sábado, 29 de diciembre de 2012

FELIZ 2013. LAS MEJORES PELIS DEL 2012 SEGUN EL CAMAROTE DE LOS MARX (ES DECIR, CRITERIO NINGUNO)




En el programa de radio que realizamos, desde hace siete años, Juan Francisco Aguirre, Augusto Gonzalez y José Antonio Pérez y el que escribe (El camarote de los Marx en http://artegalia.blogspot.com.es/p/parrilla-de-radio.html , http://www.ivoox.com/podcast-camarote-marx_sq_f12192_1.html y http://elcamarotedelosmarx.blogspot.com.es/) ya hemos elegido las mejores películas del año. Cada uno de nosotros votaba con 3 puntos sus 5 mejores películas, con 2 puntos sus pelis del 6 al 10 y con 1 punto las del 11 al 20.



Es sólo un aperitivo de la gran votación de más de 20 críticos, cinéfilos y profesionales de la industria alicantinos o vinculados con Alicante que están invitados a votar. Los resultados el jueves, 17 de Enero de 2013 en el Foro Cultural de Fnac Alicante   http://tiendas.fnac.es/bulevar/categoria/agenda-forum/



Estos son los resultados. Aprovecho para desearos un FELIZ AÑO NUEVO 2013!!!!!!!!!!!!!!!!


11 ARGO

10 MOONRISE  KINGDOM

10 GRUPO 7

9 BLANCANIEVES

8 MARTHA MARCIA MAY MARLENE

8 LOOPER

8 LA INVENCION DE HUGO

6 INTOCABLE

5 YOUNG ADULT

5 TAKE SHELTER

5 LA VIDA DE PI

4 THE DEEP BLUE SEA

4 PROFESOR LAZHAR

4 MAGIC MIKE

4 LOS DESCENDIENTES

CARTELERA NAVIDEÑA



LAS SESIONES: Vitalista a pesar del tema. Grandes interpretaciones. Pequeña producción. Canto a la tolerancia y a evitar los extremismos religiosos. NOTA: 3/5 

LA VIDA DE PI: Gran dirección de Lee. Espectáculo visual. Huye del buenrollismo que destila el argumento. Enorme lección de vida. Quijote, Sancho o una mezcla de ambos. Tú eliges.  NOTA: 3,5/5 

LOS MISERABLES: Las críticas dicen que ni las nefastas decisiones del director pueden destruir la fuerza de la novela y el musical. Cerrar los ojos y escuchar las canciones. Pendiente valoración.

EL HOBBIT: Tampoco la he visto todavía. Pereza total!!!!!!! 3 horas sin coches, tiros, chicas guapas, canciones cojonudas, personajes con los que identificarme ni ciudades fascinantes. Ni muchas otras cosas que me gusta ver en una pantalla de cine. Pendiente valoración. 

¡ROMPE RALPH!: No aprovecha totalmente la gran potencialidad de su idea de partida. El videojuego elegido para ubicar gran parte de la historia no es el que más me atrae. Mola pero sin pasarse. Mejor, el corto que le acompaña. Paper man. NOTA: 3/5

DE OXIDO y HUESO: Dura pero estimable. Grandiosa y bellísima, a pesar de las exigenciad del guión, Marion Cotillard. Le sobran 15 minutos antes del epílogo que vuelve a estar al nivel de la magnífica primera hora. NOTA: 3/5

jueves, 27 de diciembre de 2012

RESUMEN DEL AÑO CINEMATOGRAFICO 2012 (I): LAS OBRAS MAS DESTACABLES

En un año cinematográfico no demasiado brillante y sin verdaderas obras maestras, la selección se hace difícil y he optado por bajar la exigencia e incluir casi todas aquellas películas que han destacado por encima de una media más baja, por ejemplo, la del pasado 2011.

24 títulos son los seleccionados: 12 estadounidenses, 4 francesas 3 españolas, 3 británicas, una italiana y una canadiense.




ARGO 
Estados Unidos.- Director: Ben Affleck.- Intérpretes: Ben Affleck, John Goodman, Alan Arkin.- THRILLER DE INTRIGA.- Ben Affleck ya no es una promesa como director. Es una realidad que confiamos, por el bien del cine, que no se diluya en la bruma de la pretenciosidad y el ombliguismo en la que caen otros muchos cuando se les alaba demasiado. Tras la interesante Adios, pequeña, adiós y la vibrante The town, Affleck filma su película más ambiciosa y a la par redonda. Affleck no intenta inventar nada nuevo, simplemente se marca como objetivo contar de la mejor manera posible historias atractivas y potentes. Y así, por contraste con lo habitual en el Hollywood actual, marca su propio estilo. Una vez que ya ha fijado los objetivos que en otro tiempo eran simples mínimos de calidad exigibles, Affleck se permite ir más allá mezclando géneros, texturas y experimentando con el tiempo y la narración cinematográfica. El film une, sabiamente, el thriller político y policíaco de los 70 (con Lumet, Pollack y Pakula como principales referentes) las películas de evasión del telón de acero (Cortina rasgada) y el cambio en la cinefilia y en los gustos del público de finales de los 70. Pero Argo es, ante todo, un canto de amor al cine comercial de calidad, al oficio de hacer películas y al disfrute en una sala oscura de los efectismos, las trampas, los engaños y los trucos de la proyección a 24 (no a 48) fotogramas por segundo.

BLANCANIEVES
 España.- Director: Pablo Berger.- Intérpretes: Maribel Verdú, Ángela Molina, Macarena García, Daniel Giménez Cacho, Pere Ponce, Josep María Pou, Sofía Oria.- DRAMA.- Una arriesgadísima apuesta la de Pablo Berger que, afortunadamente, llega a puerto y convierte al director de Torremolinos 73 en una figura a seguir y una esperanza para nuestra maltrecha industria cinematográfica. Me imagino que Berger observaría con preocupación como desde que concibió esta historia hace años, se iban estrenando, sucesivamente, un film mudo como The artist, convertido en fenómeno mundial y dos dispares adaptaciones hollywoodienses del inmortal cuento de los hermanos Grimm que obtenían cierta repercusión y éxito en taquilla. El público desinformado podría recibir esta nueva propuesta como un oportunista intento de aprovecharse de la corriente exitosa del film francés y mostrarse fatigado ante la enésima revisitación del mito. Pero Berger tenía ases ganadores en su manga, al menos a nivel artístico, aunque la carrera comercial del film no está siendo nada desdeñable si tenemos en cuenta que presenta tres venenos, salvo excepciones, para la taquilla: cine español, blanco y negro y cine mudo. Esas garantías de éxito artístico son una idea original sublime plasmada en un notable guión pero, especialmente, una dirección, montaje, planificación, ambientación, post-producción, dirección de actores e interpretación no sólo muy por encima de la media del cine español sino que pueden competir perfectamente a nivel internacional, como han destacado críticos tan prestigiosos como Roger Ebert del Chicago Sun-Times. Por otro lado, nada más lejos de la intención de Berger que seguir el modelo brillante pero mimético de The Artist o la costumización de Blancanieves en propuestas que derivan hacia la modernez y la narración globalizada más o menos brillante. Berger propone una obra intesamente personal y netamente española sin renunciar a la universalidad. Vincular el toreo, el flamenco y el circo (tres disciplinas que los que me conocen bien saben que no son santo de mi devoción) al cuento clásico y conseguir un film tan brillante como emotivo no parecía posible. Pero bebiendo no sólo del cine mudo americano sino del expresionismo alemán y de los grandes maestros europeos (Dreyer y Renoir por citar un par de nombres) el resultado es loable y sorprendente.


DRIVE. 
Estrenada a finales del 2011, estuvo en exhibición principalmente en el año 2012 
Estados Unidos.- Director: Nicolas Winding Refn.- Intérpretes: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Christina Hendricks, Bryan Cranston, Oscar Isaac, Albert Brooks.- THRILLER PSICOLOGICO-ROMANTICO.- Una verdadera sorpresa y una de las cintas más interesantes de todas las estrenadas en España durante el año 2011. El noruego Winding Refn debuta a lo grande en Hollywood y se convierte en una promesa hecha realidad y a seguir con atención. El proverbial uso de la elipsis, la controlada deriva tonal entre romanticismo y violencia casi gore, un esteticismo que casa perfectamente con lo que se está contando y unas bienvenidas dosis de efectismo y pretenciosidad en un contexto donde se prefiere el aburrimiento a lo molón, son algunos de las virtudes del film. El film se erige en un hibrido perfecto entre lo mejor del cine de Sofia Coppola y David Lynch y el espíritu desencantado y fatalista del cine angelino -ambientado en Los Angeles- de los 80. A saber American Gigoló, Mike´s murder, Vivir y morir en Los Angeles o A la mañana siguiente, por citar algunas. La consecución de algunas escenas mágicas como la del cauce del río, la del ascensor, la del club de alterne o aquella en la que el protagonista aparece casi como un espectro con la máscara que utiliza en sus escenas de alto riesgo como especialista son momentos que quedan en la retina por largo tiempo, Finalmente lo que completa el festín cinéfilo son los comentarios críticos con nuestro entorno económico-social que casi siempre son visuales y no discursivos. Quizá el paso del tiempo no la trate bien, como otras muchas cintas que impactaron en su momento por su capacidad para captar el espíritu de un tiempo. Pero nunca me he sentido capacitado para saber si una película se convertirá en un clásico sino lo que supone en el que contexto en el que se estrena.

EL PROFESOR 
Estados Unidos.- Director: Tony Kaye.- Intérpretes: Adrien Brody, Christina Hendricks, Sami Gayle, Marcia Gay Harden, James Caan, Lucy Liu, Bryan Cranston, Blythe Danner, William Petersen, Tim Blake Nelson.- DRAMA.- Más de una década después de su exitosa American History X volvemos a saber de Kaye con un film en el que vuelve a mostrar, de manera más evidente si cabe, su preocupación sobre la importancia de la educación y la responsabilidad de toda la sociedad de no dejar caer en el abismo de la autodestrucción y la desesperanza a la energía que puede iluminar el futuro: los jóvenes. Y lo hace con una crudeza y compromiso absolutamente insólito en el contexto general de la industria americana. Con un estilo nervioso y entrecortado que trasmite tanta inmediatez como desolación, Kaye, perfectamente escoltado por un excelente reparto en el que brilla con luz propia Brody, nos presenta un cuadro social deprimente pero que a la vez nos ayuda a entender mejor y a iluminar el oculto brillo de esas masas de jóvenes que llenan los parques de cualquier lugar, sentados en los bancos dejando pasar las horas sin ninguna esperanza de futuro. Sin aspavientos hollywoodienses ni falacias sentimentales, el film cala hondo en el espectador, especialmente en las relaciones seudo paterno-filiales que el protagonista tiene con una estudiante acosada y una prostituta adolescente. Sin embargo, el guión cae en uno de los tópicos más sobados del drama adolescente cuya evidente pervivencia en el mundo real no lo hace menos tópico cuando se plasma en pantalla.

GRUPO 7 
España.- Director: Alberto Rodríguez.- Intérpretes: Mario Casas, Antonio de la Torre, Joaquín Núñez, José Manuel Poga, Inma Cuesta.- POLICIACO.- Vibrante, dinámica, rigurosa, autentica, sólida y lúcida son algunos de los calificativos que se pueden aplicar a esta cinta española que se erige en la prueba de que en España se puede hacer buen cine de género a poco que el objetivo de los responsables del film sea la honestidad en la busqueda de la calidad y no aparentar, codearse con el famoseo u obtener una subvención. Rodríguez ya demostró su valía, el conocimiento del terreno que pisaba y su honestidad en las anteriores Siete vírgenes y After. Aquí vuelve a los terrenos andaluces que tanto conoce, recreando de manera magnífica la idiosincrasia, personajes y lugares del Sur de España. La película mantiene el interés del espectador durante toda la proyección, lo hace imaginar o recordar –según su edad- lo peligrosas que eran las calles desde mediados de los 80 hasta principios de los 90, lo sumerge en el submundo del lumpen y le narra de manera diafana una trama compleja. La floja interpretación de Casas (mejor que otras veces , gracias al siempre excelente trabajo de dirección de actores de Rodríguez) y algunas deficiencias de fotografía y post-producción se olvidan por la fuerza del conjunto.

INTOCABLE
Francia.- Director: Olivier Nakache y Eric Toledano.- Intérpretes: François Cluzet, Omar Sy, Anne Le Ny, Audrey Fleurot. COMEDIA DRAMATICA.- Confieso este film me daba mucha pereza. Entre el tema que olía a dramón o fabula buenrollista y lo pesado que está el cine comercial francés desde Amelie (al menos el que llega a España) no me apetecía nada. Pero algunas buenas críticas, el consejo de dos amigos de gustos fiables y la sensación de que se potenciaba la comedia sobre el drama, vencieron mi resistencia. Fui a verla y salí encantado. La cinta no es una obra maestra ni mucho menos pero si una obra muy resultona. A pesar de un flashforward inicial –están, molestamente, muy de moda-bastante descorazonador, irritante y absolutamente gratuito la cinta pronto eleva el vuelo hasta erigirse en un trabajo brutalmente vitalista y dinámico a pesar de la situación del protagonista. Con métodos primarios pero efectivos y casi nunca vulgares y soeces, la película nos gana con el humor y un personaje, el interpretado por el premiado Omar Sy, memorable. Sólo nos queda una pregunta ¿cuándo será capaz el cine español de hacer una película autóctona y a la vez plenamente exportable como lo es ésta?

 LA INVENCION DE HUGO 
Estados Unidos.- Director: Martin Scorsese.- Intérpretes: Asa Butterfield, Chloe Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Emily Mortimer, Michael Stuhlbarg, Ray Winstone, Christopher Lee. DRAMA DE AVENTURAS FANTASTICAS.- 35 años después de la demoledora Taxi Driver, Scorsese rueda un film infantil. Podría parecer que el italo-americano se ha vendido definitivamente a la industria que ama y odia a partes iguales. Pero los que seguimos su obra y vida sabemos que hay muchas personas en Scorsese. Está el neoyorkino fascinado con la ciudad, sus ambientes y sus gentes. Está el italo-americano que ama Little Italy y que ha querido plasmar lo que significa pertenecer a esta minoría en un país plagado de las mismas. Está el católico que quiso ser sacerdote. Y está el cinéfilo que consume cine como una droga, que nos ha legado documentales sobre la historia del cine americano y del cine italiano imprescindibles, que devora toda la bibliografía cinematográfica que cae en sus manos y que dedica parte de su tiempo y su fortuna a encontrar y recuperar celuloide perdido. Sin olvidar que realiza una revisión crítica de la historia del cine, poniendo en su justo lugar a joyas olvidadas porque en su momento eran demasiado modernas, incorrectas, provocativas o, simplemente, no recibieron el apoyo de la industria y de su marketing. El germen de Hugo está en esta última faceta cinéfila. Hugo es un canto de amor al cine que nos regala el director de Toro Salvaje. Y no sólo a lo que representa el cine, sino a sus pioneros, a su magia, a su mitología y, porqué no, al cine en sala, en pantalla grande. También es una reflexión sobre cómo el exceso de realidad, ya sea audiovisual o directa, afecta negativamente a la libertad creativa del cineasta, obligado a que su cine parezca “real”, cuando está es sólo una de las infinitas opciones a las que debería poder tener derecho el artista. Finalmente, estamos ante una madura reflexión sobre el paso del tiempo, el cambio en los gustos, la amargura del olvido y la ingenua inconsciencia de las nuevas generaciones cuyo síntoma más evidente es creerse poseedoras de todas las certezas. Sin ser una obra maestra, si estamos ante un film importante que forma un díptico cinéfilo, de ida y vuelta, (Estados Unidos-Francia, los dos países a los que debemos esa maravilla que es el cine) con The Artist. Es curioso que, ambas con 5 Oscars, hayan sido las ganadoras de la ceremonia en un año que abre la segunda década del siglo XXI, un siglo con un futuro sombrío para el cine tal y como lo hemos conocido hasta hoy en día.



LOOPER
Estados Unidos.- Director: Rian Johnson.- Intérpretes: Joseph Gordon-Levitt, Bruce Willis, Emily Blunt, Pierre Gagnon, Paul Dano, Piper Perabo, Jeff Daniels.- DRAMA DE CIENCIA-FICCION.- Original, insólita y desconcertante. Sin abandonar en ningún momento la sugestiva trama propuesta por sinopsis y trailers, el film ofrece mucho más, aportando otras líneas narrativas todavía más interesantes con connotaciones éticas y morales casi proféticas y que reflexionan sobre la tan habitual, en este subgénero de viajes en el tiempo, posibilidad y conveniencia de cambiar el curso de la historia. Estamos ante uno de esos casos en los que, aunque no se nos ofrezca exactamente lo que esperamos, lo que recibimos supera las expectativas. El potente arranque nos sitúa rápidamente, aunque no nos sumerge del todo, en este futuro antiutópico y no tan diferente a nuestro presente y a lo que parece presagiar el futuro: Como ejemplo esa fumigación ultramoderna porque es rentable mientras que se sigue cortando la leña con hacha porque a nadie le interesa investigar en ese campo. Las escenas de acción no son abusivas y ayudan a que la trama avance. En menos de media hora ya nos han contado todo lo que sabíamos previamente. ¿Y ahora qué? o el desastre o la decepción o el acierto. Afortunadamente esto último se impone y la película entra en un espacio personal (la relación personal entre Gordon-Levitt y Blunt) totalmente alejado de los códigos narrativos actuales que puede recordarnos un poco al mejor Shyamalan pero sin su mesianismo. La acción queda para el personaje de Willis y no desentona. Otros aciertos provienen de la autoconsciencia de los diálogos de la que no se abusa ya que aparece en dos momentos tan puntuales como fundamentales. Por un lado, la sátira sobre la continua reflexión sobre la cultura popular en la que se ha convertido el cine yanqui más “in”. Por otro lado, el desprecio absoluto a basar la película en las paradojas temporales sobre los viajes en el tiempo (¿Primer?) cualquier otra paja mental tan supuestamente brillante como fría cuyo objetivo es demostrar a todo el mundo lo listo que es el autor (¿Origen?). Aquí la materia no es el intelecto, sino la emoción, la empatía y las contradicciones del ser humano. Por supuesto, algunas cosas quedan en el limbo de la ambigüedad como esa especial conexión entre los dos yo del personaje que explica la obsesión un poco excesiva por conseguir que, gracias al maquillaje y a la interpretación de Gordon-Levitt, éste sea un sosias joven de Willis. En definitiva, una gratificante esperanza la del autor de la peculiar Brick y la inédita Los hermanos Bloom que esperemos no sea engullido por la maquinaria hollywoodiense que usa la más mínima sospecha de la estupidez del público mayoritario para intentar alimentarla con su arsenal de remakes, reboots, adaptaciones varias y desprecio de la originalidad.

LOS DESCENDIENTES 
Estados Unidos, 2011.- Director: Alexander Payne.- Intérpretes: George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, Patricia Hastie, Matthew Lillard, Judy Greer, Beau Bridges, Robert Forster.- DRAMA.- Aunque subjetivamente me gusta más la anterior película de Payne, Entre copas, objetivamente estamos ante un film a la misma altura y que puede gustar a un público más amplio ya que si aquella era una película fundamentalmente sobre el universo masculino, ésta es más universal y ahonda en las miserias y grandezas del ser humano. Como en todas sus películas Payne nos presenta a un personaje principal en un momento crucial: aquel en el que tiene que tomar decisiones largamente aplazadas, ya que las circunstancias no le dejan otra opción. Tiene que pagar deudas no monetarias, (acertadamente el protagonista tiene una situación económica más que holgada) sino emocionales. Payne borda la descripción del personaje, su entorno, sus interacciones personales y sus conflictos. Lamentablemente, la primera media hora del film (quizá la más interesante) ya nos la sabemos por culpa de uno de los más nefastos trailers de los últimos tiempos. Después los personajes se embarcan en un viaje sin un objetivo muy claro y narrado de una manera quizá demasiado sutil que da lugar a que muchos detalles ingeniosos del guión se nos puedan pasar de largo en un primer visionado. El mayor logro de Payne es encontrar un magnífico equilibrio entre el drama y la comedia, entre la tragedia y el absurdo con un tema que no se presta en absoluto a ello. Los personajes de el suegro del protagonista y del amigo de su hija son de los mejores secundarios de los últimos tiempos. Sin embargo, en ocasiones, el film no parece centrarse y casi se nos olvida que la madre-esposa de los protagonistas está en coma. Además, el final es flojo y carece de fuerza dramática, aunque sí que está repleto de humanidad.

LOS IDUS DE MARZO 
Estados Unidos.- Director: George Clooney.- Intérpretes: Ryan Gosling, George Clooney, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Philip Seymour Hoffman, Evan Rachel Wood.- DRAMA POLITICO.- Sin llegar a ser una obra maestra del (sub) género político, Clooney logra un film más que interesante, y valiente desde el punto de vista ideológico, ya que narrativa y estéticamente busca un clasicismo que borda a la perfección. Un joven idealista empieza a trabajar como director de comunicación para un prometedor candidato que se presenta a las elecciones primarias del Partido Demócrata. Durante la campaña tendrá la oportunidad de comprobar hasta qué extremos se puede llegar con tal de alcanzar el éxito político. Estamos ante la adaptación cinematográfica de la obra teatral "Farragut North" de Beau Willimon con guión del guionista y director de una de las películas más excéntricas y curiosas del galán de Hollywood, Los hombres que miraban fijamente a las cabras. El propio Clooney ha colaborado con el tal Grant Heslov en un libreto de estilo más convencional, ya que debían ser fieles al espíritu del original, escrito para los escenarios. El primer gran acierto del film es que, en absoluto, se nota ese origen y la película resulta muy dinámica gracias al perfecto uso de decorados y localizaciones. Otro elemento destacable son los magníficos diálogos, certeros, reveladores y marcados por la inteligencia, la emoción y la clarividencia. Nada que ver con los de otros brillantes guionistas actuales que, quizá, escriban con mayor calidad literaria pero sus diálogos, estando repletos de tecnicismos y tienen detrás un ingente trabajo de documentación, carece de la mínima reflexión personal y clarividencia sobre el funcionamiento de nuestra sociedad. Algo que sufro a diario en los trabajos escritos de mis estudiantes. Siguiendo con los elementos positivos, debemos citar el trabajo actoral. En líneas generales magnífico, destacando por encima de todos Phillip Seymour Hoffman que da una lección de interpretación en cada una de sus apariciones. Aunque el film interesa desde el principio con su diáfano, pero no por ello simplista, análisis de los entresijos de la política norteamericana, alcanza su cenit cuando se desencadena el drama que cambia el destino de los personajes. Aquí la cinta se desmarca de la habitual filosofía hollywoodiense (hay personas corruptas pero el sistema funciona) para constatar que lo que está podrido es el sistema y que es imposible triunfar en política siendo honesto. Independientemente de que las ideas defendidas por cierto candidato sean loables. No entra en esa discusión falaz. Finalmente destacar que no se alarga la historia más de lo necesario y que la magnífica estructura circular de la narración (claros ecos de Eva al desnudo) alcanza su cima con esa nueva becaria que parece un clon de las anteriores. Porque no debemos olvidar que la película versa, sobre todo, sobre cómo las nuevas generaciones nos-se creíamos-creen dueñas del presente y cómo las antiguas se aferran como sea a su poder.


MARTHA MARCIA MAY MARLENE 
 Estados Unidos.- Director: Sean Durkin.- Intérpretes: Elizabeth Olsen, Brady Corbet, Hugh Dancy, John Hawkes, Sarah Paulson.- DRAMA.- Sugerente propuesta del cine indie estadounidense que se alzó con el premio al mejor director en el Festival de Sundance, además de recibir otras nominaciones en este certamen y otros como Cannes, los Independent Spirit Awards y en diferentes certámenes organizados por asociaciones de críticos. Sin duda alguna, lo más destacable del film es la puesta en escena y la dirección de Durkin y las excelentes interpretaciones de todo el reparto, especialmente Olsen y Hawkes, cuyo rol resulta igual de amenazante que el que bordó en Winter´s bone. Como en ésta y en la reciente Take Shelter nos encontramos ante inquietantes pero nada tópicos ni previsibles viajes a la América profunda y rural. En este caso la travesía hacia la locura se centra en descubrir los horrores ignorados que vive la protagonista, cuyo desquiciado comportamiento va cobrando sentido conforme se nos desvelan datos de su vida anterior, sin los cuales optaríamos por catalogarla como demente. En esta peculiar y dosificada construcción dramática, apoyada en una planificación de escenas que crea una sensación de irrealidad, de desubicación espacial y de indefinición de lo real y lo ficticio, está el mayor acierto de este personal film. Una película que consigue que nos impliquemos con la protagonista, cuya peripecia personal vivimos en primera persona desde el principio hasta un final deliberadamente ambiguo y abrupto que nos deja sin saber más datos sobre la tercera etapa vital en la que entra la protagonista a lo largo del film. Quizá sea mejor así porque no parece nada halagueña.

SHAME
Gran Bretaña- Director: Steve McQueen.- Intérpretes: Michael Fassbender, Carey Mulligan.- DRAMA.- Una película turbadora, nihilista, existencialista… con un argumento que se puede resumir en cuatro líneas pero cuyas cargas de profundidad perviven en el espectador tiempo después de la proyección. Con el reclamo del sexo explícito y unos contundentes desnudos, las pocas salas que la proyectan se están llenando. Sin embargo, estamos ante una de las películas más antieróticas de toda la historia del cine sobre sexo. Como el Marlon Brando de El último tango en Paris o el Jack Nicholson de Conocimiento carnal, el Fassbender, magnífico trabajo, por cierto, de Shame entiende el sexo como pulsión incontrolable, como necesidad incapaz de ser satisfecha, como acto personal no compartido (bien por onanista, bien porque el otro es entendido como puro objeto), como antítesis a la expresión del amor humano, como búsqueda desesperada de una felicidad inalcanzable, como individualismo radical que no te hace crecer, sino que te destruye. Película atmósferica, opresiva, fría y terrible, encuentra su cálidez, que no su coartada sentimental ni válvula de escape, en el arriesgado personaje magníficamente interpretado por Carey Mulligan. Cinta capaz de captar el espíritu de una época en la que el simulacro, la realidad y la subjetividad parecen una misma cosa en las relaciones sociales de nuestro entorno globalizado del siglo XXI. El protagonista es un caso extremo de sociopatía perfectamente descrita en un montaje paralelo entre las llamadas desesperadas de Mulligan y el descenso al hedonismo extremo de Fassbender. Muchos no estamos tan, tan lejos del protagonista. Por último, comentar que la escena final que cierra la estructura circular del film, abre el debate sobre el conservadurismo del film.

THE ARTIST 
Estrenada a finales del 2011, estuvo en exhibición principalmente en el año 2012 
Francia.- Director: Michel Hazanavicius.- Intérpretes: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle, Malcolm McDowell.- TRAGICOMEDIA.- Un placer cinéfilo y bastante más que una mera copia, por perfecta que fuera, de las formas visuales y constantes narrativas del cine mudo; sin duda, el período más puro y auténtico de la historia del séptimo arte. Un tiempo en el que no era necesario el uso del sonido ni excesivos efectos visuales para emocionar al espectador, conectándolo con sus emociones más universales. Hazanavicius ha realizado un portentoso trabajo de documentación, empapándose de los principales títulos del cine silente, para regalarnos este sincero homenajes. Pero sus logros no se detienen ahí. Ha introducido en este corpus una serie de elementos más modernos que casan perfectamente con el entorno creado. 1) Una magnífica banda sonora (confluencia perfecta de lo viejo y lo nuevo) que realza y complementa cada una de las escenas. Un ejemplo magnífico es aquel en el que subraya un angustioso montaje paralelo, propio de las grandes obras del maestro del cine Griffith, con una mítica pieza musical que Hermann compuso para Hitchcock. 2) El uso de una serie de recursos narrativos más propios del período clásico que de los inicios del cine 3) La utilización del sonido con valor dramático (lo único que realmente aportó la novedad sonora al cine) en una magistral secuencia onírica. Por otro lado, se debe destacar a la pareja protagonista que está perfecta en sus roles. Trasmite emoción, sinceridad, patetismo e ingenuidad según la ocasión. Sin olvidar una de las mejores interpretaciones caninas de la historia. Adoro a ese perro y eso que no soy mucho yo de mascotas. Finalmente, destacar que la cinta, tras ganar varios Globos de Oro, tiene posibilidades de cara a los Oscars. Y es que no hay nada que guste más a Hollywood que (re) descubrir que en su culturalmente idolatrada e idealizada Europa, nos pirramos por la cultura popular yanqui.

THE DEEP BLUE SEA 
Gran Bretaña.- Director: Terence Davies.- Intérpretes: Rachel Weisz, Tom Hiddleston, Simon Russell Beale, Ann Mitchell, Harry Hadden-Paton.- DRAMA.- Por fin, otra cosa. En una época en que la narración cinematográfica dominante se caracteriza (al igual que la vida) por el aparentemente brillante pero vacío, hueco y frío juego mental, el alboroto, la prisa, la confusión, la verborrea, el griterío, el estruendo, lo evidente, la fisicidad y el pragmatismo, Terence Davies apuesta aquí por todo lo contrario. La emoción contenida, la profunda reflexión sobre la naturaleza humana, la calma, el silencio, los diálogos justos y necesarios, los estallidos de ira imprescindibles, la importancia del ambiente, el peso del pasado y los sonidos profundos y el canto comunal como expresión de profundos sentimientos. Londres, años 50. En una sociedad puritana e intolerante, Hester Collyer, la mujer de un juez del Tribunal Supremo, y un apuesto expiloto de la RAF viven un amor imposible. Ayudado de manera decisiva por un elenco en estado de gracia con una Rachel Weisz en la cúspide de su talento interpretativo, la cinta nos narra una sinopsis brevísima pero el drama humano universal: amar y ser correspondido…o no. Gracias, además, a una perfecta planificación y una dirección virtuosa consigue que, lo que en otras manos sería un ladrillo importante, se convierta en un disfrute sin un momento de aburrimiento ni desinterés.

UN LUGAR DONDE QUEDARSE (This Must Be the Place) 
Italia.- Director: Paolo Sorrentino.- Intérpretes: Sean Penn, Eve Hewson, Frances McDormand, Judd Hirsch, Harry Dean Stanton, David Byrne.- TRAGICOMEDIA.- Hay que tenerlos muy grandes para plantearse llevar a la pantalla el guión de esta película. Sorrentino se atreve y sale ileso del intento de suicidio creativo. Diría que airoso y, por momentos, triunfante. En un contexto mimético con ínfulas de originalidad el director de Il divo y Las consecuencias del amor rueda un film al que el adjetivo de excéntrico le queda pequeño. El de marciano también. Film inclasificable, que odiaras o amaras, con aires de Paris-Texas de Wenders , nos lleva a una peripecia vital que mezcla temas cuya mera unión ya puede ofender a más de uno. Con una belleza visual indiscutible y epatante, Sorrentino nos conduce desde el viejo Dublín amenazado por el progreso urbanístico hasta un mágico concierto de Talking Heads en Nueva York, pasando por las carreteras desiertas de la América profunda Cuanto menos se sepa de este film mejor, por ello, les recomiendo no leer la sinopsis que sigue a continuación. Simplemente destacar todas las interpretaciones y una banda sonora que comparte tema musical clásico con nuestra Soldados de Salamina.

Mención especial merece MOONRISE KINGDOM  de Wes Anderson, posiblemente la película más bella, personal y libre del cine comercial americano.


También  recomendables son:

-La notable pero exigente adaptación de la novela de espionaje de John Le Carré, El topo (Gran Bretaña) dirigida por el Tomas Alfredson de “Déjame entrar”

-La algo sobrevalorada, pero aún así brillante, ganadora de la Concha de Oro en San Sebastián En la casa (Francia) dirigida por el francés François Ozon.

-La admirable adaptación que ha realizado Ang Lee de la grandiosa pero difícilmente adaptable novela La vida de Pi (Estados Unidos)


-La consolidación de la actriz Julie Delpy como una directora a seguir en Le skylab (Francia)

-La sensible pero nada sensiblera reflexión sobre la educación y el duelo en Profesor Lazhar (Canadá) de Philippe Falardeau

-La inquietante Take Shelter (Estados Unidos) de Jeff Nichols donde los verdaderos horrores no están en las amenazas externas sino en la locura cotidiana, en el fanatismo religioso y la opresión de las comunidades cerradas sobre sí mismas.

-La sólida escritura de guión y las magníficas interpretaciones del nuevo trabajo de Cesc Gay (En la ciudad, Krampack) Una pistola en cada mano (España).

-La arriesgadísima nueva cinta de Jason Reitman (Juno, Up in the air) Young Adult (Estados Unidos) que fue un fracaso en taquilla al ahondar en la idea de dar el protagonismo a un ser humano horroroso con el que es imposible empalizar y que no aprende nada por el camino. Lúcida radiografía de nuestros días.

RESUMEN CINEMATOGRAFICO DEL 2012 (II): OTROS TITULOS INTERESANTES

 No están entre las mejores del año pero si merecen ser rescatadas entre el maremágnum de cintas que se estrenaron a lo largo del año.

THE DARK KNIGHT RISES 
Estados Unidos, 2012. Director: Christopher Nolan.- Intérpretes: Christian Bale, Tom Hardy, Anne Hathaway, Michael Caine, Gary Oldman, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Morgan Freeman, Matthew Modine.- COMIC.- Persiste en las formas narrativas de la anterior entrega. Es decir, Nolan consigue crear un ritmo casi histérico sin abusar de la acción. Es marca de la casa y, sin duda, meritorio. Inconvenientes: 1) Pierde la capacidad de memorabilidad y excepcionalidad. Como cada escena parece la más importante de la peli, al final ninguna lo parece realmente. 2) Las escenas verdaderamente intimistas no funcionan, pues están atrapadas en un maremagnum de diálogos 3) Las sorpresas te la sudan. ¡Ah, vale! que el malo en la sombra es éste… Pues como podía ser cualquier otro. 4) No hay tiempo para la reflexión sobre las sugerencias de una escena, no puedes digerirlas porque empieza otra. Las transiciones, los encadenados, la elaboración de la escena parecen producirle sarpullidos a Nolan. En definitiva, desconfío de una cinta en la que no tengo claro cuando puedo salir de la sala para ir a mear. Por otro lado, algunos diálogos son de vergüenza ajena y no serían admisibles por el público natural del film en cualquier film de otro género. Un ejemplo que podría estar perfectamente en una telenovela mejicana: cuando Cat woman le pregunta a un rico corrupto por una cierta tabula rasa y éste nos explica a nosotros lo que es pues su interlocutora sabe de sobra a qué se refiere. Finalmente dos cosas: sigo pensando que los films que adaptan comics, videojuegos, libros, etc que cuentan con un público taliban que no permite ni un solo cambio en la traslación al cine, tienen nula libertad artística. Segundo, poner en boca del malo de la peli, verdades como puños sobre nuestro sistema de vida, es más conservador y ayuda más al pensamiento único que una peli de corte conservador.






 EL FRAUDE 

Estados Unidos.- Director: Nicholas Jarecki.- Intérpretes: Richard Gere, Brit Marling, Tim Roth, Susan Sarandon, Laetitia Casta.- DRAMA.- Aunque no llega a sacar provecho de todas los sugerentes temas y líneas argumentales que abre, estamos ante un ilusionante debut en el cine de ficción de Jarecki que anteriormente sólo había firmado un documental. Estamos, por encima de todo, ante la peripecia vital de un protagonista al que acompañamos durante un breve pero intensísimo período de tiempo en el que su estructurada y satisfactoria vida se viene abajo para siempre. El mayor mérito del film es conseguir hacernos vivir, en primera persona, ese descenso a los infiernos y sentir, entre otros, la falta de sueño del protagonista, su dolor físico y su sensación de acorralamiento, engullido por sus propios errores. Podría parecer que el film da demasiadas vueltas sobre sí mismo pero ese es, en realidad, el objetivo. La estructura es poco habitual y en ella la trama no avanza sólo de forma lineal sino también en círculos concéntricos, como capas de una cebolla, siendo cada una de ellas la colisión de los personajes con el drama de Gere. Eso permite al guión reflexionar sobre los causantes de la crisis económica, los ideales corruptos de toda una sociedad, el desengaño ante el sistema judicial, la ética del trabajo, la hipocresía que rige la forma de vida americana y la utilización a capricho de los más débiles. Pero, sin embargo, los apuntes más destacados se encuentran en la familia del protagonista. Por un lado, su hija que representa, consciente o inconscientemente, la acotación gozosa de los ideales neo-con y que sólo está preocupada por la legalidad no por la moralidad de los actos de su padre. Por último, el personaje de Sarandon que parece residual pero que acaba teniendo gran importancia en la trama, representando la lucidez de saber aprovechar una oportunidad cuando te la ponen delante. Sin lugar a dudas el gran acierto del film es, por un lado, la oposición entre el principio y el desenlace. Primero somos ingenuos y escuchamos lo que tiene que decir sobre la crisis un reputado triunfador. En el desenlace, una vez que hemos sido testigos privilegiados de lo que se nos suele ocultar, ni al director ni a nosotros nos interesa más su mierda verborreica. Por tanto, fundido a negro y créditos finales. Gran desenlace. Por otro lado, podría parecer que el protagonista acaba triunfando según los cánones resultadistas y amorales que nos rodean. El silencio entre padre e hija y la dura conversación entre esposo y esposa lo desmienten. Mucho se hablado en Estados Unidos sobre la interpretación de Gere, nominado a los Globos de Oro. Siempre he dicho que me parece uno de los grandes animales cinematográficos de la actualidad, capaz de llenar la pantalla de cine sólo con su presencia. Además, por lo general, me apetece ver sus películas cuando se estrenan y eso es lo que le pido al cine actual. Que me gusten ya es la leche. Finalmente, ha evitado las secuelas y los blockbusters infantilistas para levantar una filmografía centrada en el cine adulto, mejor o peor. Lo admiro. De ahí a decir que es un buen actor, hay un largo trecho. Simplemente es consciente de sus limitaciones y sabe lidiar con ellas. Pero sigue parpadeando en los momentos más dramáticos como ya hacía hace 30 años. Marca de la casa 

FRANKENWEENIE
 Estados Unidos.- Director: Tim Burton.- Película de animación.- FANTASTICO.- Gustará a los fans de Burton y es un bello homenaje a la historia del terror cinematográfico que aquí es glorificado gracias a un bello blanco y negro y una narración que siempre fluye sin problemas pero que se vuelve previsible y carente de emoción en su segunda mitad, algo habitual, por otra parte en la filmografía de Burton: magníficas presentaciones, correctos nudos narrativos, decepcionantes desenlaces. Por otro lado, la obsesión por ser y conectar con el más rarito de la clase, con el más friki molesta por evidente. Ese discriminación positiva, tan necesaria en otros casos, aquí es algo ridícula. Pero aparte de ello, a nivel visual y estético la obra es indiscutible.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE (THE HUNGRY GAMES) 
Estados Unidos.- Director: Gary Ross.- Intérpretes: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Donald Sutherland, Toby Jones, Lenny Kravitz, Wes Bentley.- DRAMA FUTURISTA.- Soy un bicho raro. Todavía espero que una película intente contarte unos conflictos, me presente unos personajes y, sobre todo, me trasmita unas ideas y unas opiniones sobre nuestro mundo y la condición humana. Y Los juegos del hambre intenta hacer todo ello, algunas veces con acierto, muchas de manera fallida. Por ello, me resulta un film a defender (como ha hecho la mayoría de la crítica americana) a pesar de que el film presente no pocos defectos, se parezca demasiado a la sugerente pero discutible Battle Royale y Gary Ross (Pleasantville y Seabiscuit) no sea el director más adecuado para dirigir escenas de acción. A lo mejor soy el único pero detecto unas intenciones y un espiritu critico muy interesante en la base novelesca del film. Por un lado, el autoritarismo, la división del territorio según su producción, la trasformación de adolescentes entregados como carne de cañón en aparentes estrellas mediáticas con la aquiescencia de éstos, la dictadura de la juventud, la obligación social de caer bien para poder triunfar en el mundo de lo políticamente correcto auque éste incluya un espectáculo basado en el asesinato. Pero, sobre todo, la demolición, la voladura destructiva del gran mito de la sociedad de consumo: el amor romántico como fuerza invencible que no se puede manipular ni usar en beneficio propio. No lo había visto en ningún blockbuster hollywoodiense (ni en la subversiva década de los 70) y me pareció alucinante. He visto pocas referencias a este tema y no sé si es que no se ve o no se quiere ver. ¿Qué las escenas de acción están rodadas como el culo? Sí. ¿Qué se hace innecesariamente larga? También ¿Qué tiene una estructura y unos personajes deslavazados y erráticos? Valen ¿Y qué blockbuster actual no los tiene?

MAGIC MIKE 
Estados Unidos.- Director: Steven Soderbergh.- Intérpretes: Channing Tatum, Alex Pettyfer, Matthew McConaughey, Olivia Munn.- COMEDIA DRAMATICA.- Depara bastante más de lo que anunciaba su publicidad y vuelve a demostrar la inquietud de Soderbergh por no repetirse e intentar construir una filmografía lo más heterogénea posible. Un riesgo que no siempre acaba en buen puerto. Pocas veces encontramos en el cine actual un abismo tan grande entre lo superficial y lo profundo. Podría parecer, como sugiere un trailer tan falaz como eficiente, que estamos ante una comedia intrascendente realizada para el lucimiento de sus guapos actores y disfrute de un determinado y lúbrico público femenino. Nada más lejos de la realidad. Las luces del club de striptease se erigen en fachada de una desoladora peripecia de tono existencialista que ilumina tristes realidades tan cercanas como la precariedad laboral, la falta de profesionalidad, la improvisación, la irresponsabilidad, la decadencia moral y el dinero fácil como sueño de toda una sociedad. Es posible que, con la perspectiva de los años, la película crezca y se convierta en la radiografía in situ de un tiempo, nuestro tiempo. Por el momento, la valoraremos como una cinta irregular, con altibajos y que presenta en su obstinación por tratar todos esos temas de manera indirecta y oblicua –nunca evidente-, sus mejores y, al mismo tiempo, peores cartas. Para terminar no puedo dejar de volver a su trailer, ejemplo de marketing efectivo pero engañoso, ya que oculta totalmente el tono trágico de la historia, potenciando su parte lúdica usando, incluso, una canción de Rhianna que no suena nunca en el film. En Estados Unidos ha conseguido que el film haya sido tremendamente taquillero. En España no han repetido la jugada.


RESUMEN CINEMATOGRAFICO DEL 2012 (III): SORPRESAS, CURIOSIDADES Y RAREZAS



¿Qué haríamos los cinéfagos sin esas rarezas, marcianadas? Pelis o demasiado novedosas o tan anticuadas que van por derroteros totalmente distintos a las corrientes principales del cine actual.

Los recortes también han llegado a este tipo de producciones. Este año se han producido menos y el terror de las distribuidoras a estrellarse en taquilla con productos de difícil ubicación ha provocado que muchas no se han estrenado en España y otras lo han hecho con tan pocas copias que sólo han llegado a las grandes ciudades.


CHRONICLE 
Estados Unidos.- Director: Josh Trank.- Intérpretes: Dane DeHaan, Alex Russell, Michael B. Jordan, Michael Kelly, Ashley Hinshaw.- DRAMA FANTASTICO.- Los gustos del público joven (11 años en adelante) cambian con la misma rapidez que el mundo que les rodea. Unas semanas antes de ver Chronicle observé entre perplejo, apenado y satisfecho como niños y pre-adolescentes rechazaban –abandonando la sala o montando gresca- lo que veían en la pantalla. Hablamos de Los Muppets, la autoconsciente revisión para el siglo XXI del universo de los aquí conocidos como Los teleñecos. Mientras tanto, los adultos disfrutaban como niños viéndola. Me pregunto si inconscientemente la muchachada captaba la fina ironía crítica que destilan estos nuevos Muppets contra los gustos y formas de comportamiento de las nuevas generaciones. Semanas después, acudí entre curioso y prevenido a ver un nuevo ejemplo de cine que intenta dar apariencia de absoluta realidad (Bruja de Blair, Monstruoso, Paranormal activity). Una estética y narrativa que conecta con los jóvenes y que, en mi opinión, destruye el cine tal y como yo lo entiendo. Al llegar a la entrada de la multisala, una empleada de la misma que conoce bien mi aversión a las hordas de adolescentes hiperactivos, me advierte que la sala de Chronicle parece una fiesta rave. Decido dar una nueva oportunidad al género humano y desoyendo sus advertencias me meto en la sala. El jolgorio es descomunal. Empieza la peli y se hace el silencio. Lo que se proyecta en la pantalla en la primera parte del film, filmado con una antigua cámara casera, conecta de verdad con el auditorio. Los chavales se sienten identificados con lo que ocurre ante sus ojos. No es la única sorpresa. Descubro sorprendido que, no es que la película me esté maravillando, pero sí que siento interesado. Lo que hace interesante al film es situar el universo de los superpoderes en un ámbito radicalmente costumbrista. Se nos narra, pura y llanamente, lo que harían unos chavales más o menos convencionales si, de repente, tuvieran superpoderes. El film no pierde tiempo en explicarnos porque obtienen esos superpoderes, ya que no es más que una excusa argumental. Lo que le interesa es reflexionar cómo gestionan cada uno de los tres protagonistas la nueva situación, según su psicología y ambiente social. Es cierto que estos ambientes se construyen sobre tópicos flagrantes, que algún giro de guión es arbitrario y que el film llega a aburrir en su parte final –más interesada en el arsenal de efectos especiales que en la narración- pero aún así habrá que seguir con curiosidad más que con esperanza la carrera de Trank y la de su guionista, Max Landis, hijo del mítico John Landis.

DREDD 
Gran Bretaña.- Director: Pete Travis.- Intérpretes: Karl Urban, Olivia Thirlby, Lena Headey.- ACCION FUTURISTA.- Estamos ante una nueva adaptación del prestigioso cómic homónimo ya llevado a la pantalla en 1995 de manera desastrosa con Stallone de protagonista. Desde luego, esta nueva versión presenta, sin duda, una mayor calidad. No sé si es fiel al comic ni me importa porque son medios distintos y, si respetamos el cine, las películas deben ser juzgadas por sí mismas, pero sus seguidores le han dado un mucho mejor recibimiento. Evidentemente no estamos ante ningún gran logro del género pero sí que cubre con creces el expediente del entretenimiento y de la reflexión futurista, especialmente un prólogo brillante que es cine puro y que nos introduce perfectamente en el universo en el que se van a desarrollar las peripecias de los protagonistas. Una vez presentados los personajes, el conflicto (afortunadamente muy claro, esencial y definido) y la atmósfera, la cinta se vuelve más convencional al estilo del juego del gato y el ratón pero sin perder nunca el pulso narrativo y la fuerza expresiva, implementada con el fascinante efecto visual que recrea la ralentización del tiempo que experimentan los personajes que consumen la droga slow-mo(tion). En definitiva, un film prescindible pero no despreciable.



ETERNAMENTE COMPROMETIDOS 
Estados Unidos. Director: Peter Stoller.- Intérpretes: Jason Siegel.- COMEDIA.- Una nueva forma de narrar, cuestionable pero estimulante. La factoria Apatow ha ido renovando la comedia hollywoodiense en este nuevo siglo con Virgen a los 40, Lío embarazoso, Supersalidos, Hazme reír, La boda de mi mejor amiga, Todo sobre mi desmadre o Paso de ti. Del mismo director de estas dos últimas nos llega este eterno compromiso matrimonial que nunca parece cristalizar en boda. Stoller y el guionista y protagonista Segel desprecian 3 elementos de lo más taquillero: la importancia que se le da al desenlace (como si alguien no supiera desde el minuto 1 cómo van a acabar estas historias), el exceso y saturación de climax (véase Nolan) y la idealización romántica del amor como potente instrumento neo-con de domesticación y potenciación del consumo. A los responsables del film no les importa qué pasará al final sino cómo son las vidas de los personajes mientras se acerca el previsible desenlace. Por eso, estamos ante una de las escasas muestras actuales del cine de lo cotidiano en la línea de le edad dorada del género, durante la segunda mitad de los 70 y primera mitad de los 80. Pero aquí el tono, el ritmo son tan diferentes como lo son aquella sociedad y la actual. Las formulas hollywoodienses prácticamente desaparecen (las cosas no pasan como se supone que deben ocurrir en una película) al igual que los aspavientos dramáticos y la rutina previsible. Se sustituye por una falsa apariencia de realidad que para muchos espectadores y críticos se convertirá en una película aburrida e innecesariamente alargada. Es probable que tengan razón. Sin embargo, como ocurría con La boda de mi mejor amiga, entré en el juego. No se trata de un aburrido, tópico, artificial y casi agónico desarrollo hacia un final más que cantado (como ocurría con muchas pelis fórmula de los 80 y 90) sino ver desfilar ante tus ojos cómo fluye la vida de un grupo de personas con el que ya no tendrías problema en pasar 3, 4,5 horas. Sin idealizaciones hollywoodienses que rompan el tono realista (cuando el protagonista monta su propio negocio como chef, no se trata de un mega restaurante de lujo sino de una ambulancia sucia y vieja reconvertida en puesto de nachos. Lo fantasioso y la libertad creativa viene por el lado de la narración cinematográfica y no del contenido, como ocurre en el caso de la persecución rodada como si un cartoon clásico se tratara.

INFILTRADOS EN CLASE 
Estados Unidos. Director: Philip Lord, Chris Miller.- Intérpretes: Jonah Hill, Channing Tatum, Brie Larson, Dave Franco, Rob Riggle, DeRay Davis, Ice Cube.- COMEDIA.- El eco mendrugo. Ya sólo por definir con ese escueto término toda la tontería que nos rodea ya vale la pena este film. Que se defina a sí misma, aunque indirectamente, como la misma basura de siempre que nos quieren vender como algo nuevo, habla bastante bien del sentido del humor de sus responsables: los directores y Hill como guionista y Tatum y Johnny Depp (que protagoniza un divertido cameo) como productor. Por último escenas como la llegada al instituto en la que el choque generacional de sólo 7 años de lugar a que ya no reconozcan a las diferentes tribus que pueblan el lugar demuestran una gran perspicacia sobre la rapidez con la que se suceden las modas y costumbres en el siglo XXI. Film plenamente autoconsciente y multirrefencial peca de algunos de los grandes defectos del cine yanqui actual que intenta alejarse de lo convencional: un ritmo enloquecido que impide disfrutar de los aciertos del guión y los momentos cómicos, el desequilibrio entre el ingenio y la sal gorda y la falta absoluta de universalidad, lo que lo hace exclusivamente disfrutable para aquellos que conozcan las claves para descifrar todos sus referentes generacionales (“sólo me llaman al movil familiares muy viejos. Mis amigos me mandan mensajes”) y de cultura popular (Las palomas de John Woo). Una persecución tan divertida como excéntrica y una subversión de los códigos de las comedias de John Hughes son algunos de los momentos que se suman a la nómina de aciertos de un film que gustará más o menos, será mejor o peor, pero desde luego es un paso adelante hacia una nueva forma de narrativa que mira hacia delante.


RESUMEN CINEMATOGRAFICO 2012 (IV): LAS DECEPCIONES



 No hay nada más decepcionante para un cinéfilo que esperar la nueva obra de un autor de prestigio y encontrarse con un fiasco. Woody Allen, Rodrigo García, Clint Eastwood, Ridley Scott, Ayer, Daldry, Crowe, Rodrigo Cortes o Torregrosa se estrellaron artísticamente en 2012. Otros proyectos atractivos encabezados por nombres de menor enjundia también fueron fiascos. Lo imposible arrasó en taquilla, pero no vale mucho como obra cinematográfica. 

  
A ROMA CON AMOR
Estados Unidos-Italia-España, Director: Woody Allen.- Intérpretes: Woody Allen, Alec Baldwin, Roberto Benigni, Penélope Cruz, Judy Davis, Jesse Eisenberg, Greta Gerwig, Ellen Page, Alison Pill, Ornella Muti, Riccardo Scamarcio, Alessandra Mastronardi.- COMEDIA DE EPISODIOS.- Casi nunca aburre, despierta algunas risas, incluye una perspicaz y cáustica reflexión sobre el absurdo de la fama en el mundo actual y presenta una idea tan desternillante como genial sobre el mito, ya universal, de cantar en la ducha. No es demasiado, pero tampoco despreciable. Woody Allen filmando con el piloto automático puesto y sin poner el alma en lo que hace consigue mejores resultados que muchos de los directores y, sobre todo, guionistas, actuales. A sus seguidores nos gustaría que se esmerara más pero ¡Qué se le va a hacer! Ha decidido la cantidad a la calidad y es respetable. Siempre queda la opción de ignorar sus nuevas y poco ambiciosas propuestas, a la espera de que se descuelgue con un nuevo Matchpoint. Como toda película de episodios unos funcionan mejor que otros. El más redondo es el protagonizado por Woody Allen, seguido muy de cerca por el vodevilesco de la pareja que se pierde en la capital italiana, aderezado a la perfección por una desprejuiciada Penélope Cruz. El capitaneado por Benigni es el que cuenta con un mejor punto de partida pero peor desarrollo. Finalmente el de los Baldwin, Eisenberg y Page es el menos pulido y creíble.

ALBERT NOBBS 
Gran Bretaña.- Director: Rodrigo García.- Intérpretes: Glenn Close, Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Jonathan Rhys Meyers, Brendan Gleeson, Maria Doyle Kennedy, Janet McTeer.- DRAMA.- Cuando uno va al cine, hay cosas mucho peores que elegir una mala película. Cuando acudes por curiosidad morbosa a ver un más que previsible bodrio, ya vas prevenido e incluso puedes reirte de sus multiples defectos o, incluso, sorprenderte pasando un buen rato o, incluso, descubriendo que no es tan mala como la pintan. Si se confirma que es un desastre, no pasa nada; ya estaba en la lista de pelis de las que no esperabas nada. Mucho más frustrante es acudir a la sala de cine con buenas referencias y encontrarse con un fenomenal bodrio. La tenías en la lista de esperanzas de que el nuevo año de cine sería mejor y empieza a confirmarte que seguramente será peor. Todos esperábamos más de un director interesante aunque con tendencia a endilgarnos ladrillos importantes con la coartada de sensible y feminista (la recomendable serie En tratamiento, la sobrevalorada Cosas que diría con sólo mirarla, las notables Madres e hijas y Nueve vidas y la desastrosa Passengers), una actriz protagonista en el papel de su vida que le vale otra nominación al Oscar (Glenn Close) y una trama interesante aunque muy vista: la de una mujer que se debe vestir de hombre para subsistir en un universo machista (Yentl, ¿Victor o Victoria?) ¿Y qué nos ofrece Albert Nobbs? Aburrimiento, cartón-piedra, hechuras de telefilm de lujo y una continua y desesperada llamada a la suspensión de incredulidad: cómo nunca vemos a Albert Nobbs en pantalla sino a Glenn Close disfrazada de hombre (como mucho al único que hombre al que me recordó el-la protagonista mientras veía la película fue al ínfame ex jugador del Real Madrid, Prosinecki; con lo cual mis pesadillas fueron terribles) nos resulta ridículo que los protagonistas se traguen sin dudar ni rechistar que ese patético travestido sea un hombre. Lo único que salva al film del absoluto desastre que bordea todo el tiempo es la entrega total de Close a un papel y una película en la que cree a pies juntillas, no sabemos porqué. ¿Tanto le afectó al entendimiento y la perspicacia su inolvidable papel de Alex en Atracción fatal?

BATTLESHIP
 Estados Unidos.- Director: Peter Berg.- Intérpretes: Taylor Kitsch, Liam Neeson, Alexander Skarsgård, Brooklyn Decker, Josh Pence, Rihanna.- ACCION Y CIENCIA-FICCION.- El argumento ya parece un chiste. La película lo es, pero más largo que un día sin pan, cómo decía mi abuela, con conocimiento de causa. El film no engaña a nadie, es mejor que el modelo al que imita (la saga Transformers) ya que, al menos, las escenas de acción están bien rodadas y la narración va de menos a más, ya que tras unos primeros 20 minutos de salirse (yo lo hice por primera vez) el film se hace soportable, sólo soportable. Pero el problema es mío. A diferencia de la mayoría de la humanidad me aburre la acción por la acción. No es que me aburra, es que me aburre soberanamente. No es que me aburra soberanamente, es que me resulta insoportable. Preferiría ver la pantalla en blanco y escuchar el silencio. Me resulta más placentero. Tengo que hacer grandes esfuerzos para poder concebir la idea de que alguien (y son muchos) paguen 8 euros por ver esto. O que prefieran dedicar 2 horas de su tiempo a este tipo de cine que no sé, a dormir, mirar el infinito o hacer garabatos en un papel. Más aún, mi limitado entendimiento no alcanza para entender que alguien pueda acudir a una sala de cine con ganas de ver esto y que, obviamente, salga satisfecho porque le han dado lo que demandaba. En ese sentido el film funciona y mejor que otros. Argumentalmente estoy totalmente de acuerdo con Javier Ocaña de EL PAIS, Un producto inequívoco del tiempo presente: indolente, superficial, estridente y profundamente imbécil.

DESAFIO TOTAL 
Estados Unidos.- Director: Len Wiseman.- Intérpretes: Colin Farrell, Kate Beckinsale, Jessica Biel, Bill Nighy.- ACCION FUTURISTA.- Prácticamente un desastre, si no fuera por la magnífica producción que consigue disfrazar un poco todas las carencias que presenta el film. De hecho me dormí (los que me conocen saben que no es algo habitual) y cuando desperté todo seguía igual de aburrido o más. Wiseman, que no hace honor a su apellido, ha centrado en su carrera en la saga Underworld, protagonizada por su bellísima esposa, Kate Bechkinsale. Esta a su vez se ha resguardado en esta saga contra las inclemencias de un miserable Hollywood muy hostil con las actrices que van cumpliendo años. Mejor para su abultada cuenta bancaria, peor para nosotros que vemos como su talento se desperdicia en blockbusters que nos privan de él. Si bien Wiseman se mostró competente en la cuarta entrega de Jungla de Cristal, aquí se suma a la triste fiesta de un guión caótico con una dirección que compite en confusión y una rutinaria manera de filmar las escenas de acción (todas iguales, ¡Qué diferencia, por ejemplo, con la cinta que recuperé al día siguiente, 13 asesinos de Takeski Mikee, todo un derroche de imaginación a la hora de filmar las peleas y batallas! Sin embargo, el mayor problema del film es la pésima definición de personajes, dando la sensación de que sus acciones o reacciones se producen porque lo dice el guión, no como consecuencia lógica de sus personalidades. Sólo queda, pues, recrearse en el aspecto visual y en la belleza de sus tres protagonistas. No es suficiente para dedicarle tiempo y dinero.

J. EDGAR 
 Estados Unidos.- Director: Clint Eastwood.- Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Josh Lucas, Judi Dench, Armie Hammer, Ed Westwick, Dermot Mulroney, Lea Thompson.- DRAMA.- Hacer una película aburrida sobre una de las personalidades más complejas y apasionantes del siglo XX parecía casi imposible. Clint Eastwood, en horas bajas, y sobre todo el nefasto guionista Dustin Lance Black (increíble pero no incomprensible –lobby gay, lobby gay- oscar al mejor guión por Harvey Milk) lo consiguen en bastantes pasajes de su nuevo film. No puede ser casualidad que coincidan en cartelera dos biografías (una hagiográfica como La dama de hierro y otra peligrosamente ambigua como ésta) de dos de las personalidades más nefastas, y mira que hay, del siglo XX. La ola conservadora ya es tsumani y arrasa con todo. Lo que pasa es que Eastwood es un viejo lobo de mar y sabe no parecer tan conservador como la Phyllida Lloyd de La dama de hierro. Además, Eastwood lleva 40 años dirigiendo y sabe lo que se trae entre manos. Sin embargo poco puede hacer con un guión sin chispa, sin verdaderos conflictos, rutinario, sin picos dramáticos y con verborrea, mucha verborrea. Desde el primer diálogo, nos damos cuenta de que el film va a ser discursivo y las ideas se van a trasmitir por vía de la palabra, no de la imagen. Es decir, de cine, poco o nada. Di Caprio y los demás hacen lo que pueden con este torpe guión que pasa por encima de todo sin detenerse en nada, que no encuentra el norte y que sólo en la parte central consigue atrapar al espectador. Por si fuera poco, los actores deben intentar trasmitir alguna emoción bajos capas y capas, kilos y kilos de latex que los convierten en inexpresivas figuras de cera de un museo de los horrores cuyo tema es el aplaudido triunfo de la obsesión por el control y la seguridad del estado sobre la libertad del indivuo. Es decir, del triunfo de lo peor de Estados Unidos sobre lo mejor.

miércoles, 12 de diciembre de 2012

SIN TREGUA –END OF WATCH - (2012)

DISCUTIBLES DECISIONES ESTETICAS Y NARRATIVAS 

CALIFICACION: 2,5/5 


Estados Unidos, 2012.- 109 minutos.- Director: David Ayer.- Intérpretes: Jake Gyllenhaal, Michael Peña, Anna Kendrick, Frank Grillo, America Ferrera, Natalie Martinez.- DRAMA.- Decepción. Tras la muy personal Harsh Times y la potente Dueños de la calle, el tercer film de Ayer supone un paso atrás. Es cierto que encontramos aciertos más que evidentes, tanto en dirección como en postproducción y trabajo actoral, que la sitúan un escalón por encima de la producción hollywoodiense más mimética. Pero todo ello no puede ocultar errores de base que la alejan de la excelencia.

Con una estructura episódica que recuerda a la de The hurt locker (En tierra hostil) de Bigelow, el film nunca abandona la sensación de sucesión de anécdotas sin un vínculo fuerte, más allá de la amistad entre los dos protagonistas. Mejores resultados, con semejante estructura, se lograron en los años 70 con films como Los nuevos centuriones de Richard Fleischer o ya mucho más recientemente con Training Day.

De todas maneras, la estructura narrativa no es la verdadera causante de lo molesta, por momentos, que llega a ser esta cinta. La decisión estética de rodar machaconamente con una cámara al hombro flotante produce que, en muchas ocasiones, no tengamos ni idea de lo que está ocurriendo y, por tanto, nos dé bastante igual. Esta decisión, además de poco justificada (un trabajo documental para las clases de cine a las que acude uno de los protagonistas de las que nunca se vuelve a saber nada) no mantiene su coherencia, ya que en numerosas escenas, la narración vuelve a ser la convencional. Si a eso añadimos un tsunami de tópicos sobre el oficio de policía y la idiosincrasia de los latinos de Estados Unidos, sólo podemos hablar de oportunidad perdida.

Taylor y Zavala, dos agentes de policía que patrullan las calles de Los Ángeles, tendrán que afrontar un gran reto cuando se convierten en el objetivo de una peligrosa banda de narcotraficantes que han puesto precio a su cabeza.

GOLPE DE EFECTO -TROUBLE WITH THE CURVE- (2012)

EL VIEJO CASCARRABIAS, LA SUPERWOMAN FALTA DE CARIÑO Y EL INGENUO OPTIMISTA 

CALIFICACION: 2/5 

Estados Unidos, 2012.- 111 minutos.- Director: Robert Lorenz.- Intérpretes: Clint Eastwood, Amy Adams, Justin Timberlake, John Goodman, Matthew Lillard, Robert Patrick.- DRAMA.- Cine antiguo redimido por la presencia de Eastwood. Si no fuera por su colosal presencia, esta película sería ínfima y ni siquiera se habría estrenado en Europa, ya que, a sus carencias cinematográficas, hay que añadir su ambientación en un universo, el beisbol, que nos es muy lejano y que siempre ha sido veneno para la taquilla en el viejo continente. A este respecto, y para ser justos, hay que reconocer que es una de las cintas americanas que más entretenido y comprensible nos hace a este deporte netamente americano. Mucho más, por ejemplo, que la reciente y mejor Moneyball. Además, se trata más del ambiente que del tema de la película.

Un veterano ojeador de béisbol de edad avanzada, que está perdiendo poco a poco la vista, viaja con su hija hasta Atlanta para observar a un joven talento. Las relaciones entre padre e hija son bastante conflictivas. Retrato de la vejez y de su progresivo aislamiento respecto a las nuevas generaciones. Debut de Robert Lorenz, ayudante de dirección de Eastwood, con quien trabajó en 'Los puentes de Madison', 'Mystic River' y 'Million Dollar Baby'.

 El toque Eastwood es inconfundible, especialmente en el primer tercio del film y en su desenlace. Con un personaje escrito específicamente para él, la descripción de la vida cotidiana de alguien que ha hecho de la carretera su segundo hogar se siente, se palpa. Por otro lado, está la ética personal del librepensador, la dureza en público y la emotividad en privado y los errores del pasado en la relación paterno-filial. Temas y constantes eastewoodianos que aquí, ya sea por la excesiva insistencia con la que son mostrados, por cansancio del espectador o por impericia del novel Lorenz o por todo a la vez, suena a cansina repetición, a molesto deja vu. A propio y consciente automanierismo que parece consecuencia de la pereza o la desidia.

Aún así, las escenas protagonizadas por nuestro Clinny son lo único salvable de la cinta. Porque toda la historia de amor entre una esforzada Adams y un perdido Timberlake es tan aburrida como previsible. Son personajes tan tópicos como el de Eastwood pero infinitamente menos interesantes. Quizá porque, al menos para mí, los tipos reales a los que dan vida también son mucho más insustanciales y mucho menos únicos. Personas que en el mundo real, en el mejor de los casos, me producen indiferencia o que directamente, me desagradan. Gente sin espíritu crítico, con egos hinchados, obsesionada con el éxito laboral, que se han tragado a pies juntillas todas las patrañas de un sistema capitalista que les da todo tipo de aparatitos electrónicos, buenrollismo hueco, producción audiovisual de culto antes de estrenarse , universos frikis, manufacturación y transformación de mitos oscuros, peligrosos y/o antisistema –hippismo, vampirismo, sadomasoquismo- en productos burgueses (toda la falaz revisitación histórica de los años 60, Crepúsculo, 50 sombras de Grey), y otros bienes para distraerles de la realidad y hacerles creer en la gran falacia de la libertad de elección. Y es que a nivel de lucha entre poderosos y desheredados seguimos en la Edad Media…pero con Internet. Por ello, el malo maloso de la peli me parece más honesto y real aunque, lógicamente, sea caricaturizado, derrotado y maldecido.

Eso sí, el personaje de Adams queda, acertadamente, redimido por su habilidad para descubrir el talento cuando está delante de ella. Queda, pues, un film menor y prescindible pero que cumple a duras penas el objetivo de entretener al auditorio.

jueves, 15 de noviembre de 2012

ARGO (2012)

¿A QUIEN NO LE MOLA UNA BUENA PELI? 

CALIFICACION: 3,5/5



Estados Unidos, 2012.- 120 minutos.- Director: Ben Affleck.- Intérpretes: Ben Affleck, John Goodman, Alan Arkin.- THRILLER DE INTRIGA.-


Ben Affleck ya no es una promesa como director. Es una realidad que confiamos, por el bien del cine, que no se diluya en la bruma de la pretenciosidad y el ombliguismo en la que caen otros muchos cuando se les alaba demasiado.

Tras la interesante Adios, pequeña, adiós y la vibrante The town, Affleck filma su película más ambiciosa y a la par redonda. Affleck empezó a hacerse un nombre al ganar el Oscar junto a Matt Damon por el efectivo guión de El indomable Will Hunting. Su evidente atractivo físico lo llevó a intentar profundizar en su carrera como actor que demostró sus limitaciones en ese terreno. Su tres películas confirman que debe centrar sus energías detrás de las cámaras.

Affleck no intenta inventar nada nuevo, simplemente se marca como objetivo contar de la mejor manera posible historias atractivas y potentes. Y así, por contraste con lo habitual en el Hollywood actual, marca su propio estilo. Una vez que ya ha fijado los objetivos que en otro tiempo eran simples mínimos de calidad exigibles, Affleck se permite ir más allá mezclando géneros, texturas y experimentando con el tiempo y la narración cinematográfica.

Cuando, en 1979, la embajada de los Estados Unidos en Teherán fue ocupada por un grupo de iraníes, la CIA y el gobierno canadiense organizaron una operación para rescatar a seis diplomáticos estadounidenses. Con este fin se recurrió a un experto en el arte del disfraz y se preparó el escenario para el rodaje de una película ("Argo"), en la que participaba un equipo de cazatalentos de Hollywood.

Basado, inspirado en hechos reales. Me pongo a temblar cuando leo esto al principio de una película. Solo hace falta remitirse a mi reciente reseña de “Lo imposible”. La clave para mí está en las dos primeras palabras. Son las que permiten cierta libertad al artista cuando se enfrenta a la recreación de la realidad. Y eso es lo que hace Affleck. Uniendo sabiamente el thriller político y policíaco de los 70 (con Lumet, Pollack y Pakula como principales referentes) las películas de evasión del telón de acero (Cortina rasgada) y el cambio en la cinefilia y en los gustos del público de finales de los 70. Porque Argo es, ante todo, un canto de amor al cine comercial de calidad, al oficio de hacer películas y al disfrute en una sala oscura de los efectismos, las trampas, los engaños y los trucos de la proyección a 24 fotogramas por segundo.

EL PROFESOR (DETACHEMENT) -2011

(CASI) SIN CONCESIONES 

CALIFICACION: 3/5 


Estados Unidos, 2012.- 97 minutos.- Director: Tony Kaye.- Intérpretes: Adrien Brody, Christina Hendricks, Sami Gayle, Marcia Gay Harden, James Caan, Lucy Liu, Bryan Cranston, Blythe Danner, William Petersen, Tim Blake Nelson.- DRAMA.- Hay directores estadounidenses que realizan una prometedora opera prima (los de El mundo de Leland, El creyente, El leñador) y luego dejan de dar señales de vida o éstas son decepcionantes. Es el caso de Kaye que deslumbró a los cinéfilos con American History X para luego apagarse en un océano de proyectos fallidos.

Más de una década después de aquélla volvemos a saber de él con un film en el que vuelve a mostrar, de manera más evidente si cabe, su preocupación sobre la importancia de la educación y la responsabilidad de toda la sociedad de no dejar caer en el abismo de la autodestrucción y la desesperanza a la energía que puede iluminar el futuro: los jóvenes. Y lo hace con una crudeza y compromiso absolutamente insólito en el contexto general de la industria americana.

Con un estilo nervioso y entrecortado que trasmite tanta inmediatez como desolación, Kaye, perfectamente escoltado por un excelente reparto en el que brilla con luz propia Brody, nos presenta un cuadro social deprimente pero que a la vez nos ayuda a entender mejor y a iluminar el oculto brillo de esas masas de jóvenes que llenan los parques de cualquier lugar, sentados en los bancos dejando pasar las horas sin ninguna esperanza de futuro.

Sin aspavientos hollywoodienses ni falacias sentimentales, el film cala hondo en el espectador, especialmente en las relaciones seudo paterno-filiales que el protagonista tiene con una estudiante acosada y una prostituta adolescente. Sin embargo, el guión cae en uno de los tópicos más sobados del drama adolescente, el suicidio, cuya evidente pervivencia en el mundo real no lo hace menos tópico cuando se plasma en pantalla.

Henry Bathes es un profesor que posee un auténtico don para conectar con los alumnos. Pero Henry prefiere ignorar su talento. Al trabajar como profesor sustituto, nunca permanece bastante tiempo en un instituto como para mantener una relación afectiva con sus alumnos o sus compañeros. Cuando llega a un instituto donde una frustrada administración ha conseguido volver totalmente apáticos a los alumnos, Henry no tarda en convertirse en un ejemplo a seguir para los adolescentes. Descubre que tiene una conexión emocional con los alumnos, con los otros profesores y con una adolescente a la que recoge en la calle. Por fin se da cuenta de que no está solo en su desesperada búsqueda de la belleza en un mundo aparentemente falto de amor y lleno de maldad.

SKYFALL -2012-

LA MENOS ESTRAFALARIA DE LAS 3 PELIS DE BOND CON CRAIG 

CALIFICACION: 2,5/5 

Gran Bretaña-Estados Unidos, 2012.- 143 minutos.- Director: Sam Mendes.- Intérpretes: Daniel Craig, Judi Dench, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Bérénice Marlohe, Albert Finney.- THRILLER DE ACCION.- El mundo ha cambiado tanto y tan rápido que el Bond de mi infancia (Roger Moore forever!) no tendría ningún sentido en la actualidad. Craig le ha dado una dimensión más humana, más retrospectiva y más macarra al personaje (¡Qué mal anda este tío. Debería estar prohibido ser estrella de cine si no sabes andar. No digo tan bien como lo hacían Gary Cooper o Henry Fonda en el pasado o Richard Gere en la actualidad pero al menos cumplir unos mínimos de elegancia).

 Entrados en el siglo XXI, si la saga quería sobrevivir y seguir siendo del gusto del público mayoritario, el giro al personaje resultaba tan necesario como comprensiblemente molesto para los fans más rigurosos del espía con licencia para matar. Se logró con sugerentes resultados en Casino Royale y desastrosos en Quantum of solace. La nueva entrega, la 23, una vez consolidado el nuevo giro se permite unir en la misma narración desmitificación del mito y nostalgia del mismo. Por un lado el guión se burla de los excesos fantasiosos de los gadgets que proporciona Q y, al mismo tiempo reivindica un tiempo en el que la tecnología informática no tenía un papel relevante en el enfrentamiento entre el bien y el mal. Por ello, la idea del tercio final en Escocia es de lo mejor de la película (y de esta trilogía) y a la vez lo más decepcionante en su plasmación final.

 La cinta también juega a la ambigüedad en terrenos políticos-morales. El desengaño al constatar que la democracia necesita de zonas oscuras para protegerse se mezcla con una exaltación patriotica británica. El film entretiene salvo en el mencionado tercio final que se alarga en exceso, cuenta con una opening sequence prodigiosa y uno de los mejores créditos iniciales (tanto a nivel visual como musical con una muy bondiana canción de Adele) y con un excelente villano, Javier Bardem, que da una interesante vuelta de tuerca a los típicos y tópicos malvados de la franquicia. Finalmente, Mendes cumple el expediente sin intentar inventar la pólvora como pretendió Marc Foster en la insoportable Quantum of solace.

La lealtad de James Bond, el mejor agente de los servicios británicos, hacia su superiora M se verá puesta a prueba cuando el pasado de ella vuelve para atormentarla. Al mismo tiempo, el MI6 sufre un ataque, y 007 tendrá que localizar y destruir el grave peligro que representa el villano Silva. Para conseguirlo contará con la ayuda de la agente Eve y la sugerente amante de Silva.
¿Reconocéis todas!??

martes, 13 de noviembre de 2012

VACACIONES EN EL INFIERNO (GET THE GRINGO) -2012-

¿Quién DIJO QUE EL CINE SOCIAL NO PODIA SER DIVERTIDO? 

 CALIFICACION: 2,5/5 

Estados Unidos, 2012.- 95 minutos.- Director: Adrian Grunberg.- Intérpretes: Mel Gibson, Kevin Hernández, Daniel Giménez Cacho, Jesús Ochoa, Dolores Heredia.- THRILLER DRAMATICO.- Gibson defiende unos presupuestos ideológicos deleznables y, seguramente, su compañía no debe ser muy agradable, pero todo ello no es óbice para reconocerle su talento como actor y, sobre todo, como director así como su olfato para reconocer proyectos interesantes como éste que produce y al frente del cual ha elegido como director a su asistente en sus aventuras detrás de la cámara.

Estamos en las antípodas de lo política (y aburridamente) correcto. Un drama de acción sucio, violento, desagradable, grosero y…rabiosamente divertido. También es un film muy bien escrito, ambientado, rodado e interpretado. Es decir, todo lo que se daba por supuesto en el cine de otras épocas y que ahora es difícil de encontrar.

Si a eso añadimos un ritmo vigoroso pero no confuso, unos diálogos tan eficaces como bien construidos y unos personajes identificables que destilan verdad gracias al guión y, sobre todo, a unas eficaces interpretaciones, el aficionado al buen cine comercial está de enhorabuena.

Completa las buenas noticias, un acertado tono de fábula crítica social en su primera parte. Lástima que en el último tercio se les va la mano en el tremendismo y en la exageración, lo que perjudica al resultado y a la sensación final. Aún así vale la pena aunque sólo sea para ver y escuchar a Mel Gibson hacer una memorable imitación de uno de los grandes directores de las últimas décadas. Por cierto, imprescindible verla en versión original.

Driver es un tipo que ha tenido un mal día. Se había hecho con un botín de millones de dólares que le habrían proporcionado un retiro y unas vacaciones de verano memorables. Pero durante una persecución automovilística a toda velocidad con la policía de la frontera y un cuerpo sangrando en el asiento trasero, Driver vuelca el coche y lo estampa contra el muro fronterizo para terminar cabeza abajo en México. Capturado por las autoridades mexicanas, le envían a una cárcel de mala muerte, donde se adentrará en el peligroso mundo de El Pueblito. No lo tendrá fácil para sobrevivir un forastero como él, a menos que sea con la ayuda de alguien que sepa de qué cabo tirar en cada momento: un niño de 10 años.

EL LADRON DE PALABRAS (THE WORDS) -2012-

TENEMOS UN BUEN GUION Y AHORA… A RODAR ¡QUÉ PEREZA! 

CALIFICACION: 2/5





 Estados Unidos, 2012.- 120 minutos.- Director: Brian Klugman y Lee Sternthal.- Intérpretes: Bradley Cooper, Zoe Saldana, Jeremy Irons, Dennis Quaid, Olivia Wilde, J.K. Simmons.- DRAMA.- El debut en el largo de la pareja Klugman y Sternthal se salda con un notable como guionistas y un suspenso como directores. Da la impresión, quizá equivocada, de que tras escribir un guión cuya principal virtud es su condición de rara avis dramática y existencialista en un contexto comercial hollywoodiense idiotizado, sus autores se empeñaron en dirigirla ellos mismos para que su historia no fuera desvirtuada.


Viendo el resultado final, éste trasmite una sensación de rutina, de desganada, de caminos trillados que sólo se puede explicar de dos maneras: o son unos incompetentes o, después de escribir el libreto, se quedaron sin ganas, ilusión y energías para convertirlo en obra cinematográfica realmente interesante.

También es verdad que, no sé si por ceguera o por imposibilidad económica, el casting de este film es uno de los más desacertados que se recuerdan en los últimos tiempos. Ni Quaid ni Cooper resultan creíbles como escritores ni a priori ni a posteriori. Por no hablar de la falta de química absoluta entre Cooper y Saldana…bueno y lo de Quaid y Wilde (¿alguien se la cree como jovencita con inquietudes?) es de traca. Los únicos que brilla a buena altura son Irons y Simmons y la película sólo funciona realmente cuando ellos están en pantalla.

Debido a estos defectos de dirección (que incluyen, sobre todo, los de dirección de actores) los notables apuntes sobre el éxito, la mentira y la insatisfacción (el prota dice que no le gusta su vida, algo inconcebible entre los protagonistas del cine actual y su público natural, dopado con endorfinas e irisina gracias al sano ejercicio físico que ha sustituido, por fin, a tanto estimulo intelectual que sólo provoca sufrimiento) se diluyen como lágrimas en la lluvia.

Un escritor de éxito lee su nueva novela ante una multitud de entregados admiradores. En ella se narra la historia de un escritor fracasado que tiene la fortuna de encontrar un manuscrito. Lo publica como suyo y obtiene un éxito espectacular que lo convierte en uno de los mejores escritores de su tiempo. El autor del manuscrito resulta ser un anciano que lo escribió durante su juventud, cuando estuvo destinado en París tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), época en la que encontró al amor de su vida.

LO IMPOSIBLE (THE IMPOSSIBLE) -2012-

BASADA EN UN HECHO REAL...Y NADA MAS 

CALIFICACION: 1/5 

España, 2012.- 107 minutos.- Director: Juan Antonio Bayona.- Intérpretes: Naomi Watts, Ewan McGregor, Tom Holland, Geraldine Chaplin, Marta Etura, Oaklee Pendergast, Samuel Joslin.- DRAMA DE SUPERVIVENCIA.- Analicemos el fenómeno del año bajo diversos puntos de vista.

 1) Como producto comercial. Insuperable. Si haces una peli para ganar mucho dinero, gánalo. Incontables son los proyectos que intentan forrarse y sólo generan pérdidas. Bajo ese punto de vista, chapeau.

2) A nivel técnico y de dirección. Notable. La película consigue unos estándares de excelencia técnica que no tienen nada que envidiar a los blockbusters hollywoodienses. Bayona dirige competentemente anteponiendo la narración visual a la molesta cháchara proveniente del guión.

3) A nivel dramático y artístico. Un desastre. Las historias basadas en hechos reales presentan limitaciones creativas por la obligación de ceñirse a los acontecimientos auténticos. Pero, por ejemplo, la reciente Argo demuestra que se puede hacer “puro cine” a partir de la realidad. Sólo hay cine en la primera media hora de Lo imposible. El resto es intentar provocar la lágrima fácil de las maneras más rastreras y tópicas posibles. Pura pornografía sentimental. Encima muy aburrida.

 4) La película ha hecho bandera de la minuciosa y casi obsesiva recreación de la realidad. Primero: lo que resulta creíble en la vida real (más que nada porque lo estaríamos viendo con nuestros propios ojos, puede resultar increíble y manipulado en la pantalla. Ejemplo: ese brutalmente ñoño reencuentro de toda la familia. Por no hablar de que sí, mucha rigurosidad pero para interpretar a dos seres anónimos (ella española) se haya elegido a una pareja de rutilantes estrellas de Hollywood. Puede que no sea una manera de hacer dinero con la tragedia pero se parece mucho.

5) A nivel ético es discutible que el film se centre en la familia occidental cuyo drama, terrible sin duda, es sobrevivir y escapar del lugar hacia su confortable hogar e ignore casi por completo el drama de los nativos que perdieron a sus familias, sus casas y prácticamente su país y su forma de vida. Ya sabe que no es el tema de la película pero la elección del foco con el que iluminamos una historia ya dice mucho de nosotros.

 Si esto es lo mejor que podemos ofrecer al mundo como país a nivel cinematográfico, entiendo que el cine español siga estando tan lejos de otras cinematografías a nivel mundial.

Diciembre del año 2004. María, Henry y sus tres hijos pequeños vuelan desde Japón a Tailandia para pasar sus vacaciones de Navidad descansando en la playa. Una mañana, mientras se encuentran todos en la piscina del complejo a orillas del mar, un tremendo tsunami destroza el hotel al mismo tiempo que gran parte de la costa del sudeste asiático. Las vidas de millones de personas cambiaron para siempre.

martes, 6 de noviembre de 2012

STARTING FROM ZERO -2012-

CUESTIONANDO LOS LIMITES DEL CORTOMETRAJE 

 CALIFICACION: 3,5/5

 España, 2012.- 14 minutos.- Director: Gregorio Arroyo Sebastián.- Intérpretes: Andy Hutchison, Marie Brock, Rafiq Richard, Fanny Gatibelza, Fele Pastor, Alex Spijksma.- THRILLER.- Por una vez, y sin que sirva de precedente, voy a comentar en esta bitácora un cortometraje español estrenado en la Muestra de cine español de Londres como preámbulo a la premiere en Reino Unido de una de las mejores películas españolas del año, Grupo 7.

 Dos son las razones por las que lo hago. La primera, pero no la más importante, es que sus creadores son amiguetes. Los críticos de renombre nacional tienen su red de amistades dentro de la industria, hecho que muchas veces ocultan. Yo no caeré en el error de negar la relación de aprecio y admiración que tengo con los artífices. Al contrario, me enorgullezco de ello.

 Pero la principal razón por la que quiero aportar mi pequeñísimo grano de arena en la difusión de este trabajo es la indudable calidad del mismo. He de reconocer que, habitualmente, el lenguaje y el formato del corto me cuestan de digerir. Me pasa igual con la literatura. Casi siempre elijo un tocho antes que un relato corto. Aunque sé que el tocho me va a llevar semanas o meses, inconscientemente creo que el mamotreto me va a aportar más y que si me decanto por una pequeña narración y me gusta me va a saber a poco.

 Sin embargo, Starting from zero, gracias a una brillante idea de guión (que firman Juan Francisco Aguirre y Daniel Diez según una historia de este último y el director), le da un giro de tuerca a la narrativa habitual del cortometraje. Sabiendo que éste no permite una convencional presentación de personajes y conflicto, decide plantear al espectador la sensación que se tendría al entrar en una sala de proyección a contemplar los quince últimos minutos de un largometraje.


Y vaya si lo consigue. Gracias a una notable dirección y unos excelentes montaje y post-producción, el espectador entra en un juego narrativo bastante olvidado en el cine actual: poseer menos información de los hechos que uno de los protagonistas. Usando el bagaje cultural y cinematográfico del espectador cinematográfico, el guión consigue que el público de por supuesto demasiadas cosas. Así, la sorpresa final funciona a la perfección y se acaba por definir en unos créditos finales generalmente malgastados en los cortos convencionales y que aquí son fundamentales para aprehender el sentido total de la historia.

 Algunas situaciones precipitadas y forzadas y ciertos momentos interpretativos mejorables no empañan un cortometraje con una virtud difícil de encontrar en esta difícil disciplina cinematográfica: el deseo de volver a verlo para saborear todas sus sugerencias.