jueves, 31 de marzo de 2011

SUCKER PUNCH -2011-


EL SUEÑO HÚMEDO DE UN ADOLESCENTE DEL SIGLO XXI

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2010.- 103 minutos.- Director: Zack Snyder.- Intérpretes: Emily Browning, Vanessa Hudgens, Abbie Cornish, Jena Malone, Jamie Chung, Carla Gugino, Jon Hamm, Scott Glenn.- THRILLER FANTASTICO.- Una propuesta tan estimulante y loable como fallida y, lo más imperdonable, aburrida al caer de manera flagrante en la rutina.

Snyder patina en su primer film basado en un guión propio, un libreto que se convierte en una especie de batiburrillo de los principales referentes de la cultura popular que fascina a las nuevas generaciones.

Ambientada en los años 50. Una chica es internada por su padrastro en una institución psiquiátrica para que le practiquen una lobotomía. Mientras espera, su imaginación crea una realidad alternativa que podría salvarla de su dramática situación. A partir de ahí, la joven comienza a preparar su fuga, cuyo éxito depende del robo de cinco objetos.

Técnicamente perfecta y visualmente fascinante (aunque nada novedosa), es en la dirección y, especialmente, en el guión donde encontramos los principales defectos. Nada más empezar el espectador mínimamente avezado notará que algo falla. Fue pasado más de un minuto cuando me di cuenta de que no estaba ante un tráiler de un próximo estreno sino del arranque de un film. Mal augurio.

El resto de la película aparece ante el espectador como una sucesión de avances y secuencias de otras películas sin demasiada sucesión de continuidad y con poco o nulo sentido o lógica. Además, una vez planteado el juego de espejos, queda poco espacio para la sorpresa o la salida de tono. Más locura le hubiera venido muy bien al film, ya que la solidez narrativa queda descartada desde el principio.
Sin embargo, si analizamos detalladamente el guión, aparecen una serie de hallazgos, a los cuales llega Snyder de manera ¿consciente o inconsciente? Por un lado, tiene bemoles que la protagonista (para huir del ambiente de un manicomio donde va a ser lobotomizada y, posiblemente, violada) decida imaginar que está en otro lugar, supuestamente menos agresivo: un night club burlesque donde las chicas son prostituidas ¿!¡?

Por otro lado, es revelador que la prota, para enfrentarse a una situación límite de exigencia que no sabe si va a poder cumplir, huya a los paraísos artificiales de muchos adolescentes actuales: videojuegos, fantasías orientales, literatura fantástica o odisea espacial.

Finalmente, el largo monologo final parece tener cierta trascendencia, aunque el que suscribe reconoce que no llegó a entender muy bien ni lo que se quería decir, ni de que manera se infiere todo ello de lo narrado anteriormente

PIRAÑA (2010) -PIRANHA-


SIN COMPLEJOS: PARA PASARLO TETA…NUNCA MEJOR DICHO

CALIFICACION: 2/5

Estados Unidos, 2010.- 103 minutos.- Director: Alexandre Aja.- Intérpretes: Elisabeth Shue, Adam Scott, Ving Rhames, Richard Dreyfuss.- COMEDIA PARODICA DE TERROR.- Obra referencial que no tiene otro objetivo que divertir acumulando la mayor cantidad posible de animaladas, sangre y cuerpos femeninos desnudos como homenaje al cine de terror de finales de los 70 y principios de los 80.

El lago Victoria (Arizona) es un lugar que se llena de gente joven durante las vacaciones de primavera. De repente, se producen una serie de temblores submarinos que liberan unos peces prehistóricos antropófagos. Todos deberán unir sus fuerzas para sobrevivir a estas criaturas.

Más concebida como comedia que como film de terror, el film intesifica su perfil paródico en su segunda parte, donde asistimos a ríos de sangre, desmembramientos masivos, pirañas que entran y salen de cuerpos humanos, actrices porno mutiladas de rodillas para abajo, tetas y más tetas deseadas por las pirañas, prótesis de silicona y penes despreciados por los exquisitos paladares de estos tiernos pececitos…

Que estamos ante un homenaje queda claro desde el principio con la testimonial presencia de Richard Dreyfuss en un prólogo que homenajea al film que este gran actor protagonizó en 1975, Tiburón de Spielberg. La tendencia se confirma con la presencia de Christopher Lloyd como científico algo loco, claro comentario sobre la inolvidable Regreso al futuro de 1985. 1975-1985: una década inolvidable para unos géneros que estaban pasando de menores a predominantes.

El film no resiste ningún análisis serio bajo el punto de vista del arte cinematográfico pero funciona perfectamente como divertimento gamberro. Además, nos devuelve a una de las idolatradas divas de nuestra adolescencia: Elizabeth Shue, la inolvidable protagonista de Leaving Las Vegas

miércoles, 23 de marzo de 2011

EL MUNDO SEGUN BARNEY -THE BARNEY´S VERSION- (2010)


UNA NOTABLE CINTA…SI ESTUVIERAMOS EN 1983

CALIFICACION: 2,5/5


Canadá, 2010.- 134 minutos.- Director: Richard J. Lewis.- Intérpretes: Paul Giamatti, Rosamund Pike, Dustin Hoffman, Scott Speedman, Minnie Driver, Bruce Greenwood, Rachelle Lefevre.- COMEDIA DRAMATICA.- Aunque es una decisión artística lógica y coherente, ya que la historia se ambienta, en gran parte, en los años 70 y 80, quizá no sea totalmente acertada la opción manierista por la que opta el televisivo Lewis. Aunque disfruté terriblemente al estar viendo una película que parecía hecha a principios de los 80 del siglo pasado (que raro suena lo de siglo pasado para el siglo XX), ya que adoro esa época del cine americano, eso no anuló la sensación de que esa forma de hacer cine ya está superada y no funciona tan bien ante mis ojos como cuando reviso una cinta filmada efectivamente en aquel tiempo.

Barney Panofsky, un viejo productor de televisión, aficionado a la bebida y fanático del hockey lleva una vida bastante caótica. Se ha casado tres veces, tiene un padre extravagante y un amigo encantador. Su entorno está muy marcado por pertenecer a una familia judía.

Basada en el best-seller homónimo del escritor canadiense Mordecai Richler, autor de otras novelas llevadas al cine como la imposible de ver El aprendizaje de Duddy Kravitz ( a pesar de que consiguió el globo de Oro en Berlín y el oscar al mejor guión adaptado y estar protagonizada por el gran Richard Dreyfuss) y Joshua then and now (tan imposible de encontrar cómo la anterior pero que tuve la suerte de disfrutarla -y la magnífica interpretación que en ella hace James Woods- hace años en un canal por cable)

La cinta comienza con fuerza, narrando, tras un breve prólogo en el presente, las andanzas de un joven Barney, que ya da muestras de un sentimiento trágico de la vida, totalmente alejado de la cosmovisión anglosajona. Desde temprana edad, una serie de pequeños accidentes, casualidades o absurdos golpes del destino van marcando su vida de una forma que no puede controlar. Tampoco su carácter impulsivo o caótico ayuda, o sí, según cómo se vea o lo que entendamos por una vida plena.

Las escenas que comparten esos dos genios de la interpretación que son Giamatti y Hoffman ya merecen el precio de la entrada. Son divertidos, son patéticos, son ridículos…son humanos.

Pero sin duda, el cenit del film se alcanza en los capítulos dedicados al enamoramiento y acoso y derribo que Giamatti hace del personaje de Pike. La magia llega a la pantalla en la larga e imprescindible secuencia de la boda y la memorable escena de la estación de tren.

Sin embargo, conforme Barney envejece y se tranquiliza la cinta se va volviendo monótona y algo aburrida (metáfora sobre la existencia humana o incapacidad del director y del guionista por mantener el interés?)

No debemos olvidar como, al son de Leonard Cohen, la cinta nos recuerda cómo el mundo ha cambiado brutalmente y cómo, nosotros, los de entonces, ya no somos, ni de lejos, los mismos.

ADIOS A LA DIOSA DE LOS OJOS VIOLETAS

Muere Elizabeth Taylor a los 79 años.

NUNCA ME ABANDONES -NEVER LET ME GO- (2010)


¡EDUCATE, CONSUME, DIVERTETE, PRODUCE!

CALIFICACION: 3/5


Estados Unidos, 2010.- 103 minutos.- Director: Mark Romanek.- Intérpretes: Carey Mulligan, Andrew Garfield, Keira Knightley, Charlotte Rampling.- DRAMA ROMANTICO DE CIENCIA-FICCION.-

Recomendable cinta que mezcla con habilidad géneros y registros muy diferentes y que, aunque simplificándola (como no puede ser de otra manera), capta y conserva la esencia de la imprescindible novela del japonés Kazuo Ishiguro, autor de "Lo que queda del día", también llevada al cine, y del guión de películas tan exquisitas como “The saddest music in the world” y “La condesa rusa”.
Kathy, Tommy y Ruth pasan su infancia en Hailsham, un internado inglés, aparentemente idílico, donde descubren un tenebroso e inquietante secreto sobre su futuro. Cuando abandonan el colegio y se aproximan al destino que les aguarda, el amor, los celos y la traición amenazan con separarlos.

Acusada con razón de frialdad, podemos argumentar como defensa que Romanek, autor de la curiosa Retratos de una obsesión, se limita a plasmar el clima de la novela, más que gélido. Algo, por otra parte, totalmente coherente con la trama.

También es verdad que se ha aligerado la parte dedicada a la niñez de los protagonistas, seguramente para que el público no tuviera que esperar demasiado tiempo para ver a sus estrellas favoritas en pantalla. Sin embargo, las ideas fundamentales más importantes sobre ese periodo vital han sido conservadas con acierto.

Ishiguro se trasladó con su familia a Londres con 6 años y, por tanto, como otros extranjeros asimilados a una cultura anglosajona, disecciona ésta con afilado bisturí. Para ello reproduce en tono de metáfora la forma de vida protestante basada en el apoyo de la educación y la formación de las nuevas generaciones para que en el futuro puedan devolver a su sociedad la ayuda prestada. En definitiva, nada de carpe diem, sino la conversión del individuo en una inversión de futuro a la que explotar.

Si, a priori, puede parecer un modelo a reproducir –y de hecho es a lo que nos está obligando a las cada vez más arrinconadas sociedades latinas-, presenta más de una contradicción y numerosos riesgos. Ese cumplimiento del que habla la cinta, como pago ineludible que nos exige una sociedad que dice creer en el individualismo pero que en realidad obliga al individuo a socializar en sentido amplio y por las buenas o por las malas, puede ser moralmente tan doloroso y gravoso como lo es físicamente en la cinta.

Gran trabajo de la protagonista, Mulligan, una chica que todavía no tengo claro sí es o no atractiva. Comentario políticamente incorrecto, para molestar un poco a este mundo dominado por moñas.

RANGO -2011-


EL WESTERN CREPUSCULAR SE ENCUENTRA FELIZMENTE CON “CHINATOWN”

CALIFICACION: 3,5/5

Estados Unidos, 2010.- 100 minutos.- Director: Gore Verbinski.- Película de animación. WESTERN.- Una verdadera sorpresa. Una cinta de animación muy diferente a lo que estamos acostumbrados, en forma y fondo. Respecto a la primera, opta por un feísmo descarnado (que, incluso, puede asustar a los más pequeños) que remite al western crepuscular más polvoriento y verista. Y en relación a la temática, señalar que es más adulta todavía de lo habitual en este formato, con claras referencias a las guerras del agua, la especulación inmobiliaria, la ignorancia de la que se aprovechan los poderosos y los fanatismos de todo tipo.

El actor Rango es un solitario camaleón que vive en la inmensidad del desierto Mojave. Quiere ser un representante de la ley en un sediento pueblo llamado Dirt, pero enseguida se da cuenta de que hay una gran diferencia entre actuar y vivir la vida real, así que no tiene más remedio que enfrentarse a algunos aspectos de su identidad y aprender el significado y el valor de la amistad. Su misión consistirá en descubrir la conspiración que está detrás de la desaparición del agua en el pueblo.

Dirigida por el competente Verbinski (The ring, Piratas del Caribe), su tráiler no hacía presagiar nada bueno. Seleccionadas las escenas más tópicas e infantiles hacia pasar al film por una tontería por sustancia. Sin embargo, algo bueno hay en tener un sobrino de corta edad que me “obliga” a llevarle a ver ciertas películas. A veces me trago bodrios, pero otras veces descubro cintas que, de otra forma, nunca vería, como la también magnífica Lluvia de albóndigas.

Valiente producción que se atreve a codificar todas las constantes del western crepuscular (a su vez, heredero directo del spaghetti western –no es casual la semejanza fonética entre Rango y Django, uno de los mitos del subgénero): análisis político de la evolución del Oeste americano desde la ley del más fuerte a la ley del más rico, la utilización de tontos útiles o cabezas de turco como instrumento del poder o el corrupto uso de los recursos naturales. Ahí es donde entronca con la base argumental y moral del imperecedero clásico de Polanski, Chinatown.

Pero en un film multireferencial como éste, los homenajes no se quedan ahí. El espectador avispado podrá encontrar momentos que remiten a cintas tan dispares como Star Wars o Miedo y asco en Las Vegas.

En definitiva, una prueba más de que algunas de los mejores guiones y cintas del Hollywood actual se realizan dentro de los parámetros del cine de animación.

DESTINO OCULTO -THE ADJUSTMENT BUREAU- (2010)




…Y CARENTE DE VERDADERA EMOCION

CALIFICACION: 2,5/5


Estados Unidos, 2011.- 98 minutos.- Director: George Nolfi.- Intérpretes: Matt Damon, Emily Blunt, Terence Stamp, Shohreh Aghdashloo, John Slattery.- THRILLER FANTASTICO-ROMANTICO.-

Una entretenida producción hollywoodiense, con cierto aire de otra época y con espíritu de serie B dentro de unos medios de producción más cercanos al blockbuster.

David Norris, un carismático congresista americano destinado a triunfar dentro de la política nacional, conoce a una guapa bailarina de ballet llamada Elise Sellas, que alterará completamente su vida. Sin embargo, cuando empieza a sospechar que ciertas fuerzas sobrenaturales intentan separarlos, tratará de descubrir las causas...

Debut en la dirección del guionista de "El ultimatum de Bourne" que sale airoso de su opera prima pero que no llega a alcanzar unos niveles de personalidad propia suficientes para augurar una brillante carrera cinematográfica tras la cámara.

Tras un arranque interesante y una potente revelación del secreto que se le oculta al protagonista, la cinta empieza a decaer. Sin provocar un verdadero desinterés, sí que es cierto que el film se sigue desapasionadamente, a pesar del teórico dramatismo, fatalismo y romanticismo que contiene el guión. Nunca llega a trascender, a trasmitirse a la platea las cuitas de los protagonistas. Y no se puede achacar a los actores ya que el trabajo de los secundarios, de Emily Blunt y, sobre todo, de un Matt Damon que siempre desprende una gran humanidad, es más que destacable.

Quizá tampoco ayuda que las motivaciones de las fuerzas ocultas resulten demasiado políticamente correctas y, por tanto, poco atractivas a nivel artístico, emocional o intelectual.

viernes, 4 de marzo de 2011

LOS OSCARS 2010


"EL DISCURSO DEL REY" SIEMPRE ES MAS POLÍTICAMENTE CORRECTO QUE UN "CISNE NEGRO"

Nadie duda de las virtudes de la cinta, pero parece desorbitado el premio obtenido. Si el Oscar al mejor actor es más que justo, es discutible el de guión e inmerecido el de mejor película (Cisne negro, La red social o Winter´s bone son superiores).

Pero, sin duda, el más ofensivo contra la inteligencia, el buen gusto y la justicia es el de mejor director. Fincher en La red social o Aranofsky en Cisne negro alcanzan la excelencia –al igual que en sus carreras- mientras que Hooper, de trayectoria corta y poco brillante, se limita a una labor funcional.

Pero ya se sabe que la productora del film, Weinstein Company, tiene mucho peso en Hollywood y sabe mover muy bien los hilos para “convencer” a los académicos de las virtudes de sus films. Los 90 fueron dominados por su anterior empresa, Miramax, que consiguió aberraciones como una lluvia de Oscars (7) para ese “clásico instantáneo e imperecedero” como fue definido por un “visionario” crítico estadounidense. Hablamos de Shakespeare in love ¿Quién se acuerda de ella?

Y su director ¿se convirtió en el más brillante de su generación? Sus dos siguientes cintas fueron fracasos artísticos de crítica y público (La mandolina del capitán Corelli y y Proof) y su más reciente film (Killshot) ni se ha estrenado en España.

¿Quién se acordara de El discurso del rey o Hooper dentro de unos años? Se admiten apuestas.

THE MECHANIC -2010-


UNA NIMIEDAD SOLO MEDIANAMENTE DIVERTIDA

CALIFICACION: 1,5/5

Estados Unidos, 2010.- 92 minutos.- Director: Simon West.- Intérpretes: Jason Statham, Ben Foster, Donald Sutherland.- ACCION.-

Corta e intensa, peca de varios giros de guión “porque sí” algo molestos pero que no impiden disfrutar de hora y media de acción pura y dura con, incluso, algunos momentos de intimismo.

Arthur Bishop es un asesino profesional de élite, con un estricto código y un talento único para eliminar limpiamente a sus víctimas. La muerte de su amigo y mentor Harry le obligará a replantearse sus métodos, sobre todo cuando Steve, el hijo de Harry, le pida ayuda para saciar su sed de venganza. Bishop empieza a entrenar a Steve y a enseñarle sus letales técnicas, pero las mentiras y los engaños amenazan con convertir esta alianza en el mayor de sus errores. Remake del film protagonizado por Charles Bronson en 1972.

Aunque no se acaba de entender bien la relación que se establece entre los dos protagonistas, poco importa. Lo que más molesta es que podría ser más loca y divertida o más intensa en la descripción del tormento interior de los personajes. Por lo menos, el desenlace presenta algo de talento narrativo.

ENREDADOS -RAPUNZEL (TANGLED)- (2010)


DISNEY RECUPERA PARTE DE SU MAGIA

CALIFICACION: 3/5


Estados Unidos, 2010.- 100 minutos.- Director: Nathan Greno y Byron Howard Simon West.- Película de animación.- AVENTURAS COMICO-ROMANTICAS.-
Sin ser memorable, asegura hora y media de diversión y su perfección técnica alcanza cotas muy destacables.
Flynn Rider, el más buscado -y encantador- bandido del reino, se esconde en una misteriosa torre y allí se encuentra con Rapunzel, una bella y avispada adolescente con una cabellera dorada de 21 metros de largo, que vive encerrada allí desde hace años. Ambos sellan un pacto y a partir de ese momento la pareja vivirá emocionantes aventuras en compañía de un caballo superpolicía, un camaleón sobreprotector y una ruda pandilla de matones.
Aunque posiblemente no se quede grabada en la memoria colectiva de los niños a los que va dirigido, este trepidante film (algo más infantil de lo habitual en la actualidad) cuenta con un eficaz guión y una efectiva dirección.
Por cierto, ¿nadie se ha dado cuenta que la bruja que ha encontrado el elixir de la eterna juventud y tiene encerrada a Rapunzel es clavada a Cher?

CISNE NEGRO -BLACK SWANN- (2010)


VIVIR EL CINE EN PRIMERA PERSONA

CALIFICACIÓN: 4/5


Estados Unidos, 2010.- 103 minutos.- Director: Darren Aronofsky.- Intérpretes: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey.- DRAMA PSICOLOGICO.-
El nuevo film de Aronofsky incluye algunos de los recursos que más suelo detestar en el cine actual: primerísimos primeros planos de cogotes, efectismos sonoros y visuales, ciertas incongruencias narrativas…Sin embargo, aquí no sólo no me han molestado, sino que son lo que hacen grande, excelente al film.

Estamos ante un claro ejemplo de aquello de que “el medio es el mensaje”. No solo se trata de que la forma con la que narra la historia el director de la magistral Réquiem por un sueño sea la más adecuada, sino que las elecciones narrativas del director dan más información sobre la protagonista y su infierno interior que el propio guión, sin duda lo más flojo del film y merecidamente no nominado al Oscar.

Aquí lo que importa no es tanto el qué, sino el cómo. Si la mayoría de las películas las vivimos en tercera persona, como un voyeur que observa lo que le pasa a “otros”, Aronofsky te impide ese distanciamiento y te hace entrar en la piel (el dolor físico se siente en este film como en pocos otros) y la mente de una prodigiosa Portman, ganadora del Oscars, que está presente prácticamente en todos los planos del film y que es, ella sola, más de media película.

Nina, una brillante bailarina que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York, vive completamente absorbida por la danza. La rivalidad con su compañera Lily y las presiones del director se agudizan a medida que se acerca el día del estreno. Esta tensión provoca en Nina un agotamiento nervioso y una confusión mental que la incapacitan para distinguir entre realidad y ficción.

Perfecta reflexión sobre la obsesión por la perfección, los efectos de la presión profesional y lúcida crítica a un sistema que pretende obtener de nosotros lo que no somos, cualquier espectador puede identificarse con el infierno por el que pasa la protagonista.

Las elecciones cinematográficas del director, junto a diversas escenas con marca de la casa (la masturbación de Portman con final escalofriante o la intensa escena de sexo lésbico) son, a la vez, prueba de que el autor no se ha traicionado lo más mínimo a sí mismo en su film con mayor apoyo publicitario hasta la fecha y, por otro lado, las razones por las que no ha sido premiada por la Academia de Hollywood

LOS CHICOS ESTAN BIEN -THE KIDS ARE ALL RIGHT- (2010)


PUES QUE BIEN

CALIFICACIÓN: 2,5/5


Estados Unidos, 2010.- 100 minutos.- Director: Lisa Cholodenko.- Intérpretes: Annette Bening, Julianne Moore, Mia Wasikowska, Mark Ruffalo, Josh Hutcherson.- COMEDIA DRAMATICA.- Una cinta simpática y agradable que reflexiona sobre los nuevos modelos de familia, el deseo de “normalidad” incluso entre aquellos a los que la capa más conservadora de la sociedad no acepta como tales y

Nic y Jules son una pareja de lesbianas que viven con sus dos hijos adolescentes: Joni y Laser, ambos fruto de la inseminación artificial. Lo que obsesiona a los dos chicos es conocer a su padre biológico. Por un capricho del destino lo encuentran y deciden que forme parte de sus vidas, aunque naturalmente tropezarán con la oposición de sus madres. Pero ese no va a ser el único problema.

Tras un arranque desbravado, frío y casi aburrido, la cinta se entona con la aparición del padre biológico, encarnado por Ruffalo. Este personaje sirve como catalizador para sacar a la superficie los problemas de la aparente familia de madres lesbianas que ha intentado crear el personaje de Annette Bening –sorprendentemente nominada a mejor actriz principal cuando aparece menos en la cinta que Moore o, incluso, Ruffalo, que estaba nominado a secundario- en una repetición del modelo tradicional de familia que siempre ha buscado excluirlas.

Durante el metraje pasan cosas (unas más interesantes que otras, unas más divertidas que otras) y se llega a un desenlace que podría haber sido cualquier otro. Como en gran parte del descafeinado cine indie que llega a nuestras pantallas. No es mejor ni peor que Greenberg o Cyrus, por nombrar otras dos películas de la misma esfera estrenadas este año. Se ven con mediado interés y se olvidan sin dejar huella.

WINTER´S BONE (2010)


LA AMÉRICA MUY, PERO QUE MUY PROFUNDA

CALIFICACIÓN: 3,5/5


Estados Unidos, 2010.- 100 minutos.- Director: Debra Granik.- Intérpretes: Jennifer Lawrence, John Hawkes.- DRAMA PSICOLOGICO.-
Auténtico cine independiente, con verdadero realismo y con una fuerza narrativa y emocional brutal y sorprendente, si tenemos en cuenta que estamos ante el segundo film de esta directora.

Ree Dolly vive en una zona rural de los montes de Missouri. Es una chica de 17 años que tiene que hacerse cargo de su familia en una situación de extrema precariedad. Su padre Jessup, tras salir de la cárcel en libertad condicional, ha desaparecido misteriosamente y, si no aparece, en pocos días perderán la casa donde Ree vive con su madre enferma y sus dos hermanos pequeños. Encontrar a su padre se convierte entonces para la joven en una cuestión vital.

Fría, seca, cortante, terrorífica desde su extremo hiperrealismo al describir una América rural, que gran parte de los propios estadounidenses desconocen, que estaba tan presente en el cine de Hollywood de los 70 y principios de los 80 (ya fuera en tono de comedia –Un fabuloso bribón-, thriller –Carne viva- o drama –El último héroe americano-). En el film se palpa el frío, la miseria, el hambre (esas ardillas despellejadas para servir como base de un exiguo guiso) y, sobre todo, la violencia física y psicológica provocada por todo lo anterior, más la adicción a las drogas más baratas y destructivas.

Momentos como los del primer encuentro de la protagonista con su tío (magníficos ambos actores, nominados al Oscar), el encuentro en la subasta de ganado o aquella en la que la protagonista debe hacer algo terrible para demostrar el paradero de su padre (toda la secuencia recuerda a la de los pantanos de La noche del cazador) son de los más conseguidos del cine no comercial americano de los últimos años.

Un nombre a seguir el de Debra Granik, que espero que no sea devorado por la mastodóntica y devoradora maquinaria de talentos que es Hollywood.

THE FIGHTER (2010)


IMPAGABLE DESCRIPCIÓN DE UN ASFIXIANTE MICROCOSMOS FAMILIAR

CALIFICACIÓN: 3/5

Estados Unidos, 2010.- 102 minutos.- Director: David O. Russell.- Intérpretes: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo.- DRAMA BIOGRAFICO.-

Aunque no alcanza la excelencia que prometía su director (autor de dos de las películas más estimulantemente locas del Hollywood reciente, “Tres reyes” y “Extrañas coincidencias”), su gran reparto -dos de cuyos miembros, Bale y Leo, han obtenido el Oscar a la interpretación secundaria- y los medios de producción, estamos ante un film más que interesante.

Con las lógicas y enormes limitaciones artísticas y creativas que imponen las historias basadas en hechos reales, donde no se pueden variar demasiado los acontecimientos, Russell decide centrar su atención en otros elementos.

Sin despreciar la acción, el director prefiere enfantizar los ambientes, los personajes y las relaciones sociales. Así logra una casi inédita en el cine de Hollywood, pero muy presente en el cine social europeo, recreación de una familia terrorífica que asfixia con su omnipresencia al protagonista y sus aspiraciones personales y profesionales. Con una elección de casting prodigiosa, con unas hermanas que no parecen actrices sino vecinas de la peor calle del más degradado barrio de Boston, el film trasmite una inquietante sensación de hiperrealismo.

Narra la verdadera historia de Dicky Eklund, un boxeador convertido en entrenador que intenta levantar cabeza después de verse inmerso en una peligrosa mezcla de drogas y delincuencia. Eklund entrenará a su casi hermano "irlandés" Micky Ward, a mediados de los años 80, y será recordado por tres épicos combates contra Arturo Gotti...

Como anécdota, decir que los personajes de Whalberg y Adams van a un cine de versión original y descubrir la película que en él se proyecta será una sorpresa para los aficionados españoles.