jueves, 22 de septiembre de 2016

CAFE SOCIETY (2016)

La cinta está trufada de una serie de escenas en voz en off que cuentan de manera desapasionada y aburrida una serie de cosas que o ya estamos viendo o que no nos interesan nada. Para colmo de males todas las subtramas sobre la familia del protagonista fracasan, la mayoría de las veces, en su intento de hacer reír.


FATALISMO SIN INSPIRACIÓN

 Calificación: 2,5/5 




 Una obra muy irregular del autor de Delitos y faltas, que aúna aciertos más que evidentes con errores impropios de su talento que lastran un resultado final que podemos tildar casi de decepcionante. 

Entroncando con su estilo fatalista muy habitual en toda su filmografía pero acentuado últimamente, el film no va dirigido a los que busquen una trama con giros sorpresivos que te dejen con la boca abierta. Si algunos directores se ríen de las pelis centradas en la resolución final, Woody lo lleva haciendo hace tiempo de la algo infantil necesidad de ser sorprendido todo el rato.

 Allen juega a todo lo contrario: desde el principio, el espectador tiene bastante claro lo que va a ir sucediendo durante la trama, ya que usa modelos más que clásicos, que luego analizaremos. Donde focaliza sus tramas es en el hecho de que sus protagonistas no tienen ni idea de lo que les va a pasar y asistimos, impotentes a sus inútiles acciones para evitarlo. A Woody le interesa el fatalismo, el destino inevitable al que están condenadas sus criaturas, igual que en su anterior obra, Irrational man. Son de esas raras películas (al menos en la actualidad) en las que los personajes saben menos que el público. Son las más difíciles de hacer, pero las más gratificantes si salen bien. No ha sido el caso.

Por otro lado, también centra su interés en los resortes de la narración concibiendo obras cada vez más meta: literarias y cinematográficas. En lugar de empeñarse en ocultarnos el andamiaje, la estructura de su historia, nos está diciendo continuamente que estamos viendo una fabulación, no un baldío intento de recrear la realidad. Y nos explica los mecanismos internos, los recursos que como experto fabulador domina a la perfección. Sus películas recientes hablan casi todas del arte de inventar historias.

 La primera mitad de la película (en mi opinión, sin duda, la mejor) funciona bien como un triángulo amoroso con conflicto de intereses laboral y familiar muy en la línea de El apartamento de Billy Wilder. Incluso para el momento en el que el protagonista descubre la dolorosa verdad, usa el recurso de un objeto que la revela sin necesidad de palabras. Pero aquí empiezan los muchos problemas del film. Allen es un excelente guionista pero nunca me ha parecido un director a la altura de los grandes. Y con el paso del tiempo va a peor. Si Wilder filma el descubrimiento de su protagonista, Jack Lemmon, en el Apartamento de manera magistral, Allen lo hace aquí de forma desganada, torpe, tosca sin pasión alguna. Si hasta entonces el film había sido de un preciosismo tan arrebatador como poco habitual en su filmografía, a partir de este momento es como si se cansara de esforzarse y el film va cuesta abajo y sin frenos (toda la parte de Lively es flojísima) salvo por un epilogo, de nuevo excelente, que muestra la eterna dicotomía entre lo mediocre que parece lo que tenemos y lo sublime que aparenta lo que no tenemos.

 En dicho triángulo amoroso brilla una actriz demasiado marcada y menospreciada por su papel en la saga Crepusculo, Kristen Stewart, que llena la pantalla de emociones, aunque la química con Eissenberg nunca llega a aparecer del todo.

 Además, la cinta está trufada de una serie de escenas en voz en off que cuentan de manera desapasionada y aburrida una serie de cosas que o ya estamos viendo o que no nos interesan nada. Para colmo de males todas las subtramas sobre la familia del protagonista fracasan, la mayoría de las veces, en su intento de hacer reír (aunque es cierto que todos somos cada vez más cínicos y descreídos y ya es muy difícil vivir esa catarsis colectiva de compartir carcajadas con desconocidos en la sala oscura de un cine). Y lo que es peor. Allen ha sido un maestro en unir tramas sin conexión en desenlaces sublimes. Y yo lo estaba esperando. Pues bien. Si quitas todas esas tramas, la película funcionaria igual o mejor…pero claro duraría 60-70 minutos. Y eso no se lo permiten ni a Woody. 

FICHA ARTISTICA Y SINOPSIS 

Estados Unidos, 2016.- 96 minutos.- Director: Woody Allen.- Intérpretes: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Blake Lively, Parker Posey, Corey Stoll, Jeannie Berlin, Ken Stott, Anna Camp, Gregg Binkley, Paul Schneider, Sari Lennick, Stephen Kunken.- COMEDIA ROMANTICA.- Los Ángeles, años 30. En la meca del cine, el joven recién llegado Bobby Dorfman, sobrino de un poderoso agente y productor de Hollywood, se enamora de Vonnie, la guapa secretaria de su tío Phil.

martes, 20 de septiembre de 2016

TARDE PARA LA IRA (2016)

Arevalo sabe intercalar sabiamente escenas claustrofóbicas  con otras mucho más respirables. En una historia de estas características la credibilidad que trasmitan los actores es fundamental. Y la mayoría están excelentes. Destacan por encima de todos una incomensurable Ruth Diaz que se hizo merecedora del premio a la mejor actriz en la sección Nuevos Horizontes del Festival de Venecia.

CONCISA, SECA Y SIN CONCESIONES 

Calificación: 3,5/5 



Un más que interesante debut tras la cámara del actor Arévalo ( Primos, Cien años de perdón) que demuestra haber aprendido de los directores con los que ha trabajo durante su carrera, especialmente de su experiencia con Alberto Rodríguez en La isla mínima, cuyo estilo de narración es la más fuerte inspiración para su opera prima, Tarde para la ira.

Los que me conocen saben que no soy muy partidario del “cine de cogotes”, término que acuñe para el tipo de planificación en el que predominan los planos muy cerrados en los que sólo vemos planos detalles de una parte de la cabeza de los protagonistas, especialmente la nuca. Los hermanos belgas Dardenne son el paradigma de esta concepción visual que veo adecuada para ciertas escenas de un cine muy social y/o dramático pero de las que considero que no se debe abusar. Es cierto que para producciones que cuentan con poco presupuesto y quieren contar historias de profundo calado humano puede servir pero, a veces, se nota demasiado que no hay una razón estilística detrás, sino que, simplemente, no hay un duro.

Arevalo, sin embargo, sabe intercalar sabiamente escenas claustrofóbicas (la secuencia inicial de la huida fallida del protagonista ya te mete de lleno en el ambiente y la atmosfera del Tarde para la ira) con otras mucho más respirables.

Obviamente, en una historia de estas características la credibilidad que trasmitan los actores es fundamental. Y la mayoría están excelentes. Destacan por encima de todos una incomensurable Ruth Diaz que se hizo merecedora del premio a la mejor actriz en la sección Nuevos Horizontes del Festival de Venecia. No se debe olvidar a un más que probable nominado al Goya al mejor actor de reparto, Manolo Solo, eterno secundario del reciente cine español en un rol absolutamente diferente a los que nos tiene acostumbrados. El es el protagonista absoluto de la mejor secuencia del film, la del gimnasio, recuérdenla cuando vayan a verla.

Tarde para la ira tiene una duración ajustada, no sobra nada en ella y, sin siendo un film nada político en apariencia incluye una escena que define a nuestro país: las copas de los árboles son testigos de la violencia inherente mientras de fondo se oye la engañosa música representativa de nuestra engañosa alegría: la pachanga.

 FICHA ARTISTICA Y SINOPSIS 

España, 2016.- 92 minutos.- Director: Raúl Arévalo.- Intérpretes: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia Rubio, Raúl Jiménez, Font García.- COMEDIA ROMANTICA.- Madrid, agosto de 2007. Curro entra en prisión tras participar en el atraco a una joyería. Ocho años después sale de la cárcel con ganas de emprender una nueva vida junto a su novia Ana y su hijo, pero se encontrará con una situación inesperada y a un desconocido, José.

martes, 23 de agosto de 2016

CAZAFANTASMAS (GHOTSBUSTERS) -1984-

Repleta de guiños a los fans e incluso ironizando sobre algunos de los elementos del film de 1984, el film, en parte, naufraga debido a un flojo guión que presenta un malo sin carisma alguno, unas protas casi intercambiables y un Chris Hemsworth, que, aunque hace denodados esfuerzos por resultar gracioso, tiene que defender un personaje con muy pocas lineas de dialogo realmente brillantes.
 
NOSTALGIA IMPOSIBLE 

Calificación: 2/5 


Una medianamente entretenida actualización de la exitosa saga ochentera que, a pesar de unos personajes poco carismáticos, un bajo porcentaje de chistes realmente desternillantes, un ritmo atonal y un guión demasiado funcional, puede reportarnos dos horas de diversión veraniega si uno no se pone muy exquisito. 

Está comprobado que estas operaciones nostálgicas raramente funcionan óptimamente. Han pasado 30 años y nosotros somos otras personas cuyos gustos, intereses y afinidades han ido evolucionando e, igual de importante, el mundo que nos rodea no es que haya cambiado, sino que pertenece a otra era, la de Internet, donde todo se magnifica. En definitiva, como decía Pablo Neruda, “nosotros, los de entonces, ya no somos los mismos”. Por ello, pretender que este film nos haga salir alucinados del cine como consiguieron los originales Ghostbusters (Akroyd, Murray y el llorado Ramis) al que se dedica la película es algo ingenuo.

Muchos fans acabaron decepcionados después de las expectativas depositadas en actualizaciones de sagas como Indiana Jones o Star Wars. Sin embargo, si revisaramos entregas como El templo maldito o El retorno del Jedi, veremos que no hay una diferencia tan abismal entre antiguas y nuevas películas. Los autores de los nuevos films (como en este caso, Feig) se declaran fans acérrimos de los films primigenios y acometen su labor con reverencia casi sagrada. Pero quizá por eso mismo (o no) sus obras quedan en pálidas fotocopias. Cada época tiene su idiosicrancia e intentar transpolar el espíritu de una historia tan ochentera a nuestros días es trabajo baldio.

Repleta de guiños a los fans e incluso ironizando sobre algunos de los elementos del film de 1984, el film, en parte, naufraga debido a un flojo guión que presenta un malo sin carisma alguno, unas protas casi intercambiables y un Chris Hemsworth, que, aunque hace denodados esfuerzos por resultar gracioso, tiene que defender un personaje con muy pocas lineas de dialogo realmente brillantes (puede ser que sea comentario sobre el signo de los tiempos pero el hecho es que no está conseguido).

El ritmo tampoco acaba de funcionar. La narración es plana y no hay respiro pero tampoco momentos para asentar un relato que deje la más mínima huella en la memoria. Si bien no me aburrí mientras la veía, no puedo recordar ni un solo momento que me llamara la atención. Así el film queda como una burbuja aparente que explota conforme abandonas la sala. Por cierto, los créditos finales valen la pena y esconden en su final, una pequeña escena que prepara una secuela que exisitirá dependiendo del éxito en taquilla del film que nos ocupa, que parece que está siendo más bien escaso.

FICHA ARTISTICA Y SINOPSIS


Estados Unidos, 2016.-  117  minutos.- Director: Paul Feig.- Intérpretes: Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Leslie Jones, Kate McKinnon, Cecily Strong, Chris Hemsworth, Andy Garcia, Michael Kenneth Williams, Neil Casey, Matt Walsh, Nate Corddry, Mark Burzenski, Pat Kiernan, Nick Austin, Bill Murray, Ernie Hudson, Sigourney Weaver.- AVENTURAS DE CIENCIA-FICCION.-  Manhattan, Nueva York. Después de casi treinta años sin saber de ellos, los fantasmas y demonios se han vuelto a escapar de los infiernos para destruir la ciudad. Esta vez un nuevo equipo de Cazafantasmas, formado por un grupo de cuatro mujeres, está dispuesto a terminar con cualquier amenaza espectral. 

martes, 16 de agosto de 2016

ESCUADRON SUICIDA –SUICIDE SQUAD- (2016)

A los pocos días del estreno, leí un titular tan falaz como inteligente (como la mayoría de los de la pervertida prensa actual): “un taquillazo contradice las malas críticas de Escuadrón suicida”. La falacia es que se comparan dos elementos que no tienen nada que ver: una opinión con el hecho de comprar una entrada. Habría que comparar las críticas con las opiniones del público al salir de la sala. El hecho de que se vendan miles de miles de entradas no quiere decir que a la gente le guste lo que ha visto. De hecho las críticas de espectadores en internet han sido mayoritariamente negativas. 


MARGOT ROBBIE, BUENAS CANCIONES…Y LA NADA MÁS ABSOLUTA 


Calificación: 1/5 



Un ejemplo paradigmático de las peores características del cine actual basado en comics: argumentos que dan para un corto hinchados hasta las dos horas o más, larguísimas presentaciones del nuevo universo sin apenas nudo y desenlace eterno, peleas cuerpo a cuerpo y enfrentamientos armados eternos, repetitivos e intercambiables entre las diferentes cintas, efectos especiales clónicos, mucho primer plano y escenas nocturnas para ahorrar en producción, desarrollo cero de los personajes (si hubieran quitado al Joker nadie lo hubiera notado) ñoñerías varias como esa insoportable hija de Will Smith, profundidad psicológica abisal, falta de ritmo e interés una vez que se ponen las cartas sobre la mesa, sobrexplicación de algunas claves del argumento y confusión y precipitación en otras, tufo conservador bajo una apariencia destroyer...

  ¿Quieren que siga o es suficiente? El comic es el género dominante del siglo XXI como lo fue el western, el cine negro, el drama o el policiaco en otras décadas. Al igual que con el western dentro de un tiempo, veremos que muchas pelis-comic son intercambiables entre sí, es decir “visto un western, vistos todos”. Pero la diferencia es que hay decenas de westerns memorables que se salen del patrón tópico y creo que nos basta con los dedos de una mano para hablar de pelis-comic que, además, son cine con mayúsculas. Porque ese ese es uno de los problemas de este tipo de películas. Tienen muy poco que ver con el cine. Hay que partir del hecho de que la mayoría de sus fans, son fans de los comics y no del cine, con lo cual no ven otro tipo de películas y, paradigmáticamente, confunden calidad y fidelidad. Asi, una buena peli-comic es aquella que es absolutamente fiel al original, no aquella que está bien narrada, dirigida, producida, ambientada, interpretada y demás parámetros cinematográficos.

El segundo problema es que antes los productores generaban muchas pelis comerciales y reservaban una parte de las ganancias para producir films de calidad que les reportaran prestigio. Ahora los beneficios se dedican a producir más pelis comerciales y ganar más y más dinero. El prestigio no paga ranchos. ¡Por Dios! Si ya no hay ni pelis de polis, ni dramas, ni buenas comedias…

Y seguirán en esta filosofía mientras los blockbusters actuales den dinero. Así cada vez que un blockbusters de este tipo arrasa en taquilla y una peli interesante se da el batacazo, el buen cine muere un poco más.

 Hablemos ahora de la reacción ante este film. Muchos fans del cine-comic esperaban con expectación el estreno de este film gracias a la profusa campaña de marketing que, como en otras ocasiones, parece más importante que el propio film y a la que se dedica una parte importante de su presupuesto. Como ya decía William Goldman en su imprescindible libro de 1982, “Aventuras y desventuras de un guionista en Hollywood” hay algunas películas tan caras, con la que se arriesga tanto dinero que aún se vuelven mucho más caras porque hay que sumarle el dinero de la publicidad para minimizar al máximo el riesgo del descalabro. A los pocos días del estreno, leí un titular tan falaz como inteligente (como la mayoría de los de la pervertida prensa actual): “un taquillazo contradice las malas críticas de Escuadrón suicida”. La falacia es que se comparan dos elementos que no tienen nada que ver: una opinión con el hecho de comprar una entrada. Habría que comparar las críticas con las opiniones del público al salir de la sala. El hecho de que se vendan miles de miles de entradas no quiere decir que a la gente le guste lo que ha visto. De hecho las críticas de espectadores en internet han sido mayoritariamente negativas. Detrás de esa noticia se agazapa la manipulación del mundo del consumo: El consumidor nunca se equivoca, el cliente siempre tiene la razón, el público es soberano. Así matas dos pajaros de un tiro: te cargas a los que te critican y refuerzas a tu cliente al que puede que no le haya gustado tu producto pero se siente reforzado en su decisión compartida con millones de personas.

 ¿El público (entre el que me incluyo) siempre tiene la razón? ¿Decidimos lo que consumimos? Evidentemente no. Porque las elecciones son limitadas. Hay muchos productos culturales que no consumimos porque desconocemos de su existencia. Unos porque no tienen suficiente dinero para hacerse visibles, otros porque fueron concebidos por productores caídos en desgracia en el estudio correspondiente y sus sucesores se aseguran de hundirlos para demostrar que el predecesor no tenía ni idea de lo que estaba haciendo. Otros porque el departamento de marketing no sabe dónde ubicarlos entre los 5 tipos de pelis que se hacen hoy en día (indie, terror, comedia tonta, comic y aventuras fantásticas), otros porque son demasiado molestos, incomodos o críticos, etc Sin embargo, otros los consumimos exclusivamente porque nos lo meten por los ojos y si no los conoces quedas fuera de muchas conversaciones y te sientes fuera de lo que está de moda.

Oferta y moda son elementos fundamentales. ¿Por qué mi madre y sus amigas veían La clave y Lou Grant hace treinta años y ahora la telebasura de Telecinco? Porque la oferta ha cambiado terriblemente y porque si alguna de ellas ven una peli rara no van a poder comentarla con nadie.

 ¿Por qué los progres de los 70 veían cine de autor y ahora se dan cuenta de que bastantes de esas películas son insufribles? Porque era cool ver cine que no gustaba al régimen franquista y tras el debate sesudo podías llevarte a la cama a alguna chica fascinada por tu sapiencia antisistema.

 ¿Por qué la gente iba en masa a ver Love Story, una historia de amor entre chico rico y chica pobre que acaba con la trágica muerte de ella cuando se estaba viviendo la era hippie del amor libre? Porque los chicos sabían que después de un funeral (real o ficticio) la gente se entrega irracionalmente al sexo para contrarrestar la tragedia de la muerte y si llevaban una chica a verla, además de parecer sensibles, esa noche seguro que triunfaban.

 ¿Por qué la peli más taquillera de 1970 fue Aeropuerto y ahora nadie quiere verla y todos preferimos Aterriza como puedas? Pues volviendo a Goldman porque todas esas pelis llegaron en el momento adecuado. No importa su calidad ni la capacidad de perdurar sino de gustar a la gente en el momento en el que se hicieron…y que pasaran por taquilla que es el lógico y comprensible objetivo de la industria del cine.

Hablamos antes de que el Hollywood actual seguirá haciendo este cine hasta que fracase en taquilla. ¿Afecta que Escuadrón suicida no haya gustado en general? Creo que no. El cabreo se nos pasara con la siguiente campaña de marketing. Haremos todo lo posible por olvidar el desencanto e iremos a ver la siguiente peli sobredimensionada porque queremos, deseamos locamente que nos guste lo que se estrena…porque nos gusta ir al cine. Y la peli volverá a ser una castaña. Y el buen cine volverá a morir un poco.

Dirán con razón que casi no he hablado de la peli. Pero es que más allá del título de mi reseña (lo de Margot Robbie hace referencia tanto a su innegable belleza como a su estupenda interpretación) poco más hay que decir. Y eso que la primera media hora de presentación de personajes no me estaba aburriendo…aunque sea una copia barata de la sobrevalorada Doce del patíbulo.

FICHA ARTÍSTICA Y SINOPSIS 

Estados Unidos, 2016.- 123 minutos.- Director: David Ayer.- Intérpretes: Will Smith, Jared Leto, Margot Robbie, Jai Courtney, Joel Kinnaman, Viola Davis, Cara Delevingne, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Adam Beach, Jay Hernandez, Karen Fukuhara, Scott Eastwood, Jim Parrack, Ike Barinholtz, Ben Affleck.- COMIC.- Mientras el gobierno de EE.UU no tiene claro cómo responder a una visita alienígena a la Tierra con intenciones malignas, Amanda 'El Muro' Waller, la líder de la agencia secreta A.R.G.U.S., ofrece una curiosa solución: reclutar a los villanos más crueles, con habilidades letales e incluso mágicas, para que trabajen para ellos. Sin demasiadas opciones a dar una negativa, los ocho supervillanos más peligrosos del mundo acceden a colaborar con el Ejecutivo en peligrosas misiones secretas, casi suicidas, para así lograr limpiar su expediente

martes, 9 de agosto de 2016

AHORA ME VES 2 –NOW YOU SEE ME 2- (2016)


Qué ocurre cuando el film original no tiene nada de especial como para merecer una segunda parte, salvo el hecho de que recaudó mucho más dinero del que sus propios responsables esperaban? Pues que la secuela roza la bazofia: un film sin alma ni interés cuyo visionado es básicamente una pérdida de tiempo. 


SI LO EXPLICAS TANTO, PIERDE LA MAGIA
 
Calificación: 1,5/5 



Una decepcionante secuela del agradable entretenimiento estrenado hace tres veranos. Coppola dijo hace muchos años que una película original es como el sexo que tienes con tu novia idolatrada, se trata de un acto de amor… mientras que las secuelas son como el que tienes con una prostituta, una pura transacción comercial. Aunque no se aplicó el cuento con su magnífica El padrino II, que en ciertos aspectos supera al original, el director de Apocalypse now tenía mucha razón.

Y…¿Qué ocurre cuando el film original no tiene nada de especial como para merecer una segunda parte, salvo el hecho de que recaudó mucho más dinero del que sus propios responsables esperaban? Pues que la secuela roza la bazofia: un film sin alma ni interés cuyo visionado es básicamente una pérdida de tiempo.

En primer lugar, los creadores tratan a la cinta de 2013 como un objeto de culto en lugar del pasarratos que era y durante todo el film dan por hecho de que nos acordamos de las claves de la primera parte como si fuera un film que nos reunimos a ver con los colegas cada seis meses o algo así.  Por ello algunas escenas son básicamente incomprensibles si alguien no se ha tomado la baldía molestia de revisar la peli anterior.

Además, a la cinta le cuesta mucho arrancar y cuando lo hace y desvela sus cartas, es mucho peor. Tenemos una minúscula trama lo cual no sería un problema si los personajes tuvieran encanto y las peripecias fueran sorprendentes. Pero salimos perdiendo con el cambio de Isla Fisher por Lizzy Caplan (y eso que esta actriz me parece muy competente pero aquí le hacen declamar unos diálogos imposibles) y el doble personaje del casi siempre divertido Woody Harrelson resulta estomagante. Por no hablar de la incorporación de Daniel Radcliffe en un inadecuado papel.

El relativo efecto sorpresa de la primera entrega aquí desaparece totalmente y siempre da la sensación de que el guion se ha escrito a toda prisa y que todo el mundo pasaba por allí para recoger el cheque. El film acaba siendo un correcalles sin sentido, formado por una escena fallida detrás de otra, explicaciones de los trucos enormemente anticinematográficas y momentos absurdos que sólo quieren ser fardadas para epatar al público más impresionable como la muy ridícula y alargada (como todo el film) secuencia del cacheo de los héroes en la cámara de seguridad.

 FICHA ARTÍSTICA Y SINOPSIS 

Estados Unidos, 2016.- 123 minutos.- Director: Jon Chu.- Intérpretes: Mark Ruffalo, Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Dave Franco, Morgan Freeman, Michael Caine, Daniel Radcliffe, Lizzy Caplan.- COMEDIA DE ACCION.- Un año después de despistar al FBI y conseguir la admiración del público con sus espectáculos mentales, los cuatro jinetes vuelven a la luz pública, pero un nuevo enemigo se propone arruinar su golpe más espectacular y peligroso hasta la fecha...

martes, 2 de agosto de 2016

MONEY MONSTER (2016)

La cinta es esencialmente entretenida y poseedora de un buen ritmo que nunca decae. Es cierto que la tensión es más teórica que real, no llega a palparse. De igual manera, varios tramos del guion son esencialmente inverosímiles del mismo modo que el film podría haber llegado mucho más lejos en su componente crítico. A dicha inverosimilitud colabora el personaje de Clooney, lastrado por una verdad absoluta de la industria: Las estrellas no quieren interpretar personajes esencialmente detestables.


LA LOCURA QUE NOS RODEA PLASMADA CON RITMO Y PERSPICAZ CINISMO


 Calificación: 3/5



 Un film que funciona como entretenimiento pero que también fustiga los claroscuros y la corrupción de nuestra sociedad quizá de manera insuficiente y simplista pero efectiva y mostrando un espíritu critico y (auto)crítico muy de agradecer. El simple hecho de que en el Hollywood actual haya surgido este proyecto y se haya hecho realidad plasmado en un interesante film ya es de agradecer. La industria cinematográfica actual ha encontrado hace años la fórmula que llevaba ansiando desde las sucesivas crisis de finales de los 50, mediados de los 60 y principios de los 80. Esa fórmula con la que ahuyentar el fantasma del que habla William Goldman (guionista de La princesa prometida entre otras muchas) en los dos volúmenes de su imprescindible: “Aventuras y desventuras de un guionista en Hollywood”: La sensación entre los miembros de la industria de que “nadie sabía nada” sobre los gustos del público y que cada film era un prototipo único difícil de vender.

 La fórmula (casi) mágica se ha alcanzado en forma de una filosofía de producción que gira alrededor de escasos géneros y nulo riesgo: Adaptación de comics, traslación a la pantalla de éxitos literarios fundamentalmente fantásticos, cine de terror, algo de comedia simple, dosis de cine indie y…poco más. ¡Dios Mio! Si casi ya ni se producen thrillers y policiacos porque en el último lustro, la mayoría han sido ignorados por el público. Parece que, por fin, Hollywood sabe lo que la gente quiere y no va a dejar de dárselo mientras la cosa siga siendo rentable. Algo por otra parte totalmente lógico y nada criticable. La pregunta sería que ha pasado en nuestra sociedad para que el público de la espalda al resto de géneros.

 En este contexto es muy difícil, aunque nunca imposible, que los artistas se salgan del tiesto, aportando una visión no monolítica de nuestro mundo y tiempo. El productor Heslov, muchas veces asociado a George Clooney, (Agosto, Argo, Los Idus de Marzo, Los hombres que miraban fijamente a las cabras) es de los pocos que todavía hace “pelis de pensar, de reflexionae”, una de las habilidades que nos diferencia como humanos pero que nos empeñamos en evitar. A veces se equivoca pero por lo menos lo intenta.

 Ahora junto a su inseparable Clooney, de la Roberts y confiando en Jodie Foster detrás de las cámaras por cuarta vez y un trio de guionistas acostumbrados a trabajar juntos en cine y televisión (Grimm, The bridge) levanta un proyecto anticorriente que sólo será un relativo éxito comercial por la protagonismo de ambas estrellas.

La cinta es esencialmente entretenida y poseedora de un buen ritmo que nunca decae. Es cierto que la tensión es más teórica que real, no llega a palparse. De igual manera, varios tramos del guion son esencialmente inverosímiles del mismo modo que el film podría haber llegado mucho más lejos en su componente crítico. A dicha inverosimilitud colabora el personaje de Clooney, lastrado por una verdad absoluta de la industria: Las estrellas no quieren interpretar personajes esencialmente detestables. Así su rol pasa de ser un egocéntrico insoportable, un triunfador obsceno en su indecencia a casi un héroe.

 Como contrapartida, el guion nos regala varias escenas en las que parece que la trama se va a perder por el desagüe del sentimentalismo más raciamente hollywoodiense. Aquí está lo mejor de la función. No sólo no lo hace sino que saca a la luz unas cargas de cinismo, inteligente y cómico no amargado ni sabiondo, que son, sin duda, lo mejor de la función.

FICHA ARTISTICA Y SINOPSIS 

Estados Unidos, 2016.- 100 minutos.- Director: Jodie Foster.- Intérpretes: George Clooney, Julia Roberts, Jack O'Connell, Caitriona Balfe, Dominic West, Giancarlo Esposito, Dennis Boutsikaris, Darri Ingolfsson, Christopher Denham, Anthony DeSando, Jennifer Dong, Ivan Martin, Cliff Moylan, Vernon Campbell, Joseph Oliveira, Chris Bauer.- DRAMA.- Lee Gates, un famoso presentador de televisión, es también uno de los principales gurús de Wall Street. Pero cuando el joven Kyle Budwell, siguiendo sus consejos, pierde todo el dinero de su familia, decide secuestrar a Gates durante la emisión en directo de su programa.

martes, 26 de julio de 2016

INFIERNO AZUL (THE SHALLOWS) -2016-

Jaume Collet Serra Desde siempre ha dejado claro que la calidad de sus films depende del guion que tiene entre manos pues siempre ha demostrado similar y notable pericia narrativa. Durante su carrera ha dejado claro que está capacitado para estar altura de un guion competente pero no de levantar uno flojo. 


RETRATO (DIGITAL) DE SURFERA CON TIBURÓN AL FONDO 


CALIFICACION: 2/5 




Un entretenimiento veraniego muy menor cuyo mayor acierto es saberse poseedor de un enclenque y minúsculo guion y, por tanto, decidir no alcanzar ni la hora y media de duración para no alargar la tortura de la protagonista ni del espectador. A pesar de esa sabia decisión, el film se hace largo y repetitivo y creo que con ello está dicho todo. Siempre he abogado por el cine de explotación y género que no supera los 90 minutos otrora standard. Sin embargo, este film no consigue mi aplauso porque la historia no da para más que un cortometraje largo o un mediometraje corto. Los productores quisieron ver un largo exitoso en esta historia y la duración la han logrado…dudo que les acompañe el éxito masivo, al menos en Europa.

El director catalán (pero afincado en Hollywood desde 1992 cuando contaba con 18 años) Jaume Collet Serra ha forjado una atractiva carrera dentro del ya casi residual cine comercial no fantástico o de comic con películas de terror, suspense e intriga. Desde siempre la calidad de sus films depende del guion que tiene entre manos pues siempre ha demostrado similar y notable pericia narrativa. De toda su carrera, mi película favorita es La huérfana, uno de los pocos films realmente terroríficos en los que la explicación es totalmente lógica sin recurrir a lo sobrenatural para justificar el todo vale. Un reto realmente difícil de saldar con éxito. Sin identidad y Non-Stop eran competentes thrillers mientras que en su anterior película, Una noche para sobrevivir, denotaba que está capacitado para estar altura de un guion competente pero no de levantar uno flojo.

Por tanto, Infierno azul, es su segunda decepción y para 2017 vuelve a la carga con Liam Neeson en The commuter, intentando reverdecer viejos laureles. Y es que su segundo film con protagonismo netamente femenino (tras La huérfana) nos presenta una breve presentación de personajes de manual (bueno todo el film es de manual), 15 minutos de videoclip surfero que aburre hasta un fanático de ver a otra gente haciendo surf como yo y una hora de peripecia marina que sirve para demostrar el peliculón que es Tiburón de Spielberg, cuarenta años después. La comparación de ambos films es paradigmática y reveladora. En efectos especiales no hay color en favor del film que nos ocupa. En narración, cargas de profundidad (uno de los significados del título original -The Shallows-: “Lo superficial” le viene como anillo al dedo), dosificación del suspense y personajes…Infierno azul hace el ridículo.

FICHA ARTISTICA Y SINOPSIS

The Shallows.- Estados Unidos, 2016.- 85 minutos.- Director: Jaume Collet Serra.- Intérpretes: Blake Lively, Óscar Jaenada, Brett Cullen, Sedona Legge, Janelle Bailey, Angelo Josue Lozano Corzo, José Manuel Trujillo Salas, Diego Espejel, Pablo Calva:- DRAMA DE ACCION.- Nancy es una joven que trata de superar la pérdida de su madre. Un día, practicando surf en una solitaria playa mexicana se queda atrapada en un islote a sólo cien metros de la costa. El problema está en que un enorme tiburón blanco se interpone entre ella y la otra orilla

martes, 21 de junio de 2016

DOS BUENOS TIPOS -THE NICE GUYS- (2016)

La mayoría de las situaciones slapsticks no funcionan y es que, encontrar el tempo cómico es un arte que parece definitivamente perdido. Ni las situaciones ni los personajes son tan divertidos como Black se cree. Un gran problema es que no me creo nada de lo que pasa en pantalla. Me encantan que las pelis sean irreales pero no impostadas. Además la película da demasiadas vueltas sobre sí misma, es arrítmica y se hace larga, especialmente porque cuando parece que se ha acabado (y respiras aliviado porque ya te estaban pesando los minutos) aún queda cerrar una trama no demasiado interesante durante 15 minutos más. Todas estas críticas se deben entender desde el punto de vista de que si estuviéramos ante una opera prima la saludaríamos como una agradable sorpresa muy por encima de la media del cine comercial actual. Pero de Black esperamos mucho más.  


IMPOSTURA Y EXCESO DE "INGENIO"

Calificación: 2`5/5 



Como bien sabe mi entorno, deseaba ver esta película desde que supe de su pre-producción. Shane Black (El último Boy Scout, Kiss, Kiss, Bang, Bang) es uno de los pocos guionistas y directores que mantienen encendida la llama del buen cine comercial pretérito que nadie quiere hacer (y me temo que tampoco saben) y que casi nadie tampoco parece que ya quiere ver. Si además la peli está ambientada en el Los Angeles de finales de los 70 siguiendo las andanzas de dos policías cools y algo canallas investigando un asunto relacionado con la industria del cine porno…parecía que estábamos ante mi fantasía lúbrico-cinematográfica hecha realidad.

 Evidentemente, cuando las expectativas son tan altas surge el hype, íntimo y personal en este caso. Puede ser la causa de que Dos buenos tipos me haya decepcionado en cierto modo, pero creo que hay razones objetivas y una coyuntural que explican mi bajona al salir del cine.

 Empecemos por la coyuntural. Por razones de horario no le he podido ver subtitulada y creo que la interpretación vocal de los actores es muy importante en este film. También es cierto que las grandes pelis disfrutables de los 80 las veíamos dobladas y chorreamos de placer lúdico viéndolas. Creo que hoy en día, las voces de los dobladores son menos carismáticas y, sobre todo, en esa obsesión por la rigurosidad de las nuevas generaciones, asistimos a traducciones demasiado fieles que convierten algunas frases en incomprensibles y le quitan gracia a muchos chistes. En los 80 los doblajes se adaptaban a la idiosincrasia española y lo que perdíamos en literalidad, lo ganábamos en diversión. Que es de lo que se trata ¿no? No es que defienda el doblaje de pelis como Las aventuras de Ford Fairlane (aunque es infinitamente más divertida en español que en inglés) pero si confieso sin tapujos que prefiero ver El gran Lebowski doblada que subtitulada. El humor leído no es tan divertido como el escuchado.

 Centrándonos en la peli comentar que la mayoría de las situaciones slapsticks no funcionan y es que, encontrar el tempo cómico es un arte que parece definitivamente perdido. Ni las situaciones ni los personajes son tan divertidos como Black se cree. Un gran problema es que no me creo nada de lo que pasa en pantalla. Me encantan que las pelis sean irreales pero no impostadas. Además la película da demasiadas vueltas sobre sí misma, es arrítmica y se hace larga, especialmente porque cuando parece que se ha acabado (y respiras aliviado porque ya te estaban pesando los minutos) aún queda cerrar una trama no demasiado interesante durante 15 minutos más.

 Todas estas críticas se deben entender desde el punto de vista de que si estuviéramos ante una opera prima la saludaríamos como una agradable sorpresa muy por encima de la media del cine comercial actual. Pero de Black esperamos mucho más. Con decirles -otro sacrilegio que me puede hacer perder lectores y a algunos de mis pocos seguidores en twitter (pero yo estoy aquí para opinar e informar, no para gustar, a diferencia de la mayoría de los que se dedican no profesionalmente a esto hoy en día)- que me lo pase mejor viendo Eddie El Aguila. Una peli que no va de nada a diferencia de ésta que intenta ser guay, “ingeniosa” (en el mal sentido, el de listillo) y brillante desde el minuto 0. Eso sí, el elenco actoral está perfecto y la actriz que interpreta a la hija de Gosling puede ser una de las grandes estrellas de los próximos años. Lo tiene todo para serlo.

FICHA ARTÍSTICA Y SINOPSIS 

Estados Unidos, 2016.- 116 minutos.- Director: Shane Black.- Intérpretes: Ryan Gosling, Russell Crowe, Matt Bomer, Kim Basinger, Yvonne Zima, Keith David, Margaret Qualley, Beau Knapp, Angourie Rice, Daisy Tahan, Abbie Dunn, Michael Beasley, Joanne Spracklen, Dale Ritchey, Terence Rosemore, Chace Beck, Kahallyn Summer Cain, Cayla Brady, Murielle Telio, Lexi Johnson, Gary Wolf, Maddie Compton, Michelle Rivera, Joshua Hoover, Charles Green, Scott Ledbetter, Amy Goddard, Brian Gonzalez, Ty Simpkins.- COMEDIA DE ACCION.- Ambientada en Los Ángeles durante los años 70, gira en torno al detective Holland March y el matón a sueldo Jackson Healy, los cuales se ven forzados a colaborar para resolver el caso de una joven desaparecida, la muerte de una estrella porno y una conspiración criminal que llega hasta las altas esferas.

jueves, 16 de junio de 2016

UNA MADRE IMPERFECTA –THE MEDDLER- (2015)

A LA QUE DA VIDA UNA SARANDON PERFECTA 

Calificación: 2/5 



Me resultan difíciles de entender las buenas críticas profesionales que ha recibido este film aunque, bien es cierto, que no ha levantado tanto entusiasmo entre los espectadores que han acudido a verla y han dejado constancia de su opinión. La cinta tiene muchos de los tics del cine indie que ya resultan molestos porque se sienten como parte de una formula gastada. Además, muchas situaciones resultan forzadas y uno tiene la sensación de estar viendo las costuras del guión y la artificiosidad de algunas situaciones dramáticas y gags. Lo que resulta más grave todavía al tratarse de un relato basado en las experiencias reales de la directora y guionista con su madre “metomentodo”, que es lo que significa el titulo original, mucho más acertado. Esto es una constatación más de que la realidad no puede ser llevada a la pantalla sin ser procesada cinematográficamente de manera concienzuda. Por paradójico que parezca, cuanto más realistas queremos resultar, más falso aparece todo ante nuestros ojos.

 Por otro lado, siendo una película en el que la trama está al servicio total de la protagonista y aquélla está constituida por una serie de situaciones dispersas (la digresión, la jam session cinematográfica me suele encantar), el gran problema es que una parte importante de estas anécdotas me interesan poco y me conmueven nada.

 Entonces sin trama ni conflicto fuertes ni anécdotas chispeantes ¿Qué nos queda? Más bien poco. Las interpretaciones del trío protagonistas, especialmente la de la grandiosa y aún bellísima y deseable Susan Sarandon. Cuando coinciden en pantalla las parejas Sarandon-Byrne o Sarandon-Simmons, la película se siente real, estamos viendo VERDAD. Cuando interactúan con cualquier otro personaje, el film es un auténtico desastre y deja en evidencia a unos actores secundarios bastante lamentables. Y la vi en versión original, así que no hay excusa del doblaje que valga. Si en lugar de la Sarandon estuviera alguna otra actriz más mediocre, el film sería literalmente infumable en su extraño equilibrio entre buen rollismo, tristeza y nostalgia cinematográfica.

De todas maneras, al día siguiente de verla sólo recordaba a Susan con un sexy vestido rojo y a ella y Simmons cabalgando en una Harley al son de la maravillosa canción Angel of Morning. Todo lo demás, había desparecido de mi recuerdo, lo que no dice mucho del film y/o de mi memoria.

FICHA ARTÍSTICA Y SINOPSIS 

Estados Unidos, 2015.- 100 minutos.- Director: Lorene Scafaria.- Intérpretes: Susan Sarandon, Rose Byrne, J.K. Simmons, Lucy Punch, Jason Ritter, Michael McKean, Casey Wilson, Sarah Baker, Cecily Strong.- TRAGICOMEDIA.- Marnie es una viuda reciente que se traslada a Hollywood para estar más cerca de su hija, lo que resultará ser un cambio total para su vida: nuevas aventuras, nuevos amigos, nuevas oportunidades… y quién sabe si un nuevo amor.

martes, 7 de junio de 2016

UN HOMBRE PERFECTO (UN HOMME IDEAL) -2015-

TODO POR UN SUEÑO…Y MANTENER EL STATUS SOCIAL 


Calificación: 2,5/5



Patricia Highsmith revisitada con tantas arbitrariedades como diversión. Así podría resumirse este recomendable film francés que aúna con soltura entretenimiento y cierta perspicacia social. Es cierto que el argumento y las diversas peripecias por las que pasa el protagonista no superarían el más mínimo análisis de la lógica policial, pero el espectador admite esos puntos débiles porque uno se lo pasa muy bien asistiendo, como voyeur, a como se va complicando la vida de este impostor que se esconde en mentiras cada vez más grandes en una forma de huida hacia adelante convertida en leit motiv vital.

 La película retoma un tono clásico de intriga de suspense burgues muy en la línea de la famosa novelista en la que el éxito profesional y sentimental se sobrepone a cualquier condición moral.

El film tiene un ritmo perfecto, una ajustada dirección y perfectas interpretaciones (la bellísima Girardot está radiante en su papel) pero el guión obliga a la suspensión de la incredulidad demasiadas veces.

Finalmente, el desenlace cierra el círculo de manera demasiado perfecta y con un exceso de justicia poetica que hace perder fuerza al conjunto.

A sus 25 años, Mathieu, sigue soñando con ser un escritor de prestigio, pero a pesar de todos sus esfuerzos, no consigue publicar nada. Mientras tanto, se gana la vida en la empresa de mudanzas de su tío. Su destino dará un vuelco el día en que, por casualidad, se tope con el manuscrito de un anciano solitario que acaba de morir. Al principio tendrá escrúpulos, pero acabará por publicarlo a su nombre. Una vez convertido en la nueva promesa de la literatura francesa, se espera con impaciencia que escriba su segunda novela. La vida de Mathieu se convertirá entonces en una maraña de mentiras cuyo único fin es preservar a toda costa su secreto.