perjudica al resultado y a la sensación final. Aún así vale la pena aunque sólo sea para ver y escuchar a Mel Gibson hacer una memorable imitación de uno de los grandes directores de las últimas décadas. Por cierto, imprescindible verla en versión original.

WAR HORSE (CABALLO DE BATALLA) 
Estados Unidos.- Director: Steven Spielberg.- Intérpretes:.- DRAMA.- 100% Spielberg. Tan ñoña como emotiva, tan clasicota como perfecta, tan irregular como, por momentos, brillante, tan manierista como bella. En su arranque al film le cuesta horrores carburar y coger brío y dedica casi media hora a la resolución de un conflicto, cuyo desenlace conocemos desde el minuto uno. Después, siguiendo el clásico argumento del objeto o ser vivo (en este caso un caballo) que pasa de mano en mano el film repasa algunos pasajes de la Primera Guerra Mundial: trincheras, deserción, civiles acosados por el conflicto, irracionalidad de los mandos militares, uso de animales en la contienda…Entre todos ellos destaca la peripecia de dos niños soldado alemanes y la secuencia del caballo perdido en tierra de nadie. Spielberg parece mucho más preocupado por homenajear a clásicos como El hombre tranquilo, ¡Qué verde era mi valle!, Senderos de gloria o Lo que el viento se llevó,entre otros, que en narrar la historia que tiene entre manos. El film copia tan milimétricamente planos de estas obras maestras, que el espectador que las conozca se acabará olvidando de la trama para jugar a descubrir estas referencias cinéfilas. Lástima que Spielberg no parezca haber revisado Winchester 73 de Anthony Mann y su proverbial concisión a la hora de narrar concisamente cómo algo pasa de mano a mano y ninguno se lo queda.

Tampoco se deben dejan pasar de largo estos otros títulos:

 -Desde Argentina nos llegó la demoledora Elefante blanco la nueva obra del siempre interesante Pablo Trapero.

 -La exigente pero novedosa Moneyball (Estados Unidos) con brillante guión de Aaron Sorkin, gran interpretación de Brad Pitt y eficaz dirección de Bennett Miller

 -El brutal cambio de tono en la filmografía de Kevin Smith en Red state (Estados Unidos), potente thriller alrededor de la locura del fanatismo religioso que se alzó ganadora en el festival de cine de Sitges.

 -También intentó hacer algo diferente la pareja Faris-Dayton (Pequeña Miss Sunshine) en Ruby sparks (Estados Unidos), al reflexionar, gracias a un notable guión de la protagonista, –Zoe Kazan, nieta del mítico y controvertido Elia Kazan- sobre los tradicionales ideales femeninos que los hombres han perpetuado durante siglos y su destrucción en el siglo XXI.

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